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Historia del diseño gráfico




Enviado por lluviadelv



    1.
    INTRODUCCIÓN

    Tomando como punto de partida a los últimos
    sesenta años del siglo XV que enmarcaron el nacimiento y
    desarrollo de
    la tipografía, las secuelas de las iniciativas y
    experimentaciones gráficas surgen en el siglo XVI con la
    energía creadora con que se dieron origen a innovadores
    diseños de tipos, normas de
    composición, ilustraciones y encuadernaciones,
    conjuntamente con representantes de gran prestigio.

    En el presente trabajo se analizarán los
    principales acontecimientos que enmarcaron a los siglos de
    transición y normalización (siglos XVI al XIX). En lo
    que refiere a la historia del diseño
    gráfico, cabe destacar la influencia que tuvieron
    hechos como la Revolución
    Francesa y la Revolución
    Industrial, para el desarrollo del comercio y de
    la actividad publicitaria.

    Además, es importante tomar en cuenta que muchos
    aspectos políticos, sociales y religiosos de cada
    época, han influido en la evolución o retroceso en lo que concierne a
    los trabajos impresos, desde la creación de los tipos de
    letras, el trabajo
    tipográfico, hasta la aparición de los libros,
    periódicos, enciclopedias y carteles que se
    tratarán a continuación.

    2. ASPECTOS
    IMPORTANTES ACONTECIDOS EN EL SIGLO XVI

    Uno de los factores históricos determinantes fue
    el proceso de
    involución política que
    culminó en 1543, con la instauración de la censura
    de imprenta, la cual acabó con la dinámica creativa y liberal que
    caracterizó la producción de impresos durante el medio
    siglo anterior.

    Sin embargo, uno de los avances más importantes
    fue el renacimiento
    de la caligrafía, que se produce en medio de un absolutismo
    monárquico encabezado por Francia y
    España,
    que establecieron una burocracia que
    favoreció el progreso de la caligrafía al tiempo que la
    imprenta, en poder de la
    Iglesia y el
    Gobierno, fue
    perdiendo su sentido de vanguardia y
    se convirtió en una actividad conservadora al servicio de
    las fuerzas políticas
    y religiosas totalitarias.

    Así, durante muchos años las legibles y
    armoniosas caligrafías Italianas fueron imitadas en todos
    los Estados poderosos de Europa, por este
    motivo la lengua
    italiana adquirió gran valor en el
    siglo XVI y fue divulgada por sus representantes con
    propósitos didácticos a través de sus
    tratados y
    manuales.

    Cabe destacar la trilogía de maestros italianos
    conformada por Ludovico Degli Arrighi, Giovanni Antonio Tagliente
    y el calígrafo de calígrafos
    Giovanni Baptista Palatino, quien en 1540 aporta una
    novedad didáctica en la práctica
    caligráfica al tratar de instruir alternativamente por
    medio de textos y grabados.

    Debido a las condiciones políticas y
    económicas de la época, en el campo
    tipográfico el diseño de tipos se considera
    sólo por su función
    como elemento del proceso de impresión y su mayor
    exponente fue el francés Claude Garamond, quien
    tuvo que vivir entre la subversión y el favoritismo,
    siendo cauteloso al realizar sus estudios, ya que en la
    época los que practicaban esta labor eran perseguidos por
    motivos políticos o religiosos.

    "La calidad de los
    diseños del tipo, armonía entre
    mayúsculas, minúsculas y cursivas, y el preciso y
    contenido sentido ornamental presente en algunos trazos hacen
    de la celebérrima Garamond, fundida en 1545, el
    más perfeccionado de toda la tipografía
    romana…"

    En el mismo orden de ideas, Jhon Baskerville fue el
    impulsor de la tipografía inglesa y diseñó
    un tipo genuino en 1754 (Baskerville), la cual posee notable
    claridad y elegancia. Los aportes de Baskerville fueron muy
    innovadores y eficaces, entre ellos: el uso del papel satinado
    para facilitar una impresión nítida y brillante y
    la variante del uso a voluntad de la interlínea o
    espaciado entre líneas de texto
    impreso.

    Por la gran producción de libros en este siglo,
    la decadencia del impulso creativo se acentúa, se degrada
    el grabado xilográfico al extremo que los artistas rehuyen
    sus colaboraciones con este procedimiento y
    entonces se introduce un procedimiento nuevo: el grabado
    calcográfico (sobre plancha de metal) que permite grabar
    el trazo directamente.

