Indice
1.
Rasgos mas importantes del cine
2. El nacimiento del cine en
EEUU
3. Captura del movimiento en una
película: cómo comenzó el
cine
4. Las películas se convierten o
formidable
5. El negocio del
cine
6. El trabajo en el
cine
7. La tecnología y el
futuro
8. Mercados internacionales y
poder concentrado
1. Rasgos mas importantes
del cine
El cine es
la
comunicación a través de imágenes,
las múltiples dimensiones que alberga este medio de
comunicación posibilitan una riqueza
narrativa, lo que lo ubica como el arte y el medio
de expresión característico del siglo XX. Su lenguaje
obedece a leyes de una
gramática y una sintaxis visual propias.
Posee un conjunto de técnicas
reunidas para obtener una proyección luminosa, y la
restitución de movimiento
registrado fotográficamente. La fusión de
una serie de imágenes
fijas sucediéndose rápidamente, sufriendo un ligero
desplazamiento una de otra, crea la imagen
móvil.
En un nivel elemental y rudimentario la gramática cinematográfica se basa en
los planos: forma en que es contenido el fragmento de la realidad
impresionado en una película desde que se prende el
motor de la
cámara hasta que se detiene.
Tipos de planos
general
Medio
Primer plano
Plano americano
Otro elemento gramatical importante es el encuadre:
composición del contenido de la imagen, la forma
que el realizador determina y eventualmente organiza el fragmento
de realidad, con la infinidad de variables que
esto supone.
La sintaxis se apoya en las diferentes combinaciones del montaje,
a las que se define como la combinación de fragmentos de
un film que generan un tiempo nuevo, una
nueva representación fílmica de una acción,
que forma una nueva realidad.
La ilusión de movimientos manifiesta los "gestos" por
medio de los cuales vemos a los actores que se mueven, se besan,
fuman, realizan una serie de movimientos que sin duda son propios
de la cultura a la
que pertenecen, pero el cine estiliza
e intenta universalizar.
El cine como proceso
comunicativo se puede diferenciar tres planos; el plano
representativo (lo que se dice), el plano expresivo (como se
dice)y el plano apelativo (para que se dice).
Los canales del cine:
- En cuanto a tiempo; el
tiempo es predeterminado, tenemos horarios para distintas
funciones,
ya establecidos. - El grado de participación; es colectivo, se
encuentran varios receptores en un mismo lugar. - Es una comunicación indirecta, requiere que el
receptor se desplace, y el emisor no está
físicamente presente. - El sonido es
secuencial y concreto; a
través de la imagen sonora. - En cuanto a espacio-tiempo; conjuga el tiempo en un
espacio, pero se impone lo secuencial, si uno se pierde una
escena, se pierde el hilo de la trama de la
película. - La distancia sicológica; involucra
emocionalmente a los receptores. - La distancia entre los actores; es
indirecta. - Es un medio caliente; tiene alta definición,
permite mucha información, el receptor recibe el
mensaje pleno y entero, su misión
es receptiva-pasiva. Es un canal cerrado por ser un medio
caliente, donde los mensajes son estructurados. - Par analítico; es unilateral, no hay
reciprocidad comunicativa. - Grado de permanencia:
- Duración del soporte material: no hay
duración del mismo. - Duración de los contenidos en los lectores;
tiene un grado de resonancia bajo, permitiéndonos volver
a ver la película. - El mensaje es fugaz y tiene poca contingencia del
contenido.
2. El nacimiento del cine en
EEUU
En ningún otro negocio hay un solo ejemplo de un
producto
completamente creado con una inversión de millones de dólares sin
la, seguridad real de
que el publico lo compre. En ningún otro negocio el
publico 'usa' el producto y
luego se va… sólo con el recuerdo del mismo. En el
sentido más real, es una industria que
se basa en los sueños."
Sería fácil suponer que la industria
cinematográfica es una de las industrias de
medios de
comunicación más importantes porque la publicidad en
tomo alas celebridades de las películas capta un gran
nivel de atención. Con frecuencia es sorprendente
saber que resulta la cantidad más baja de ingresos de la
industria de los medios masivos
de comunicación (cerca de 4 por ciento).
Las películas y las estrellas cinematográficas
necesitan la atención del público porque el
auditorio determina si la película fue un éxito o
un fracaso. Las películas son inversiones
muy costosas yen la mayor parte de ellas los productores pierden
dinero.
Por lo tanto, con frecuencia los inversionistas prefieren a los
talentos "vendibles" que harán la continuación de
una película, en lugar de los nuevos talentos sin
probar.
Además, inclusive las películas que presentan aun
talento reconocido pueden fracasar; nadie en la industria
cinematográfica puede pronosticar qué
películas tendrán éxito.
El experto en películas Jason E. Squire
escribe:
En su forma más simple, la película es el cambio de
imágenes luminosas para ganar corazones en las salas
oscuras. En su forma más compleja, es una inversi6n
comercial masiva, una enorme empresa creativa
que requiere la disciplina
logística de los militares, los pronósticos financieros de la Reserva
Federal y la tolerancia
psicol6gica del clero, todo utilizado en privado en favor de la
narraci6n de una historia. En la industria
cinematográfica, la idea es hacer películas que
atraigan a vastos auditorios que acumulativamente paguen el dinero
suficiente por el privilegio de verla, de modo que todos los
costos implicados
en la creaci6n de esa película se paguen, y aún
queden reservas suficientes para hacer más
películas. El motor del trabajo
es el beneficio, pero la f6rmula que atrae a los auditorios es
tan evasiva como solo ella puede serlo.
