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Musica Clasica, Sonata




Enviado por latiniando



    Sonata (del italiano
    suonare, 'sonar'), composición musical para uno o
    más instrumentos. Por una parte, el término forma
    sonata se refiere a la estructura
    musical de los primeros movimientos de las sonatas y de los
    géneros relacionados con ella en los siglos XVIII y XIX.
    Pero también desde mediados del siglo XVIII, el
    término sonata ha sido utilizado generalmente para las
    obras de tres o cuatro movimientos para uno o dos instrumentos,
    como sucede en las sonatas para piano (solista) o con la sonata
    para violín (para violín con un instrumento de
    teclado). Se
    suelen usar términos distintos al de sonata en obras que
    presentan la misma disposición pero que están
    compuestas para otras combinaciones instrumentales; por ejemplo,
    la sonata para orquesta se llama sinfonía, la sonata para
    un instrumento solista se llama concierto, y la sonata para
    cuarteto de cuerdas se llama cuarteto de cuerdas

    Sinfonía (del griego, syn,
    'juntos'; phone, 'sonido'), en
    música,
    composición orquestal que suele constar de cuatro
    secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas
    ocasiones, tiempos. La denominación se aplicó por
    primera vez en el siglo XVI a los interludios instrumentales de
    formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo
    notable es la 'Sinfonía pastoral' del oratorio El
    Mesías
    (1742) de Georg Friedrich Händel. La
    sinfonía en su sentido moderno surge a comienzos del siglo
    XVIII.

    Cantata, en música,
    composición vocal con acompañamiento instrumental.
    La cantata tiene su origen a principios del
    siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al
    oratorio. El tipo más antiguo de cantata, conocido como
    cantata da camera, fue compuesto para voz solista sobre un
    texto profano.
    Contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas,
    como son los recitativos y las arias. Entre los compositores
    italianos que escribieron estas obras se incluyen Giulio Caccini,
    Claudio Monteverdi y Jacopo Peri. Hacia finales del siglo XVII,
    la cantata da camera se convirtió en una
    composición para dos o tres voces. Compuesta especialmente
    para las iglesias, esta forma se conocía como cantata
    da chiesa
    (cantata de Iglesia). Sus
    máximos exponentes italianos fueron Giacomo Carissimi
    verdadero creador del oratorio, y Alessandro Scarlatti. En
    Alemania,
    durante este periodo, la cantata da chiesa, en manos de
    Heinrich Schütz, Georg Philipp Telemann, Dietrich Buxtehude,
    Johann Sebastian Bach y otros compositores, evolucionó
    hacia una forma mucho más elaborada que su modelo
    italiano. Bach hizo de la cantata de Iglesia el
    centro de su producción vocal, si bien también
    compuso cantatas profanas como la célebre Cantata del
    café
    .

    Ópera, drama en el cual se canta
    todo o parte del diálogo y que contiene oberturas,
    interludios y acompañamientos instrumentales. Existen
    varios géneros teatrales estrechamente relacionados con la
    ópera, como el musical y la opereta.

    Periodos preclásico y clasicismo de la
    opera

    Varios compositores intentaron, a mediados del
    siglo XVIII, cambiar las prácticas operísticas.
    Introdujeron formas distintas del da capo en las arias y
    fomentaron la música coral e
    instrumental. El compositor más importante de esta
    época fue el alemán Christoph Willibald Gluck. Uno
    de los factores que contribuyeron a la reforma de las
    prácticas operísticas durante el siglo XVIII fue el
    crecimiento de la ópera cómica, que recibía
    varios nombres. En Inglaterra se
    llamaba ballad opera, en Francia
    opéra comique, en Alemania
    Singspiel y en Italia opera
    buffa.
    Todas estas variaciones tenían un estilo
    más ligero que la opera seria italiana. Algunos
    diálogos se recitaban en lugar de cantarse y los
    argumentos solían tratar de gentes y lugares comunes, en
    lugar de personajes mitológicos. Estas características pueden verse claramente en
    la obra del primer maestro italiano de la ópera
    cómica, Giovanni Battista Pergolesi. Dado que las
    óperas cómicas ponían más
    énfasis en la naturalidad que en el talento
    escénico, ofrecieron la oportunidad a los compositores de
    óperas serias de dar más realismo a sus
    composiciones.