    3. EL SIGLO
    XVII

    En este siglo se dio un estilo homogéneo o
    académico a toda manifestación artística o
    artesanal, y a su vez se comenzó a utilizar una nomenclatura
    metafórica que permitió que la arquitectura
    fuese desplazada por la tipografía. En este sentido, el
    arquitecto Peter Behrens hizo referencia a que el tipo (la letra)
    era uno de los más elocuentes medios de
    expresión de la época o estilo, y que
    próximo a la arquitectura, este proporciona el más
    severo testimonio del nivel intelectual de una nación.

    La caligrafía comenzó a decaer y
    terminó convirtiéndose en un estilo ornamental, sin
    embargo es importante resaltar que esta desviación de la
    caligrafía logró aportar un conjunto visual que
    constituyó un recurso gráfico que la futura
    imagen
    publicitaria incorporó a su repertorio
    lingüístico.

    "En la evolución de las etiquetas de productos
    comerciales el texto, el ornamento y la
    ilustración son componentes que van apareciendo
    sucesivamente por orden, en un momento histórico en el
    que la imagen empieza a valorarse como complemento del texto y
    no, como hasta entonces, como único elemento susceptible
    de ser leído por el público."

    A pesar de que todavía el mensaje publicitario
    era reducido a sectores sociales privilegiados, este propone algo
    más que el reconocimiento del producto
    añadiendo un nuevo valor: la imagen de identidad.

    4. SIGLO XVIII, EL
    SIGLO DE LA RAZÓN

    La lectura se
    hace una necesidad para las clases superiores y por esta
    razón crece la demanda en el
    negocio de la venta de libros.
    Sin embargo, la gran invención de esta época fueron
    los Periódicos, los cuales se difundieron desde principios del
    siglo.

    Debido al auge económico, en 1730 aparece en
    Londres el primer diario comercial dedicado a la
    publicación de anuncios de ofertas y demandas.
    Además, los comerciantes londinenses se encargaron de
    introducir un tipo de tarjeta comercial, que por su gran formato,
    parece fueron utilizadas como cartas
    comerciales y facturas.

    Cabe destacar que el rentable criterio de asentar la
    publicidad por
    medio de la repetición se pone de manifiesto en los
    impresos que reproducen en su mayoría los rótulos
    de los establecimientos, acompañados de una completa
    argumentación publicitaria. También, se debe tomar
    en cuenta, que los sectores comerciales, como la del libro, se
    encargaron de introducir la práctica del Cartel mural en
    formatos pequeños ilustrados con
    xilografías.

    En 1762 las autoridades francesas prohíben las
    enseñas colgantes, lo cual contribuyó a la
    modernización de la señalización comercial,
    ya que tuvieron que adaptarlas en su tamaño o formato a
    las necesidades de la época, debido a que estas eran muy
    rudimentarias.

    En este siglo se implantan las Escuelas Técnicas o
    de artes Aplicadas para la formación de especialistas,
    fundamentalmente en diseño textil y artes gráficas,
    así mismo se sitúa a la imagen en un contexto
    más preciso y menos trivial, utilizándola como
    complemento del texto y completar con ella el concepto
    utilitario y didáctico, se crea de esta manera la
    Enciclopedia.

    En el aspecto tipográfico se crean diversidad de
    tipos, destacándose el llamado Bodoni, un tipo de la familia de
    las romanas diseñada por Giambaptista Bodoni en
    1768, igualmente es interesante la creación del alfabeto
    arquitectónico de Steingrüber, la cual es una
    extraña serie de letras ornamentadas en las que se
    conserva la forma exterior de la letra y representa en cada una
    de ellas la planta de un edificio.

    El hecho histórico de mayor importancia del siglo
    XVIII fue la Revolución Francesa de 1789, la cual
    establece una sociedad
    igualitaria que proclama libertad de
    prensa, la
    cual convierte a los diarios y periódicos en productos de
    consumo masivo
    de la sociedad.

    La practica de la propaganda
    política introdujo a su vez a la caricatura y la
    sátira como nuevo elemento gráfico desde 1789, esta
    se utilizó como una forma de lucha contra las ideas y
    formas despóticas de poder, disminuyendo su fuerza a
    través de la ridiculización, de esta manera la
    caricatura suaviza o acusa el perfil crítico sin perder su
    contenido original, sea este de orden político, social o
    religioso.

    5. LONDRES Y
    PARÍS, CAPITALES DEL DISEÑO GRÁFICO
    COMERCIAL DEL SIGLO XIX

    En 1814 se inaugura oficialmente la era de la
    mecanización de la industria de
    la impresión incorporando la máquina
    semiautomática proyectada por el alemán Friedrich
    Köenig, posteriormente surge la linotipia.