Las películas reflejan la sociedad que las
crea. Algunas ofrecen un mensaje político subyacente.
Otras reflejan los valores
sociales en cambio. y
otras películas son un buen entretenimiento. Pero todas
necesitan del público para tener éxito.
Al igual que otras industrias de
medios de
comunicación, la cinematográfica ha tenido que
adaptarse a la cambiante tecnología. Antes del
invento de la
televisión, las películas eran la forma
principal de entretenimiento visual. En la actualidad, los
efectos especiales (algo que rara vez se muestra en
televisión) son la vía mediante la
cual la industria cinematográfica compite con la
televisión por audiencia y dinero. Pero
los efectos especiales, además de ser muy costosos, no son
apropiados para todas las películas. En la actualidad, la
economía
de la creación de películas es muy
importante.
3. Captura del movimiento en
una película: cómo comenzó el
cine
Las películas se inventaron en una época
en que la industria estadounidense daba la bienvenida a cualquier
aparato, por lo que los inventores trataban frenéticamente
de obtener patentes de aparatos electrónicos y
eléctricos. La cámara y el proyector de
película con movimiento fueron dos de los nuevos aparatos
de la Revolución
industrial.
Los primeros inventores nutren la industria
cinematográfica
Las películas no fueron invento de una sola persona. Primero
se debía inventar un dispositivo para fotografiar objetos
en movimiento y luego un dispositivo para proyectar esas
películas. Este proceso
implicó a seis personas: Étienne Jules Marey,
Eadweard Muybridge, Thomas Edison, William K. L. Dickson y
Auguste y Louis Lumiere. Marey y Muybridge. Étienne Jules
Marey, un científico que trabajaba en París,
intentaba registrar el movimiento de un animal en acciones
separadas (una a la vez) para comparar un animal con otro. Hizo
diagramas de
los movimientos de un caballo y publicó la información en un libro, Animal
Mechanism. J
Desconocido para Marey, el fotógrafo Eadweard Muybridge
fue contratado por el multimillonario de los trenes y criador de
caballos Leland Stanford para resolver una apuesta de 25,000
dólares. Stanford había apostado que durante un
carrera, las cuatro, patas del caballo se despegan
simultáneamente del suelo. En 1877,
Muybridge y StanfoId construyeron una pista especial en Palo
Alto, California, con 12 cámaras precisamente ubicadas
para tomar fotografías de un caballo a medida que
éste corría alrededor de la pista. Según
avanzaba el caballo desprendía una serie de cables
equidistantes, los que a su vez hacían funcionar los
obturadores de las cámaras. Stanford ganó sus
25,000 dólares(una fotografía
demostró que las cuatro patas del caballo se separaban el
suelo) y la
serie fotográfica ofreció un excelente estudio del
movimiento.
Muybridge aumentó el número a 24 cámaras,
fotografió otros animales y luego
tomó fotografías de personas en movimiento.
Viajó por Europa exhibiendo
sus fotografías. Con el tiempo, Muybridge y Marey se
conocieron. En 1882, Marey perfeccionó una cámara
fotográfica que podía tomar 12 fotografías
en una placa, la primera cámara de película en
movimiento.
Thomas Edison. En 1988, Thomas Edison compró algunas de
las fotografías de Muybridge y se las mostró a su
asistente, William K. L. Dickson. Posteriormente conoció a
Marey en Europa, donde
éste había inventado un proyector que mostraba
imágenes en una tira continua de película. Pero la
película de tira se movía en forma irregular a lo
largo de los lentes del proyector, de modo que las
películas saltaban.
William K. L. Dickson. De regreso a América, Dickson perforó las orillas
de la película de manera que, a medida que ésta se
movía a través de la cámara, los engranajes
se insertaban en las perforaciones y mantenían la
película en su lugar, minimizando los saltos. Dickson
enrolló la tira sobre una lámpara y una lente
amplificadora en una caja de 2 pies de ancho y 4 de alto. La
caja, a la que Edison denominó kinetoscopio, que
tenía una mirilla en la parte superior, se colocaba en el
piso de modo que la gente pudiera ver adentro.
El 11 de abril de 1894 se inauguró la primera sala de
kinetoscopio en la ciudad de Nueva York. Por 25 centavos de
dólar, el público podía ver diez diferentes
películas de 90 segundos en blanco y negro, entre las
cuales se incluían "Trapeze" , "Horse Shoeing",
"Wrestlers" y "Roosters".
Auguste y Louis Lumiere. En Francia, los
hermanos Lumiere, Auguste y Louis, desarrollaron una
cámara mejorada y un proyector que podía presentar
la película en una pantalla grande. La primera
demostración pública de los Lumiere fue el 28 de
diciembre de 1895: diez temas cortos con títulos
sensacionalistas como "Lunch Hour at the Lumiere Factory" , que
presentaba a los obreros saliendo de la construcción, y "Arrival of a Train at a
Station". La admisión costaba un franco y los hermanos
Lumiere recaudaron 35 francos.