    El músico que transformó la opera
    buffa
    italiana en un arte serio fue
    Wolfgang Amadeus Mozart, quien escribió su primera
    ópera, La finta semplice (1768), a los 12
    años. Sus tres obras maestras en lengua
    italiana, Las bodas de Fígaro (1786), Don
    Giovanni
    (1787) y Così fan tutte (1790),
    muestran la genialidad de su caracterización musical. En
    Don Giovanni creó uno de los primeros grandes
    papeles románticos. Los singspiels de Mozart en
    alemán van desde el cómico El rapto del
    serrallo
    (1782), a la simbología ética de
    inspiración masónica de La flauta
    mágica
    (1791).

    Concierto (género musical),
    composición musical, generalmente en tres movimientos,
    para uno o más instrumentos solistas acompañados
    por una orquesta. El nombre de concerto unido a la
    música se
    utilizó por vez primera en Italia en el
    siglo XVI, pero no se hizo habitual hasta alrededor de 1600 al
    comienzo del barroco. Al
    principio, el concierto y su adjetivo relacionado,
    concertato, hacían referencia a una mezcla de
    colores tonales
    instrumentales, vocales, o mixtos. Se aplicaban a una amplia
    variedad de piezas sagradas o profanas que utilizaban un grupo mixto de
    instrumentos, cantantes o de ambos. Este grupo
    podía ser tratado bien como un conjunto mixto unificado,
    bien como un conjunto de sonidos opuestos unos a otros. Este
    estilo concertante fue desarrollado especialmente por el
    compositor italiano Claudio Monteverdi, especialmente en sus
    libros de
    madrigales quinto a octavo (1605-1638). Influido parcialmente por
    Monteverdi, el compositor alemán Heinrich Schütz
    aplicó el nuevo estilo a sus trabajos sacros en
    alemán. Este concepto
    siguió vigente hasta el siglo XVIII, como puede apreciarse
    en las muchas cantatas sacras de Johann Sebastian Bach que llevan
    el título de concertos.

    El concierto
    clásico

    A mediados del siglo XVIII el cambio musical
    decisivo que significó el paso desde el barroco al
    clasicismo no podía dejar de afectar al concierto. Aparte
    del breve florecimiento de un derivado francés llamado
    sinfonía concertante, el concerto grosso
    murió y dio paso a la sinfonía, que mantuvo gran
    parte de sus rasgos. No obstante, el concierto para solista
    persistió como vehículo del virtuosismo,
    indispensable para los compositores que a la vez eran
    intérpretes de su propia obra. El piano suplantó
    gradualmente al violín como instrumento solista preferido.
    Fue el instrumento favorito tanto de Wolfgang Amadeus Mozart,
    quien escribió los conciertos más importantes a
    finales del siglo XVIII, como de Ludwig van Beethoven, cuyos
    cinco conciertos para piano y su único concierto para
    violín (1801-1811) dieron la consagración
    definitiva a su desarrollo.

    Durante el clasicismo, el concierto creció
    aún más. Su estructura era
    el reflejo de un compromiso con la forma tradicional del
    ritornello, en un alarde de virtuosismo, así como
    de las nuevas formas y estilos desarrollados con la
    sinfonía. Los primeros movimientos se construían
    como una variante del ritornello. Tanto éste como
    la primera sección solista se parecían a la
    sección de la exposición del primer movimiento de
    una sinfonía. El resto del movimiento
    también seguía un desarrollo
    similar al primer movimiento de
    una sinfonía, pero con el solista y la orquesta tocando
    juntos o de forma alternada. El movimiento
    final era generalmente un rondó con una especie de
    estribillo recurrente. Los movimientos lentos quedaban menos
    determinados en su forma. Al igual que las sinfonías, los
    conciertos se convirtieron en obras grandes, con una personalidad
    propia y distintiva, que se interpretaban en salas de concierto
    públicas, delante de una gran audiencia.

    .

    Historia de la sonata

    En los siglos XVI y XVII el término sonata,
    que aparecía con creciente frecuencia en los
    títulos de las obras instrumentales, significaba meramente
    pieza sonora instrumental distinguiéndose así de
    las composiciones vocales. El término no implicaba
    entonces una forma o estilo de composición
    específico. La forma y el estilo se desarrollaron en
    Italia a finales
    del siglo XVI y principios del
    XVII, al cultivarse por vez primera la música instrumental a
    gran escala. La forma
    tenía varias secciones claramente delineadas en tiempos y
    texturas contrastantes, como una sección tipo danza seguida
    de una melodía lenta con acompañamiento, a la que
    seguía una sección rápida en forma de fuga.
    Dichas composiciones no necesariamente se llamaron sonatas;
    más a menudo se utilizaban los términos
    ricercare o canzona. Durante la década de
    1630 el número de secciones en dichas piezas tendía
    a disminuir a tres o cuatro, mientras que aumentaba la longitud
    de las secciones restantes y la estructura
    formal se volvía más compleja, incorporando
    relaciones a largo plazo en las que intervenían el ritmo,
    la armonía, la melodía y otros rasgos musicales.
    Finalmente, las secciones se convirtieron en movimientos
    separados.