    El uso de este nuevo proceso condujo a un cambio
    conceptual notable, ya que la sustitución de las arcaicas
    prensas permitió la ampliación de los formatos de
    papel a imprimir, con lo cual los papeles y las letras pudieron
    superar los límites de
    los anteriores pequeños y estrechos formatos.

    En este siglo se crean las tipologías Finas,
    Negras y Supernegras (según el grueso del palo), y las
    Estrechas o chupadas y Anchas (según el ojo de la letra),
    así mismo se distinguen tres familias genuinas: las
    Egipcias, las Antiguas, grotescas o góticas y la escritura
    Inglesa.

    Otro acontecimiento relevante fue la Revolución
    Industrial, la cual impulsó el desarrollo del comercio. En
    lo que compete directamente al diseño gráfico,
    Rowland Hill crea el sello de correos, se asume la técnica
    del grabado calcográfico como unidad estilística
    propia y aparece el billete con el uso del papel moneda. La
    publicidad directa empieza a perfilarse como estrategia e
    instrumento propagador y embellecedor, así surge otro
    elemento innovador: el uso de la figura femenina como elemento
    simbólico de atracción.

    6. LA
    INDUSTRIALIZACIÓN DE LAS ARTES GRÁFICAS. SIGLO
    XX

    El desarrollo de la nueva tecnología de
    composición y prensa en las últimas décadas
    del siglo XIX, luego de muchos años de impresión
    manual,
    produjo muchos cambios importantes en los esquemas de trabajo
    dentro de las artes gráficas debido a la Automatización y a la
    Especialización. Aparecieron especialistas en cada fase
    del proceso, reduciendo las funciones de los
    tipógrafos, así comenzaron a surgir
    diseñadores de tipos, fundidores, compositores,
    fabricantes de papel, encuadernadores, editores, impresores,
    etc.

    La tecnología pasó de lo manual a lo
    mecánico y a lo automático, y de un mercado limitado
    a uno masivo. Creció la demanda del material impreso y el
    desarrollo de la publicidad fomentó el crecimiento de las
    ventas de
    diarios y revistas, recuperando a su vez el uso del Cartel
    Publicitario
    .

    Una nueva generación de diseñadores surge
    en el siglo XX rechazando el gusto por los estilos
    históricos (neoclasicismo,
    neogótico, etc.) dando como resultado un nuevo arte: Art Nouveau
    o Modernismo, el
    cual incluía ideas procedentes de todas las disciplinas
    del diseño y el arte (arquitectura, pintura,
    diseño de muebles, cerámicas, joyería,
    diseño industrial, ingeniería de la construcción, cine, fotografía, etc.), acelerando la
    evolución en el arte de vanguardia y en el diseño,
    el Art Nouveau creó al diseño gráfico como
    oposición al puramente tipográfico, no solo como un
    medio de comunicación de ideas nuevas, sino
    también para su expresión.

    La tecnología proporcionó nuevos medios
    gráficos a ilustradores y
    diseñadores, afianzando al Modernismo como el estilo
    dominante del siglo XX. Cabe destacar que las grandes invenciones
    que se produjeron entre 1850 y 1910 ayudaron a difundir las
    comunicaciones
    visuales y a inspirar a los diseñadores, entre ellas
    tenemos: la máquina de escribir, el clisé pluma, la
    trama, el proceso de impresión en color, la
    fotografía en color, la composición
    automática, la instantánea, la fotografía de
    rayos X, la
    película de animación, las diapositivas de linterna
    mágica, entre otros.

    Entre las influencias del estilo modernista en el
    diseño gráfico podemos resaltar que el estilo
    radical, anarquista, nihilista de Dada y los experimentos
    tipográficos de cubistas y futuristas funcionaron como una
    línea divisoria. Es así como se desecharon los
    estilos tradicionales de tipografía y layout, dando paso a
    la evolución de un estilo alternativo y adecuadamente
    moderno de layout con nuevas tipografías
    mecánicas.

    Los principios inspirados por la revolución que
    produjo en la industria, la arquitectura y la
    construcción, la nueva maquinaria industrial, el
    automóvil, el rascacielos, la Torre Eiffel, los
    gigantescos edificios, las fabricas y los ferrocarriles, dieron
    paso a la construcción modular en cuadrícula de los
    edificios de estructura de
    acero, la cual se
    convirtió en una metáfora para la
    construcción de la página y en una herramienta
    fundamental del diseño gráfico, estos principios
    arquitectónicos se aplicaron directamente a las artes
    gráficas en las estructuras
    básicas dentro de las cuales se desarrollaron los estilos
    asimétricos y no tradicionales del modernismo.