Edison lanza las películas estadounidenses
Cuatro meses después de la premiere de Lumiere en Francia,
Edison organizó la premiere de la primera película
estadounidense con una cámara mejorada desarrollada por el
inventor independiente Thomas Armat. Edison armó la nueva
máquina Vitascope (un proyector cinematográfico
rudimentario), y la primera demostración pública de
la película en Estados Unidos
fue el 23 de abril de 1896, en el cine de Koster y Bial, en Nueva
York. Edison se sentó en una caja y Armat puso a funcionar
el proyector en el balcón.
Al principio, las películas eran un espectáculo
secundario. Los propietarios de centros de diversiones las
presentaban detrás de una pantalla negra en la parte
posterior del centro de diversiones por un níquel extra
(cinco centavos de dólar). Pero pronto las
películas adquirieron mayor popularidad que el resto de
las atracciones, por lo cual los centros de exhibición
recibieron el nombre de nickelodeons.
En 1900 había más de 600 nickelodeons en la ciudad
de Nueva York, que vendían más de 300,000 entradas
por día.Cada función
duraba alrededor de 20 minutos. Los programas iban
desde medio día hasta tarde por la noche, y muchos cines
tocaban música en el exterior
para atraer más espectadores.
En 1907, Edison había firmado contrato con la
mayor parte de los productores de la nación,
así como con los hermanos Lumiere y el innovador productor
francés Georges Mélies, para abastecer a ¡os
cines con películas. Los cines con licencia de Edison
usaban proyectores autorizados por éste y rentaban
películas con su licencia, muchas de las cuales eran
producidas por el mismo Edison en su propio estudio.
La excepción importante al plan de
cesión de derechos de Edison fue su
rival, la American Biographand Mutoscope Company,
comúnmente llamada Biograph.
Biograph fabricó una cámara de película en
movimiento mejor que la de Edison, lo cual le restaba
participación en el negocio. En 1908, Biograph
firmó un contrato con
Edison, mediante el cual constituyen la Motion Picture Patents
Company (MPPC).
Las compañías autorizadas que exhibían las
películas pagaban 2 dólares por semana a la MPPC,y
cualquier distribuidor o exhibidor que violaba el contrato e
introducía películas independientes era expulsado
de la MPPC. Esta empresa
recaudó más de un millón de dólares
el primer año, pero era Edison quien recibía la
mayor parte de las regalías. Así, Edison
estableció el primer fideicomiso de
películas, lo cual le dio un virtual monopolio en
el negocio de la cinematografía.
La innovación se convierte en arte
Todas las primeras películas eran grabaciones mudas en
blanco y negro. Recién en la década de 1920 se les
introdujo sonido y los
experimentos a
colores
comenzaron en la década siguiente. Dos realizadores
independientes fueron quienes introdujeron el arte en la
filmación de las películas: Georges Mélies y
Edwin s. Porter.
Georges Mélies. El realizador francés Georges
Mélies agregó fantasía a las
películas. Antes de él, los realizadores
sólo
fotografiaban escenas teatrales o eventos de la
vida cotidiana. Pero Mélies, que era mago y caricaturista
antes de convertirse en creador de cine, realizaba trucos con la
cámara mediante los cuales los personajes aparecían
y desaparecían, o aumentaban o luego disminuían de
tamaño. La película de Mélies de 1902, A
Tríp to the Moon, fue la primera aventura fílmica
en el espacio exterior, llena de criaturas de fantasía.
Cuando sus películas, que se conocieron como
películas con trucos, se presentaron en Estados Unidos,
los realizadores estadounidenses se apropiaron de sus ideas.
Edwin S. Porter. Edison contrató al proyeccionista Edwin
S. Porter en 1899; y en la década siguiente Porter se
convirtió en el realizador de películas más
importante de los Estados Unidos. Hasta su ingreso a la
industria, la mayor parte de las películas estadounidenses
contenían trucos o eran cortometrajes documentales que
presentaban eventos
noticiosos (aunque algunos realizadores utilizaban temas
excitantes, como Pajama Gírl y Corset Gírl para
complacer al público masculino, que era el más
fanático de las películas). En 1903, Porter produjo
The Great traín Robbery, una película de
acción con bandidos que asaltaban un tren a gran velocidad.
En lugar de usar una sola locación como la mayoría
de los realizadores, Porter filmó en 12 escenarios
distintos. También introdujo el uso de di solvencias entre
imágenes en lugar de empalmes abruptos. Las técnicas
de filmación de Porter (acción y diversas
locaciones) presagiaban la tradición de narración
de historias, clásica en las películas de Estados
Unidos.
Nace el sistema de
estudio
Ninguno de los actores de las primeras películas
recibía crédito
en pantalla, pero entonces los fanáticos empezaron a
escribir cartas a la
estrella de Biograph, Florence Lawrence, dirigidas a "La Chica
Biograph".. En 1909, Carl Laemmele. Formó una
compañía productora independiente, robó a
Florence Lawrence de Biograph y le dio su crédito
en pantalla, lo cual la convirtió en la primera estrella
cinematográfica de Estados Unidos.