    Hacia el siglo XVII emergieron dos
    categorías: la sonata da chiesa, o sonata de
    iglesia, una
    obra seria con cuatro movimientos con la estructura
    lento-rápido-lento-rápido y que reflejaba la
    complejidad del contrapunto de los más antiguos
    ricercare y canzona; y la sonata da camera,
    o sonata de cámara, una serie de movimientos cortos con
    origen en la danza,
    precursora de la suite. La combinación instrumental
    más típica para la sonata durante el barroco medio
    y tardío fue la sonata a trío: dos instrumentos
    melódicos acompañados por el bajo continuo (un
    instrumento bajo melódico apoyado por un instrumento
    armónico). El maestro por excelencia de la sonata a
    trío del siglo XVII fue el violinista italiano Arcangelo
    Corelli. También se escribieron sonatas para
    pequeños conjuntos
    instrumentales (incluidas muchas de Corelli) y para instrumentos
    solistas, como las sonatas de Johann Sebastian Bach para
    violín y para violonchelo solistas, y las sonatas para
    teclados solistas del alemán Johann Kuhnau. También
    se escribieron obras para un único instrumento
    melódico y bajo continuo, entre ellas las sonatas para
    violín del austriaco Heinrich von Biber, autor de las
    admirables sonatas del Santo Rosario para
    violín.

    Durante la época preclásica y del
    clasicismo temprano, la sonata da chiesa, influida por la
    sonata da camera, evolucionó hacia una forma
    definida de tres o cuatro movimientos, el primero de los cuales
    generalmente estaba en forma sonata y poseía un tempo
    moderadamente rápido, el segundo tempo lento, y el
    movimiento
    final, en tempo rápido. Cuando se componía un
    cuarto movimiento, había un minué que se
    insertaba antes del movimiento final. A mediados del siglo XVIII
    el término sonata comenzó a utilizarse
    únicamente cuando el medio interpretativo era un
    instrumento de teclado
    solista o algún otro instrumento solo acompañado
    por un teclado. La
    forma sonata junto con sus principios,
    influyeron en la música de la época, no sólo
    en las sonatas instrumentales, sino también en las
    sinfonías, los conciertos y los cuartetos de cuerda,
    así como en otro tipo de música de cámara.
    La sonata clásica queda ilustrada con las obras de
    Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven, los
    grandes maestros del clasicismo vienés. Al igual que la
    mayoría de los compositores del siglo XIX, Beethoven
    escribió sonatas en cuatro movimientos, pero en sus
    últimos años a veces abandonó la
    disposición propia de la sonata en favor de una cantidad
    de movimientos menor o mayor.

    Durante el siglo XIX, la tradición de la
    sonata clásica se mantuvo en manos de compositores
    austriacos y alemanes del romanticismo como
    Franz Schubert, Robert Schumann y Johannes Brahms. Sin embargo,
    muchos compositores, entre ellos el pianista polaco
    Frédéric Chopin, tenían más facilidad
    para las piezas cortas que para las obras de mayores dimensiones;
    cuando escribían sonatas, tendían a no tomar en
    cuenta las relaciones musicales a gran escala y
    escribían movimientos sorprendentemente diferenciados,
    cuya estructura
    interna realzaban haciéndoles corresponder unos episodios
    diferenciados. Otros, como el pianista húngaro Franz
    Liszt, no tomaron en consideración gran parte del esquema
    tradicional. Su Sonata en si menor es una obra larga en un
    movimiento, que se parece al planteamiento del poema
    sinfónico.

    Los compositores del siglo XX han seguido esquemas
    muy diferentes para escribir sus sonatas. Algunas, como las de
    Samuel Barber, son largas piezas escritas en la tradición
    del siglo XIX. Otras, como las del ruso Ígor Stravinski,
    han vuelto a los principios
    clásicos de la contención y la claridad formal. Un
    tercer grupo, como
    las del estadounidense Charles Ives, utilizan el término
    sonata de forma indefinida para sugerir en la mente del oyente
    las grandes tradiciones del pasado, pero con una estructura y
    carácter que tienden al individualismo. El significado del
    término sonata, por todo ello, está volviendo a su
    definición original, algo ambigua, como pieza instrumental
    sin que implique de modo necesario unas características
    predeterminadas

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