    7. ACOGIDA DE LA
    BAUHAUS

    Itten, Klee y Kandinsky buscaban el origen del lenguaje
    visual en geometrías básicas, colores puros y
    en la abstracción, constituyendo un análisis de formas, colores y materiales.
    Para ellos servían como una escritura con la que
    podría analizarse y representarse la prehistoria
    visible, por ello la Bauhaus se caracterizó por la
    conciencia de
    su separación de la historia y su anhelo por encontrar un
    punto de origen.

    "En 1923 Kandinsky proclamó que hay una
    correspondencia universal entre las tres formas básicas
    y los tres colores primarios."

    Al asimilar sus métodos en
    la
    educación moderna del diseño la Bauhaus se
    convirtió en un punto de origen, resaltando las formas
    geométricas, el espacio reticulado y el uso racionalista
    de la tipografía. El potencial lingüístico de
    la teoría
    de la Bauhaus fue ignorado y el proyecto de un
    lenguaje visual se interpretó aislado del lenguaje
    verbal.

    La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversas
    corrientes vanguardistas que se dedicaron a la producción
    de la tipografía, publicidad, productos, pinturas y
    arquitectura. Las actividades de la escuela
    recibieron amplia publicidad en los Estados Unidos a
    finales de los años treinta cuando muchos de sus miembros
    emigraron a este país, así la Bauhaus fue
    equiparada al pensamiento
    avanzado del diseño.

    La forma visual se consideró como una escritura
    universal que hablaba directamente con la mecánica del ojo al cerebro. En el
    mismo orden de ideas, la palabra Gráfico se utilizó
    para referirse tanto a la escritura como al dibujo, y su
    trazado se percibe como una Gestalt: una
    forma o imagen simple.

    El "Libro de Apuntes Pedagógico" de Paul Klee,y
    "Punto y línea sobre el plano" de Wassily Kandinsky,
    fueron publicados por la Bauhaus y sirvieron de introducción a la gramática de la escritura visual. Giorgy
    Kepes y Laszlo Moholy-Nagy, utilizaron la psicología de la
    Gestalt para aportar una racionalidad científica al
    lenguaje de la visión, la psicología de la Gestalt
    ha sido desde entonces una fuente teórica dominante en la
    enseñanza básica del
    diseño.

    El primer profesor del Curso Básico en la Bauhaus
    fue Johannes Itten, cuyo misticismo y excentricidad disonaban de
    los planes prácticos de Walter Gropius (arquitecto
    fundador de la Bauhaus en 1919) para la escuela, luego de la
    dimisión de Itten en 1923, Kandinsky dio clases sobre
    color y los elementos básicos de la forma, y Klee dio
    lecciones en la clase de formas básicas.

    En los libros de texto básicos de Klee y
    Kandinsky, el gráfico es un modelo de
    expresión pictórica y sus manuales de diseño
    describen a la línea como un solo punto arrastrado a
    través de una página. De igual manera, Kandinsky
    utiliza el término Traslación, aludiendo al acto de
    trazar correspondencias entre marcas
    gráficas lineales y una serie de experiencias no
    gráficas como el color, la música, la
    intuición o la percepción
    visual.

    La serie representa el intento de Kandinsky de probar
    una correlación universal entre el color y la geometría,
    y se ha convertido en uno de los íconos más famosos
    de la Bauhaus, aunque hoy en día pocos diseñadores
    aceptan la validez universal de la serie, ésta sigue
    siendo la base de numerosos libros de texto de diseño
    básico.

    En 1923, Kandinsky hizo circular un cuestionario
    por la Bauhaus pidiendo a cada participante que asociase
    intuitivamente con los tres colores primarios, tratando de dar
    validez mediante el test
    psicológico a la serie, ya que ésta encarna la
    teoría del lenguaje visual como sistema de
    oposiciones perceptivas, por la cual se logra una
    comunicación directa con los mecanismos del ojo y el
    cerebro.

    La forma estructural que invadió el arte y el
    diseño de la Bauhaus fue la Retícula, la cual
    articula el espacio según un tramado de oposiciones:
    vertical y horizontal, arriba y abajo, ortogonal y diagonal, e
    izquierda y derecha. Otra oposición implicada en la
    retícula está entre la continuidad y la
    discontinuidad.