Biograph fue la primera compañía que realizó
películas usando el sistema de
estudio. El sistema de estudio consistía en que un estudio
contrataba bajo una cláusula de exclusividad un grupo de
estrellas y personal de
producción al que se le pagaba un salario regular,
por lo cual no podían trabajar para ningún otro
estudio sin autorización de su empleador.
En 1901, Laemmle ganó a Mary Pickford de Biograph, al
ofrecerle duplicar su salario.
Según el experto en películas Robert Sklar,
descubrió que "las estrellas vendían
películas como nadie más podía hacerlo.
Mientras que los cines cambiaban diariamente sus programas (y la
práctica siguió en los cines de barrio y pueblos
pequeños hasta la década de 1920), hacer que el
público reconociera los nombres de las estrenas era la
única forma eficaz de publicidad para
ganar auditorio".
El sistema de estrellas que promovía a personalidades
cinematográficas para atraer público fue alimentado
por .las compañías independientes, lo cual
permitió llevar el atractivo de las películas
más allá de la clase trabajadora. En los suburbios
comenzaron a aparecer salas cinematográficas. En 1914, el
presidente Woodrow Wilson y su familia
presenciaron una película popular en la Casa Blanca. Entre
1908 y 1914 se duplicó el público que
asistía al cine.
D. W. Griffith introduce lo espectacular
En 1915 surgió el primer gigante real de las
películas mudas, el director O. W. Griffith, que introdujo
el concepto de
entretenimiento espectacular. Estas películas eran tan
ambiciosas, tan grandiosas, que nadie podía
ignorarlas.
La extensión de la mayor parte de las primeras
películas era de dos carretes, es decir, 25 minutos. Al
principio, Griffith realizaba producciones de dos carretes, pero
luego amplió sus películas a cuatro carretes y
más, con lo cual se convirtió en el precursor del
largo metraje.
La producción épica más conocida
de Griffith era tan polémica coma espectacular.
En The Birth of a Nation (1915) el sureño Griffith
presentó una perspectiva dramática de la Guerra Civil y
la Reconstrucción, en la cual reflejaba estereotipos
raciales y abordaba el tema de la mezcla sexual de las razas. Era
una película ambiciosa sobre un tema amargo y
polémico, presentada a un público que aún no
había saldado sus divisiones provocadas por la guerra. El
costo de la
película (aproximadamente 110,000 dólares) era
cinco veces mayor que el de cualquiera de las películas
estadounidenses hasta entonces realizadas.
Con ésta y sus producciones épicas subsecuentes,
Griffith mostró el potencial que tenían las
películas como un medio masivo de comunicación para
reunir a públicos numerosos. Asimismo, demostró la
disposición de la gente a pagar más de un
níquel por ver una película. Las películas
habían pasado de los concurridos nickelodeons a la
respetabilidad.
Rápidamente se formaron nuevas compañías
productoras para alimentar lo que parecía ser el deseo
insaciable de películas por parte del público. Las
primeras compañías gigantes fueron First National,
Famous Players-Lasky, Metro, Lowe's, Fox y Paramount. En 1918,
Paramount distribuyó 220 producciones, más que
cualquier compañía antes o
después.
4. Las películas se
convierten o formidable
El negocio del cine cambiaba con rapidez. Cinco
acontecimientos importantes de la década de 1920 lo
transformaron: el movimiento de la industria a California, la
adopción
de la adquisición en bloques, la formación de
United Artists, los esfuerzos por la autorregulación y la
introducción del sonido.
Las películas van a Hollywood
Durante la primera década del siglo xx, las principales
compañías cinematográficas se localizaban en
Nueva York, la capital del
teatro. Las
compañías productoras de películas viajaban
ocasionalmente a Florida y Cuba para
contar con luz solar, ya que
era más fácil construir los escenarios en
exteriores para así aprovecharla. Pero esto pronto
cambió.
En 1903, Harry Chandler, propietario de Los Angeles Times,
invirtió en bienes
raíces en Los Angeles. Chandler y sus amigos atrajeron al
negocio del cine, al que ofrecieron tierra barata,
un clima templado y
mano de obra económica. Los productores de
películas se mudaron a Hollywood.
Adquisición en bloque
Los propietarios de las cadenas de teatros pronto decidieron
hacer películas, a la vez que los productores de
películas comprobaron que podían obtener ganancias
si conservaban la propiedad de
los cines, de modo que las compañías de
producción empezaron a construir cines para exhibir sus
propias películas. La conexión entre
producción, distribución y exhibición
creció encabezada por Adolph Zukor, de Paramount, quien
diseñó un sistema denominado adquisición en
bloque.
La adquisición en bloque implicaba que una
compañía, como Paramount, firmaba un contrato con
uno de sus cines con licencia hasta por 104 películas a la
vez. El paquete de películas contenía algunas
producciones fílmicas de "renombre" en el que participaban
estrellas, pero la mayor parte de las películas del
paquete eran mediocres y no incluían actores conocidos.
Debido a que la cartelera de las películas cambiaba dos
veces por semana, los exhibidores se desesperaban por presentar
algo en la pantalla. A menudo, sin saber qué
películas conformaban el bloque, los exhibidores compraban
los paquetes y pagaban los precios que
imponían los distribuidores.
12-20
21-29
Los campeones de United Artists se independizan
En 1919, las cinco estrellas de películas más
famosas (el vaquero estrella William S.
