Agregar a favoritos      Ayuda      Português      Ingles     

"Réquiem para un sueño"

Enviado por guadatesh



Abordaremos este ensayo desarrollando dos hipótesis con respecto a la película "Réquiem para un sueño" de Darren Arosnofsky.

En primer lugar, siendo esta película una obra completamente de autor, respondiendo a un universo propio de este director, nos preguntamos si esta es una obra de arte o no. No caeremos en un análisis psicológico del autor, sino entender ese mundo que él propone (teniendo en cuenta su anterior película PI) para poder determinar si esta película es una obra de arte. También desarrollaremos el tema de la construcción de la otredad a través de la obra de arte. Se puede decir que el cine de autor se puede considerar obra de arte ya que cada autor va a proponer una subjetividad y un mundo propio a través de su compromiso consciente con el mundo. Tomaremos como eje de estudio diferentes puntos de vista de otros autores que han tratado el tema del arte y sobre lo que este significa en las disciplinas del cine y el diseño gráfico, teniendo en cuenta los intereses y conocimientos de quienes escriben, con respecto a nuestras carreras universitarias elegidas.

En segundo lugar, el contenido de esta película sugiere contantemente a lo largo de la obra una construcción del individuo sin el otro. Sus personajes tienen un comportamiento de no cuidado de sí mismos y es por eso que nuestro punto de partida sobre este tema es llegar a una conclusión que nos responda al tema de cuál es la relación del individuo y la sociedad dentro del paradigma actual de una sociedad narcotizada. Y diferenciar que es lo que la sociedad nos ofrece y la posibilidad de elección que uno tiene sobre ella.

Con respecto al nombre de la película también desarrollaremos un análisis ya que sugiere una gran dicotomía, el sueño como algo positivo y la idea de réquiem como todo lo contrario. Creemos que el nombre devela cual es la postura del autor con respecto a estos personajes y la vida que les toca o eligen vivir. Es por eso que partiendo de la idea de que en esta película no existe Otro que influencie en la vida de estos personajes, analizaremos cual es la responsabilidad que descarga en Otro esta película.

En este caso todo se dará a través de un transgresión de fomentar la responsabilidad propia. Por eso, ¿los personajes y la historia avalan esta idea de ser víctima frente al mundo de las drogas y la propia destrucción?

Habiendo especificado estos primeros puntos de análisis que llevaremos a cabo daremos comienzo a este laberinto analítico develando a lo largo del mismo nuestra postura frente a esto evitando un trabajo lineal y proponiendo un ritmo vertiginoso y alienado para que responda a los recursos utilizados en esta obra.

El director ha realizado una película que se centra en el mundo de las adicciones en general y que ahonda con detalle en la repercusión que éstas tienen tanto a nivel psicológico como físico, es decir, en la desintegración personal y la marginación social que implican. El análisis de los mecanismos de negación y defensa, de las pautas de conducta orientada a la droga, y de la deconstrucción moral y racional del individuo.

Por una parte tenemos a Harry, a su novia Marion y a su mejor amigo Tyrone, adictos a la heroína. Su historia comienza en verano, momento en el que pueden conseguir tanta droga como deseen y están llenos de sueños y esperanzas. Quieren desengancharse y convertirse en traficantes hasta conseguir dinero suficiente para vivir cómodamente y montar una tienda de ropa con los diseños de Marion. La droga les ofrece momentos de satisfacción y placer. Su descenso a los infiernos comienza en otoño. Angustia, demencia, distorsión mental. Por otra parte tenemos a la madre de Harry, Sara Goldfarb, una ama de casa viuda, adicta a la televisión, y sobretodo a uno de esos concursos basura cuyo presentador parece un telepredicador delante de su público de sectarios, ciegos por el fervor. Tras recibir una llamada telefónica en la que se le comunica que ha sido seleccionada para participar en un programa de televisión, decidirá empezar un estricto régimen alimenticio a base de píldoras, en definitiva, anfetaminas y ansiolíticos bajo la inofensiva apariencia de pastillas de colores. El deseo de popularidad y de ver aumentada su autoestima desencadenará en un proceso de autodestrucción irreversible.