    En 1928 se dieron una serie de conferencias en la
    Bauhaus sobre la psicología de la Gestalt, la cual
    es fundamental para la teoría moderna del diseño y
    promovió una ideología de la visión como facultad
    autónoma y racional, mostrando los modos en que una figura
    emerge sobre un fondo neutro que se le subordina como
    condición necesaria pero invisible de la
    percepción.

    8. MOVIMIENTO
    MODERNO Y NEOMODERNO

    La pedagogía del diseño Moderno es la
    disposición repetitiva de una colección de signos
    según determinadas reglas de combinación. La tarea
    predominante de la teoría moderna del diseño ha
    sido organizar los elementos geométricos y
    tipográficos en relación con oposiciones formales
    tales como ortogonal / diagonal, estático /
    dinámico, figura / fondo, lineal / plano o regular /
    irregular.

    Suiza fue el centro ideológico de la
    teoría moderna del diseño en los años
    cincuenta y sesenta, donde la intuición se
    convirtió en un elemento clave en ecuaciones
    racionalistas, donde se aplicaban afirmaciones como: Entre
    más exactos y completos son los criterios, tanto
    más creativa es la obra.

    En los comienzos de los años setenta, la
    unión entre el sistema racional y la elección
    intuitiva se convirtió en la preocupación central
    para algunos diseñadores que laboraban en el idioma
    moderno, por ese motivo se pensó en las alternativas que
    ofrecía el proyecto Neomoderno de personalizar los
    lenguajes modernos, aparte de retorno al ideal de una
    comunicación universal libre de valores.

    Los limitados vocabularios formales del contructivismo
    fueron intentos para lograr un orden lingüístico,
    cultural o psicológico que regulara el acto creativo
    individual, más que personalizar lo moderno, lo neomoderno
    trató de priorizar el poder y la capacidad penetrante de
    los lenguajes que utilizamos.

    9. EL NACIMIENTO DE
    WEIMAR

    Ante la derrota en la Primera Guerra
    Mundial, el Kaiser abdicó y se formó una
    república con la capital en
    Weimar, la cual tuvo que negociar la paz con sus enemigos de
    fuera y de dentro. Los alemanes que estaban en los campos de
    batalla confiados en su superioridad moral,
    volvieron de ellos vencidos y traicionados.

    Los cuarenta y siete años que siguieron la
    unificación de la nación alemana presenciaron su
    desarrollo hasta que se convirtió en la nación
    más industrializada y militarizada de Europa. Con la
    rapidez de su urbanización e industrialización las
    artes prosperaban en Alemania,
    Diaghilev, cuyas producciones toparon con la animosidad de otras
    capitales europeas fue bienvenido en Berlin.

    "Escribiendo que después de años como
    soldado en el frente estaba dispuesto a reempezar la vida,
    Walter Gropius manifestó su deseo de dirigir la escuela
    de Artes y Oficios de Weimar."

    En el caos del mundo alemán había la
    esperanza de que pudiera crearse un nuevo orden por medio de un
    arte nuevo. Gropius llamó a la unificación de las
    artes, pero la ausencia de una república alemana
    convincente condujo a momentos utópicos como la Bauhaus y
    a la devastación infligida por los nazis.

    10. EL TIPO UNIVERSAL DE
    HERBERT BAYER

    Con la derrota del imperio alemán la legitimidad
    de la cultura del
    siglo XIX parecía en decadencia, muchos alemanes sintieron
    que debían empezar de nuevo. Diseñadores como los
    asociados en la Bauhaus impulsaron un nuevo modo de pensar sobre
    la visión y la función del entorno
    visual.

    Para ellos el diseño no debía seguir
    utilizándose para reflejar y reforzar una sociedad
    jerárquica, muchos miembros de la Bauhaus creían
    que el futuro dependía de unas leyes universales
    de la razón que no estaban vinculadas a las limitaciones
    de la cultura tradicional.

    Herbert Bayer fue estudiante de la Bauhaus, y Gropius lo
    invitó a dirigir el taller de tipografía e
    imprenta. Bayer desempeño un buen papel en el desarrollo de
    una nueva tipografía que utilizaba tipos de palo seco,
    filetes gruesos y retículas sistematizadas para conseguir
    composiciones limpias y lógicas.