Hart, Mary Pickford, Charlie Chaplin, Douglas Fairbanks y D. W.
Griffith) decidieron que era tiempo de rebelarse contra el
estricto sistema de distribución de los estudios. El 15 de
enero de 1919, las estrellas anunciaron:
Ayer se .formó un nuevo conjunto de estrellas y
productores de películas, y nosotros, los titulares, para
impulsar el bienestar artístico de la industria
cinematográfica, convencidos de que podemos servir mejor a
la gran industria creciente de las producciones ft1micas, hemos
decidido unir nuestro trabajo en una asociación y, al
finalizar los contratos
existentes, que ahora se aproximan con rapidez a su
término, lanzaremos nuestras producciones a través
de nuestra propia organización.
Finalmente, Hart renunció al convenio, pero los
demás socios formaron una compañía llamada
United Artists. Eliminaron la adquisición en bloque y se
convirtieron en distribuidores de películas producidas en
forma independiente, entre las cuales se incluían sus
propias producciones.
En sus primeros seis años de vida, UA presentó
muchas películas que hoy día se consideran
clásicas: The Mark of the Zorro (La Marca del Zorro),
The Three Musketeers
(Los Tres Mosqueteros), Robin Hood y The Gold Rush (La Fiebre del
Oro). Estas películas tuvieron éxito no obstante el
hecho de que UA trabajaba fuera del sistema de estudio
tradicional, con lo cual demostró que era posible
distribuir películas sin tener un gran estudio.
Los creadores de películas se autorregularon para
responder a los escándalos
En la década de 1920, la industria cinematográfica
enfrentó dos nuevas crisis: los
escándalos que implicaban a estrellas del cine y la
crítica de que el contenido de las películas era
cada vez más audaz. Como consecuencia, los productores de
películas decidieron autorregularse.
Los escándalos de las estrellas comenzaron en 1927, cuando
el comediante Roscoe "Fatty" Arbuckle organizó una fiesta
maratónica en San Francisco con motivo del Día del
Trabajo. Cuando la fiesta estaba por terminar, la modelo Virgina
Rappe fue llevada al hospital con fuertes dolores de
estómago. Virginia murió en el hospital, y Arbuckle
fue acusado de homicidio.
Posteriormente, se dijo que la causa de la muerte fue
peritonitis por una ruptura de apéndice y la
acusación fue reducida a homicidio no
premeditado. Después de tres juicios, dos de los cuales
terminaron en jurados suspendidos, Arbuckle fue absuelto.
Luego el director William Desmond Taylor fue
asesinado en su hogar. Mabel Normand, una amiga de Arbuckle, fue
identificada como la última persona que
había visto vivo a Taylor.
Finalmente, Normand fue absuelta, pero se reveló que
"Taylor" no era el nombre real del director y se sospechaba que
estaba implicado en el negocio de las drogas.
Los magnates y hombres de negocios de
Hollywood estaban estupefactos. La Catholic Legion of Decency
anunció un boicot a las películas. Prestos a
defenderse, los líderes empresariales de Los Angeles se
reunieron y decidieron que Hollywood debía
autorregularse.
Harry Chandler, de Los Angeles Times, trabajaba con
líderes cinematográficos que recurrieron al ex
administrador
general de correos y antiguo dirigente del Partido Republicano,
Will Hays, para responder a estos y otros escándalos en la
industria del cine. El trabajo de
Hays era dirigir la renovación moral de la
industria.
En marzo de 1922, Hays se convirtió en el primer
presidente de Motion Picture Producers and Distribution
Association (MPPDA), con un salario de 100,000 dólares al
año. Un mes más tarde, aunque Arbuckle había
sido absuelto, Hays suspendió todas las películas
de Fatty Arbuckle.
Además de vigilar el comportamiento
personal de
las estrellas, Hays decidió que su oficina
también debía supervisar el contenido de las
películas. La MPPDA, como se conocía la oficina de Hays,
redactó un código
de conducta para
regir la industria.
El 17 de febrero de 1930, la MPPDA adoptó un código
de producción, el cual comenzaba con la fijación de
tres principios
generales:
1. No se debe producir ninguna película que degrade los
estándares morales de quienes la ven. Por lo tanto, la
simpatía del auditorio nunca debe inclinarse hacia el
crimen, fechoría, maldad o pecado.
2. Se deben presentar estándares de vida correctos,
sujetos 5610 a los requerimientos del drama y
entretenimiento.
3. No deben ridiculizarse las leyes, naturales
o humanas, y tampoco se debe generar simpatía por su
violación.
Posteriormente las reglas del código se dividieron en 12
categorías de fechorías, a saber:
- .Homicidio: "Se debe presentar la técnica del
homicidio de tal manera que no inspire
imitación." - .Sexo: "No se
deben presentar besos excesivos y lujuriosos, abrazos lascivos
ni poses o gestos sugestivos." - .Obscenidad: "Se prohíbe la obscenidad en
palabras, gestos, referencias, canciones, bromas o sugerencias
(aun cuando sólo una parte del público las
comprenda)." - .Trajes: "Se prohíben los trajes de danza que
permitan exhibición indebida o movimientos indecentes de
los bailarines"
Las películas permitidas ostentaban un sello de
aprobación de la PCA en los títulos al principio de
la película. Los productores se opusieron a la supervisión, pero la mayoría de
ellos, temerosos de la censura exterior a la industria, la
aceptaron. Aunque los estándares se han relajado, la
autorregulación del contenido aún opera en la
industria cinematográfica.