    Las consideraciones de estilo y expresión fueron
    subordinadas a la pureza de la geometría y las exigencias
    de la funcionalidad, este método
    condujo a Bayer a diseñar una tipografía con formas
    de letras tan esenciales que se entendieran como universales. El
    tipo Universal diseñado por Bayer en 1925, representa una
    reducción de las formas de letras romanas a simples formas
    geométricas. Este tipo de letra abarcó a la
    industria y a la tecnología y se adaptó a las
    técnicas de reproducción en masa y métodos
    racionalizados.

    11. PRINCIPALES
    REPRESENTANTES DEL DISEÑO

    A lo largo de la historia gran diversidad de movimientos
    artísticos se han visto representados por importantes
    diseñadores, entre ellos Aubrey V. Beardsley, quien
    destaca como dibujante y es llamado "el discípulo del
    diablo". Beardsley fue gran opositor de las ideas de William
    Morris y se caracterizó por su gusto por reflejar el arte
    decadentista de fines del siglo XIX, influido por el arte
    oriental utilizó ornamentos con este estilo y se observa
    también en sus diseños el predominio de los
    espacios en blanco, brilló en la ilustración de libros como "Salomé"
    de Oscar Wilde (1894).

    Otros representantes destacados fueron el notable
    arquitecto ingles de la segunda mitad del siglo XVII, Christopher
    Wren y el acuarelista y pintor Walter Crane, precursor del
    renacimiento de
    las artes (Modernismo) y del Art and Craft. Crane ilustró
    libros de cuentos
    infantiles como El Grimm, Robin Hood y Don
    Quijote.

    Cabe destacar que el Modernismo se caracterizó
    por el uso de formas geométricas, simples y sin
    ornamentos, aunadas a una tipografía igualmente sencilla.
    Y el Art and Craft se refiere al grupo de
    artesanos, artistas, diseñadores y arquitectos que se
    propusieron levantar el estado de
    las artes aplicadas, al de las bellas artes. Principalmente
    inspirado por William Morris, otros artistas importantes en el
    movimiento fueron Henry Holiday, Walter Crane, el arquitecto y
    diseñador Philip Webb, Alejandro Fisher y Christopher
    Whall.

    Uno de los más notables precursores del racionalismo
    fue el arquitecto británico Charles R. Mackintosh,
    quien se destacó por sus construcciones
    geométricas. Se caracterizó por su
    dedicación en la elaboración de carteles, muebles y
    objetos ornamentales, y por la búsqueda de la
    estilización de las formas rectangulares combinadas con
    suaves curvas.

    Otro importante representante fue Arthur H. Mackmurdo,
    quien estudió arquitectura bajo la tutela de James Brooks
    y asistió a clases de dibujo por John Ruskin. Su
    admiración por el Renacimiento lo llevó a creer en
    la unidad de las artes, y en 1882 junto con su estudiante Herbert
    P. Horne, y el artista Image de Selwyn, Mackmurdo fundó el
    Gremio del Siglo, el
    periódico del Gremio: "El Caballo de la
    Afición", fue diseñado inicialmente por
    Mackmurdo.

    El británico William Nicholson fue pintor,
    impresor y diseñador de teatro.
    Empezó su carrera profesional como diseñador de
    carteles y como ilustrador de libros, donde los contrastes
    llamativos de negro y blanco de su técnica del woodcutting
    fue acostumbrado a gran efecto.

    En 1894, Nicholson empezó colaborando en planes
    del cartel con sus cuñado James Pryde y los dos se dieron
    a conocer como los Hermanos de Beggerstaff (Beggarstaff
    Brothers).

    Ya en 1890 Nicholson empezó a hacer bojs y a
    experimentar con la suma de tintes sutiles de verde y ocre a sus
    composiciones negras y blancas. Nicholson se conoció
    pronto por su habilidad e innovación en el medio, elevando la forma
    de arte a un nivel alto de éxito,
    ambos estéticamente y comercialmente. En 1897, el artista
    produjo su retrato: Reina Victoria, el cual es una de las
    impresiones británicas más famosas.

    Otro precursor del diseño fue Peter Behrens,
    quien originalmente fue entrenado como pintor, su estilo
    provisional estimuló una nueva abstracción
    geométrica en su trabajo.

    De 1907 a 1914 Behrens trabajó como un consejero
    artístico al AEG en Berlín donde creó la
    primera imagen
    corporativa del mundo. Behrens es considerado una figura
    importante en la transición al Clasicismo Industrial, y
    jugó un papel central en la evolución de Modernismo
    alemán.

    12. INFLUENCIA DEL
    ESTILO VANGUARDISTA ART POP

    El Art Pop o Arte Popular, es un producto
    típicamente norteamericano (aunque también se
    desarrolló en 1950 en Inglaterra), que
    aspiraba a ser un arte testimonial del tiempo que se
    vivía.

    Se caracteriza por inspirarse en la vida de la ciudad,
    tomando como elementos de expresión los productos masivos
    de la cultura, es figurativa y emplea objetos de uso diario de la
    sociedad consumista: botellas de coca cola, latas de cerveza, neveras,
    autos, comics,
    personajes del cine y la canción, etc.

    Utiliza procedimientos
    dadaístas (ready mades), hiperrealistas (fidelidad
    fotográfica) y cubistas (collages). Predomina el colorido
    brillante, con tintes fluorescentes y acrílicos de colores
    vivos.

    Dentro de este arte se destacan artistas como Jasper
    Johns, Andy Warhol, C. Oldenburg, George Seagal, Peter
    Blake y Roy Lichtenstein.

    13. EL DISEÑO
    GRÁFICO EN LATINOAMÉRICA

    Colombia es uno
    de los países con mayor tradición histórica
    en el campo de las artes gráficas, la obra impresa
    más antigua del país data del siglo XVII. La figura
    colombiana más relevante es David Consuegra (1939), quien
    fundó un grupo en la Universidad de
    Bogotá brindando su experiencia y talento. Otros
    representantes del diseño en Colombia son Marta Granados,
    Antonio Grass y Dicken Castro.

    En Perú el verdadero pionero del diseño
    gráfico peruano moderno es Claude Dieterich (1930), quien
    después de trabajar en Paris en diversas agencias de
    publicidad y en el diseño de revistas, se establece en
    Lima implementando las influencias europeas en el diseño
    gráfico contemporáneo de América
    Latina.

    El primer periódico
    editado en Venezuela en
    1808, marca los
    orígenes de la imprenta en este país, y la
    iniciativa de mejorar el diseño de los sellos de la
    Administración de Correos se debió a un grupo
    de diseñadores y artistas venezolanos en la que
    mejoró notablemente la calidad del diseño
    venezolano.

    Cabe destacar a Gerd Leufert quien se estableció
    en Caracas y fue autor de 26 sellos para la Administración de Correos y es calificado
    como el padre del diseño gráfico venezolano. Y M.F.
    Nedo es el segundo pionero moderno del diseño venezolano
    quien inició su larga e intensa colaboración con
    Gerd Leufert en la agencia de publicidad McCann
    Erickson.

    En México se
    establece la tipografía en 1539, fray Juan de Zumarraga es
    el autor del primer libro impreso en América, casi doscientos años antes
    de la famosa Biblia de Gutemberg de América Latina impresa
    en Argentina.
    Durante el siglo XVIII se ocuparon básicamente de
    reproducir imaginería religiosa, poco después en
    1830, la litografía se ocupó también de esos
    menesteres añadiendo sátiras de costumbres y
    caricaturas políticas en periódicos similares a los
    europeos.

    "…la obra del insigne xilógrafo
    José Guadalupe Posada, por ejemplo, hay que enmarcarla
    en la historia del diseño gráfico. Por varias
    razones…José Guadalupe Posada, solo, fue capaz de
    hacer una producción casi tan abundante y variada como
    lo fue la francesa…"

    Otros artistas gráficos de gran relevancia
    además de José Guadalupe Posada, fueron:
    Trinidad Pedroza, Orozco, Diego Rivera, Leopoldo Mendez, Julio
    Ruelas, Miguel Cobarrubias, entre otros.

    En Cuba se
    disponía de una larga tradición en diseño
    gráfico aplicado al consumo, probablemente la más
    antigua de Latinoamérica, antes de mediar el siglo XIX
    disponía de talleres litográficos y de una practica
    aceptable en el procedimiento inventado en Alemania, acercando
    por primera vez a un país sudamericano a uno de los paises
    más desarrollados de la vieja Europa.

    Indudablemente la historia del diseño cubano en
    litografía la escribió Francisco Murtra, la de la
    tipografía José Mora y la del cartelismo (y por
    extensión, de todo el diseño gráfico) Felix
    Beltrán.

    En Argentina prevalece una fuerte influencia francesa,
    los mejores cartelistas argentinos de la historia son Arnaldi y
    Valerian Guillard. En los años sesenta este país
    era la primera potencia de
    América Latina en la edición de libros y otros
    materiales de lectura como por ejemplo, los diarios. Sin embargo,
    la ilustración es la especialidad en la que los argentinos
    han tenido mayor proyección, destacándose
    Castagnino, Sabat, Quino, Mordillo y Tomás
    Maldonado.