La nueva tecnología permite
filmar películas sonoras
Para mediados de la década de 1920, las películas
mudas eran una parte establecida del entretenimiento
estadounidense, pero la tecnología pronto llevó a
la industria a una era inclusive más vibrante, la era de
las películas sonoras. El presidente de la MPPDA, Will
Hays, fue la primera persona que apareció en pantalla en
la premiere pública de los filmes sonoros el 6 de agosto
de 1926, en la ciudad de Nueva York. Warner Bros. Y Westem
Electric habían desarrollado el sonido experimental, que
consistía en siete temas cortos, entre ellos un concierto
de la New York Philharmonic y una presentación
cómica de comedia de revista: en
conjunto, los temas cortos se llamaban The Vitaphone
Preludes.
Los hermanos Warner (Sam, Harry, Jack y Albert) eran ambiciosos
hombres de negocios que
recientemente se habían enriquecido y que vencieron a sus
competidores en las películas con sonido. El 6 de octubre
de 1927, The Jazz Singer, con la estrella Al Jolson, se
estrenó en el cine de los Warner en Nueva York, y fue la
primera película de largometraje con sonido. El filme no
era totalmente sonoro, pero en su lugar contenía dos
secciones con sonido sincronizado.
El éxito de The Jazz Singer convenció a los
competidores de Warner de no esperar más tiempo para
adoptar el sonido. Así, el1 de julio de 1930, 22% de los
cines seguían presentando películas mudas; en 1933,
sólo 0.5% de las películas presentadas en los cines
eran mudas.
Surgimiento de los florece el sistema de estudio
En la década de 1930, el negocio de las películas
estaba dominado por los cinco grandes: Wamer Bros., Metro-Goldwin
Mayer, Paramount, RKO y 20th Century Fox.
Los cinco grandes recaudaban más de dos terceras partes de
los ingresos de
taquilla de la nación.
United Artists continuó como una compañía de
distribución sólo para los productores
independientes.
Los cinco grandes estaban integrados verticalmente:
producían películas, las distribuían en todo
el mundo y tenían cadenas de cines, lo cual garantizaba
que sus películas se exhibirían. Los estudios
mantenían grupos de
estrellas, directores, productores, escritores y personal
técnico. El experto en cinematografía Tino Balio
denomina "oligopolio
maduro" a los estudios en este punto de su historia, un grupo de
compañías con tanto control sobre una
industria que ningún cambio en una de las empresas
afectaría directamente el futuro de la industria.
En la década de 1930, Walt Disney se convirtió en
el único participante nuevo con éxito en Hollywood.
Había lanzado Steamboat Willie como "1a primera
película de dibujos
animados con sonido" en 1928. Disney tenía 26 años
de edad, y vendió su automóvil para financiar la
pista sonora de la caricatura.
Después de tener éxito en otros cortometrajes
animados, Disney anunció en 1934 que su estudio
produciría su primer largometraje animado, Snow White and
the Seven Dwar.fs (Blancanieves y los Siete Enanos). Finalmente
la película le costó a Disney 2.25 millones
dólares, más de lo que MGM gastaba generalmente en
un buen musical. La premiere de Snow White fue el 21 de diciembre
de 1937, en el Cathay Circle Theater de Hollywood.
Los ingresos de taquilla cayeron abruptamente en la década
de 1930 a medida que la Depresión
se hacía presente en todos los aspectos de la economía de Estados
Unidos.
Antes de enfrentar su quiebra,
numerosos cines trataron de mantener sus ganancias la agregando
juegos de
bingo y admisiones con descuento. La única innovación que sobrevivió a la
década de 1930 fue la doble función:
dos películas por el precio de
una.
La Depresión
introdujo un factor más en los presupuestos
de las películas: los sindicatos.
Antes de la década de 1930, la mayor parte de las
actividades de la empresa
cinematográfica no estaban regidos por convenios
sindicales. Sin embargo, en 1937, el National Labor Relations
Board eligió al Screen Actors Guild para negociar los
salarios,
condiciones laborales y tiempo extra. El Screen Writers Guild fue
reconocido en 1938 y el Screen Directors Guild poco
después.
La sindicalización limitó el poder de los
magnates sobre las personas que trabajaban para ellos, pero los
convenios sindicales fueron aprobados a finales de la
década de 1930. La Depresión acabó y los
estudios emprendieron una nueva época de
prosperidad.
Las peliculas brillan durante la era dorada
Con estrellas glamorosas y guiones emocionantes, respaldado por
un ansioso grupo de directores productores y técnicos
dotados, aparte de un público insaciable, la industria de
las películas llegó a su cúspide afines de
la década de 1930 y principios de la
siguiente. El estudio más exitoso de Hollywood era MGM,
que atraía a los mejores escritores, directores y actores.
MGM se concentraba en los éxitos devastadores, como The
Great Ziegfield, The Wizard of Oz (El mago de Oz) y Gone with the
Wind (Lo que el viento se llevó). El éxito
estruendoso de Gone with the Wind no sólo demostró
el carácter
épico que pueden ofrecer las películas, sino que la
producción fílmica también representaba un
importante avance tecnológico, con un magnífico uso
del color.