    La tipografía llega tarde a Brasil, a pesar
    de esto el establecimiento de las sucursales de las grandes
    agencias de publicidad americanas, que coincide con el primer
    gran desarrollo industrial y mercantil del Brasil, permite la
    introducción de las más modernas formas de
    producción industrial, con lo que los brasileros aprenden
    a diseñar anuncios publicitarios en 1940.

    El origen del diseño gráfico brasilero
    puede determinarse por medio de los pioneros Aloisio Sergio
    Magalhaes y Alexandre Wollner. En 1962 se inauguró en
    Río de Janeiro la primera Escuela Superior de
    diseño Industrial, la cual ha contado con profesores de
    altísimo nivel como Gui Bonsieppe.

    14. ÚLTIMAS
    TENDENCIAS: EL DISEÑO COMPUTARIZADO

    Los avances
    tecnológicos y computarizados dieron paso a una gran
    evolución del diseño gráfico, facilitando
    herramientas
    para la creación de diseños innovadores y de gran
    originalidad. Al respecto, cabe destacar el uso de programas como
    Photoshop,
    Corel Draw, Phox-pro, Free Hand, Adobe Ilustrator,
    Macromedia Flash, Page
    Maker, entre otros.

    Los programas como Corel Draw y Free
    Hand son los mejores programas gráficos de nuestra
    época, ya que han sabido capturar la imaginación
    del artista, ofreciendo desde un principio la posibilidad de
    hacerla realidad. Además, han solucionado con la
    evolución de sus programas, ciertas áreas
    problemáticas y al mismo tiempo han incorporado nuevas
    herramientas, entre las mejoras destaca el perfeccionado modulo
    de impresión, el cual nos permite hacer uso de una
    práctica mini-previsualización de la
    impresión.

    En Corel Draw los clásicos efectos como las
    Mezclas o los
    Contornos han encontrado su lugar en un nuevo Menú de
    Herramientas Interactivo. Este menú es un nuevo residente
    de la Caja de Herramientas y nos da acceso a todas las
    herramientas interactivas. Estos cambios, nos obligan ha usar el
    programa de
    una manera más productiva y eficiente.

    En otro orden de ideas, los programas como Photoshop
    permiten con sus múltiples herramientas crear y
    diseñar a base de un material fotográfico, variedad
    de efectos especiales, con los que podemos lograr maravillosos
    fotomontajes, dibujos,
    efectos de luces, texturas etc.

    Durante el siglo XX, los medios de
    comunicación aportaron con su desarrollo
    tecnológico un mayor control del
    proceso gráfico a los diseñadores, ya que en los
    años 90 las nuevas formas de comunicación de la era
    digital presentaron nuevos desafíos, como es el caso del
    sistema de distribución de información World Wide Web (W.W.W.),
    contribuyendo a una rápida evolución del
    diseño gráfico a nivel mundial.

    Las páginas
    web son documentos
    electrónicos con enlaces de hipertexto o hipermedia que
    posibilitan la navegación virtual por las informaciones
    disponibles en Internet. Hasta 1993 la
    labor de crear páginas web estuvo reservada a los
    técnicos en informática que sabían manejar las
    etiquetas códigos HTML (Hipertext
    Markup Languaje / Lenguaje de Marcas de Hipertexto), necesarios
    para la composición de los elementos de
    presentación visual, y por este motivo las páginas
    presentaban fondo gris, texto y alguna
    decoración.

    Con la incorporación de nuevas
    tecnologías y la llegada de los primeros editores
    HTML, la web posee ahora mucho más colorido en sus fondos
    y también diferentes texturas, botones, barras y una
    infinidad de iconos. La W.W.W. es un nuevo y complejo campo para
    el diseño gráfico, que permite múltiples
    posibilidades de añadir imágenes
    móviles en animación o en video, fotos,
    gráficos y textos en un ambiente
    interactivo. Dreamweaver y
    Front page son reconocidos programas para la realización
    de páginas web.

    15.
    BIBLIOGRAFÍA

    • SANTUE, Enric. "El Diseño Gráfico
      desde sus orígenes hasta nuestros
      días."
    • LUPTON, Ellen y ABBOTT M., J. "El ABC de la Bauhaus
      y la Teoría del Diseño."
    • www.Google.com
    • Enciclopedia SALVAT. Tomos 8 y 12. Salvat Editores.
      Barcelona. 1978.

     

     

    Lluvia Velandia

    TSU Diseño Gráfico Publicitario
    Computarizado

     

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