El negocio del cine era tan rico que ni siquiera el monopolio de
MGM ahuyentó a la competencia.
Desafíos del Congreso y los tribunales
Antes de que la televisión
llegara a todo el país en 1948, otros dos acontecimientos
de fines de la década de 1940 ayudaron a revertir la
bonanza de las películas que comenzó a mediados de
la década de 1930: las investigaciones
del House Un-American Activities Committee y la decisión
de la Suprema Corte de Estados Unidos en el caso Estados Unidos
contra Paramount Pictures, Inc., y otros.
Los diez de Hollywood. En octubre de 1947, Estados Unidos entraba
a la Guerra
Fría.
Ésta fue una época en que muchos funcionarios
públicos, empleados del gobierno y
ciudadanos estaban preocupados por la amenaza del comunismo y
grupos
identificados como "subversivos". El Comité contra
Actividades Norteamericanas, de la Cámara de
Representantes, dirigida por J. Parnell Thomas, convocó
diez testigos "hostiles" de Hollywood para testificar acerca de
sus conexiones comunistas. (Los testigos hostiles eran personas a
las que el comité clasificaba como antiguos participantes
en "actividades contra Estados Unidos". Por lo regular, esto
implicaba que el testigo había sido miembro de una
organización de izquierda en la
década previa a la Segunda Guerra
Mundial Estos ocho guionistas y dos directores se llegaron a
conocer como los Diez de Hollywood.
La estrategia de los
Diez era aparecer ante el comité como grupo y no responder
ala pregunta directa: " ¿Es o ha sido miembro alguna vez
del partido comunista?" En su lugar, los Diez intentaban hacer
declaraciones que cuestionaban la autoridad del
comité para censurar sus inclinaciones políticas.
En una serie de audiencias inquisitoriales, el comité
rechazó el testimonio de los Diez y los sometió a
juicio por desacato. Todos fueron sentenciados a prisión y
algunos fueron multados. A finales de noviembre de 1947, los Diez
de Hollywood habían perdido su empleo. Les
siguieron muchos otros que trabajaban en el medio
cinematográfico.
En un artículo que apareció en Hollywood Review, un
miembro de los Diez de Hollywood, Adrian Scott, afirmaba que 214
empleados de la industria cinematográfica estaban en la
lista negra, lo que significaba que muchos estudios se negaban a
contratar a personas de quienes se sospechaba que habían
participado en actividades subversivas.
La gente del medio cinematográfico que no era contratada
por sus creencias políticas
incluía a 106 escritores, 36 actores y 11 directores,171o
cual, efectivamente, privó a Hollywood de algunos de sus
mayores talentos.
Estados Unidos contra Paramount Pictures. El Departamento de
Justicia de
Estados Unidos comenzó otro juicio antimonopolio en contra
de los estudios en 1938. En 1940, los estudios llegaron a un
acuerdo con el gobierno, por el
cual éste admitía su inocencia. Acordaron:
1. Limitar la adquisición en bloque a cinco
películas.
2. Cancelar la adquisición sin conocimiento
(la práctica de rentar películas sin permitir que
se vieran primero).
3. Eliminar la obligación de que los cines rentasen
cortometrajes como una condición para adquirir
películas con personajes conocidos.
4. Suspender la compra de salas cinematográficas.
Después de este convenio, el Departamento de Justicia
retiró su demanda con la
condición de que el gobierno podía reactivarla en
cualquier momento.
En 1944, el gobierno aún estaba inconforme con el control del
estudio sobre los cines, de modo que impulsó nuevamente la
demanda. En
1948, el caso de Estados Unidos contra Paramount Pictures
llegó a la Suprema Corte. El juez William O. Douglas,
sostuvo que, aunque los cinco estudio más importantes
(Paramount, Warner Bros., MGM-Loew's, RKO y 20th Century-Fox)
sólo tenían 17% de todos los cines de Estados
Unidos, los estudios monopolizaban las exhibiciones de estreno en
las grandes ciudades.
Como consecuencia de la decisión de la Suprema Corte, en
19541as cinco empresas de
producción más importantes se desprendieron de la
propiedad o el
control de todos sus cines. La producción y la
exhibición se dividieron; la integración vertical se desmoronaba.
Cuando las compañías cinematográficas
abandonaron el negocio de la exhibición; . los bancos se
mostraron cada vez más renuentes a financiar los proyectos
fílmicos dado que las compañías no
podían garantizar documentalmente un auditorio. Pronto
los, estudios decidieron dejar el negocio de la producción
a las empresas independientes Y'; se convirtieron principalmente
en distribuidores de las películas de otras
compañías. E] resultado fue el final del sistema de
estudios.
La televisión transforma la industria de las
películas
En 1950, en la película de Paramount sunset Boulevard, la
madura estrella de la pantalla silenciosa Norma Desmond
(interpretada por Gloria Swanson) galantea con un joven guionista
ambicioso (interpretado por William Holden) al prometerle
conexiones en Hollywood.
"Usted es Norma Desmond. Solía aparecer en las
películas mudas. Era grandiosa", dice el guionista.
"Soy grandiosa", le contestó Desmond. "Son las
películas las que se achican". Desmond podría haber
estado
hablando de la misma empresa cinematográfica, la cual se
redujo de manera impresionante en 1948, cuando la
televisión a nivel nacional empezó a ofrecer
entretenimiento para el hogar.
Las audiencias de la Cámara y los decretos unánimes
en el caso de Paramount predecían un cambio en la
industria fílmica, pero lo que en realidad
transformó a Hollywood para siempre fue la
televisión. En la década de 1950, el número
de televisores aumentó 400% en tanto que el número
de personas que asistía al cine disminuyó 45 por
ciento.
Los cines trataron de compensar la pérdida por medio del
aumento de sus precios de
admisión, pero más de 4,000 salas cerraron entre
1946 y 1956.19 La asistencia se ha nivelado o aumentado
brevemente en algunas ocasiones desde la década de 1950,
pero la tendencia hacia la disminución de la asistencia al
cine persiste en la actualidad. La industria
cinematográfica ha probado varios métodos
para contrarrestar esta tendencia a la reducción.
La pantalla gigante y el cine en tercera dimensión.
Afectada por la popularidad de la televisión, la industria
cinematográfica probó nuevas ideas
tecnológicas en la década de 1950 para recapturar
su auditorio. Primero aparecieron las películas en tercera
dimensión, que utilizaban efectos especiales para crear la
ilusión de acción tridimensional. Por ejemplo, las
rocas
parecían salir de la pantalla dirigiéndose al
público. Para ver las películas en tercera
dimensión, los espectadores debían usar lentes de
plástico
especiales. La novedad era divertida, pero los argumentos de las
películas 3D eran débiles, y la mayor parte de los
espectadores no regresaba a ver una segunda película de
este tipo.
Después aparecieron las películas a colores de
pantalla gigante con sonido estereofónico Cinerama,
Cinemascope, Vista Vision y Panavision. Todas estas
técnicas trataban de dar al auditorio una sensación
de " que estaba ahí" , algo que no podían obtener
del televisor.
Cambios en la censura de las películas. El 26 de mayo de
1952, la Suprema Corte anunció en el caso de Burstyn
contra Wilson que las películas eran "un importante medio
para la
comunicación de las ideas", y que estaban
diseñadas "para entretener así como para informar"
.El efecto de esta decisión fue proteger las
películas de acuerdo con la Primera Enmienda. El resultado
fueron menos restricciones sobre lo que podía presentar
una película.
En 1953, Otto Preminger desafió al organismo de
autorregulación, el Production Code Administration. United
Artists decidió lanzar la película de Preminger The
Moon Is Blue, aun cuando la PCA había negado su
aprobación para la misma porque contenía palabras
tan atrevidas como virgen y amante. Luego, en 1956, United
Artists lanzó Man with the Golden Arm (El hombre del
brazo de oro), también de Preminger, una película
sobre drogadicción, la cual eliminó para
siempre las restricciones de la PCA.
Estimulados por la decisión sobre Burstyn y la prueba de
United Artists, los productores de películas probaron con
el sexo y la
violencia para
atraer público apartándolo de la televisión.
En la década de los cincuenta, Marilyn Monroe y Jane
Russell ofrecieron generosos ejemplos de la nueva tendencia. Las
películas extranjeras también se popularizaron
porque algunas de ellas ofrecían un diálogo
explícito y escenas de amor.
Películas espectaculares. Uno por uno, los magnates de los
estudios se retiraron, pero fueron sustituidos por una nueva
generación de productores. "Ellos [la segunda
generación] heredaron una situación en que cada vez
se hacían menos películas, y eran aún menos
las que lograban ganancias", dice Robert Sklar, "pero las que
captaron la taquilla ganaron enormes sumas. Era como si se
hubieran cambiado las reglas del béisbol para que los
únicos hits que importaran fueran los cuadrangulares."
Las películas espectaculares como The Sound of Music (La
Novicia Rebelde) (1965) y The Godfather (El Padrino) (1971) y sus
secuelas recompensaron la búsqueda de grandes fortunas.
Pero luego algunos tropiezos considerables enseñaron a los
estudios que nada puede demoler las ganancias de un estudio como
una gran bomba.
Clasificación de las películas. En 1966, Jack
Valenti, antiguo consejero presidencial de Lyndon Johnson, se
convirtió en presidente dela Motion Picture Producers
Association, a la cual cambió el nombre por el de Motion
Picture Association of America (MPAA). Una de las primeras
acciones de
Valenti fue responder a la continua crítica del
público acerca del contenido impactante de las
películas,
La MPPA aplicó un sistema de clasificación modelado
con base en la G de Gran Bretaña para el auditorio
general, M (después cambiada a PG) para auditorio maduro,
R para restringido (personas menores de 17 años admitidas
sólo con un adulto) y X, en la que no se admitía a
nadie menor de 18 años. (Valenti aún encabeza la
MPAA como el cabildero para los principales estudios del
país. Se agregó la clasificación PG-13,
donde se aconseja la supervisión especial de los padres para los
niños
menores de 13 años, y luego la clasificación X
cambió a NC-l7X.)
Al mismo tiempo, los estándares de clasificación R
se han flexibilizado, lo cual deterioró aún
más la eficacia del
sistema de clasificaciones de público.
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