De esta manera al espectador se lo introduce en una historia oscura donde nadie se salva. Pero esta historia aparentemente lineal, donde los personajes no evolucionan, ni donde tampoco hay un final feliz, está plagada de recursos formales los cuales nos llamaron mucho la atención. Lentes de ojo de pez, pantallas divididas, una gran banda sonora, secuencias oníricas con estética de videorome, cámaras – vibradoras, etc., que son el maquillaje de una película que no hace apología a las drogas sino que muestra al drogadicto como víctima de la sociedad. El tema es que esto no es así. El individuo es responsable de sus propios actos y depende del cuidado de sí mismo. Esta es la relación que existe entre el individuo y la sociedad. Según Foucault, es ético cuidar de sí mismo ya que esta es la base de la libertad del individuo. Es por eso que el director está avalando la idea de ser víctima de la sociedad, cuando la realidad es que cada uno tiene la capacidad de elección. Con respecto a lo que Foucault dice de los juegos de verdad, que son las prácticas de control, se relacionan con prácticas de autoformación del sujeto y de su propia libertad. Si esta liberación no es tratada con ciertos cuidados y dentro de ciertos límites se puede llegar a estar alienado, escondido o apresado por algún mecanismo represivo. Esto es lo que les sucede a los personajes de esta película. Y es por eso que cuidar de sí es dotar el propio yo con estas verdades. Y allí es donde la ética se vincula con el juego de verdad. Otro punto importante en esta película y basándonos en lo establece Foucault con respecto a esto, son las relaciones de poder. El personaje de Harry y Sara no establecen la relación de poder que tendría que existir en una relación de madre-hijo. Y eso se debe a que estos personajes en primera instancia no tienen conocimiento de sí mismos. Se ven perdidos frente a la vida y además no tienen una guía que le diga la verdad. Creo que esto recae más que nada en la actitud de Harry que no es consciente de cuales son sus deberes frente al jefe del hogar o simplemente por que para el no existe cierta figura. De hecho sufre de una ausencia de figura paterna. Por eso sucede que sus relaciones no están como deben estar. Y es por eso que se ve claramente la ausencia de Otro. La Otredad es un descubrimiento constante del otro para enriquecer la propia identidad. Ninguno de los personajes enriquece o sufre un cambio a lo largo de la película sino que van directamente a la destrucción total. Creemos que este tipo de actitud lleva a la venganza a toda costa. En la relación de estos dos personajes existe una pelea interna con uno mismo por no exteriorizar los deseos. La escena que describe este problema es cuando Harry visita a su madre y se da cuenta que ella esta totalmente enferma por las pastillas pero sin embargo no exterioriza cual es su sentimiento y frente a esto escapa y niega cual es la situación. No hay comunicación entre ellos. Sara está inmersa en una soledad donde niega de su pasado y su futuro. Pero también se desespera por querer alcanzar una realidad ficticia por querer retornar a un pasado utópico de familia feliz. Ella visualiza en sus sueños si orgullo por su hijo graduado y que la acompaña en todo momento. Esa obsesión que tiene Sara por querer imitar el modelo que propone la sociedad, la lleva a una angustia galopante tras un velo de adicción a las "pastillas de colores". No hay construcción del yo. Lacan establece que el quiere flagelarse que lo haga pero que por eso no tiene mérito. Es aquí donde el director plantea todo lo contrario ya que nos muestra a estos personajes como víctimas. Aquí los personajes no producen su alteridad. Ninguno de ellos lucha por sus intereses diferentes. Es por eso que esta negación sería el deseo de eliminar al otro ya que con esto se llega a una utopía que desea cada personaje.

El paradigma de esta película es una sociedad totalmente narcotizada. ¿Pero que significa lo narcotizante?. Del diccionario, el narcótico, es una sustancia química que provoca la aparición del sueño. Pero frente a esto existe el mecanismo de defensa por el que se rechazan aquellos aspectos de la realidad que se consideran desagradables, llamada Negación. El individuo se enfrenta a conflictos emocionales y amenazas de origen interno o externo negándose a reconocer algunos aspectos dolorosos de la realidad externa o de las experiencias subjetivas que son manifiestos para los demás. El término negación psicótica se emplea cuando hay una total afectación de la capacidad para captar la realidad. Por eso creo que principalmente la función narcotizante en esta película, y centrándonos en el personaje de Sara, es la televisión. La tan denostada "caja tonta" hace referencia a esta "función narcotizante". La televisión es para muchas personas, la principal fuente de entretenimiento. La película empieza con una pelea entre Harry y Sara por la televisión de la casa, y no es por nada. Creemos que la historia principal de la película es la de Sara que todo lo que a ella le suceda es por la televisión. Ella permanece horas y horas frente a ese televisor. Y todo lo que se desencadena después es por ese enfermizo programa de televisión. Por eso hay veces que uno no puede creer lo que puede causar la "caja tonta" en una persona. Pero volviendo al tema de la relación sociedad-individuo depende de uno cuidar de sí mismo y de poder tener capacidad de elección. Pero he aquí los personajes eligen narcotizarse cuando tienen un sueño. Y el problema radica en este punto. Un sueño ofrece un camino más fácil que sería el más ético. Lo ético en este caso relacionado a lo bueno. Estos personajes no eligen el buen camino. Teniendo en cuenta la ética relacionado a lo bueno, parecería imposible llegar al porque de la elección del mal camino de estos personajes. El tema no es el sueño sino el camino para llevarlo a cabo. Marion la novia de Harry, elige el narcotráfico antes que el trabajo duro para llegar a poner el local. Y lo que es más difícil de entender que elige este camino teniendo una familia con mucho dinero. Harry, lo mismo como su amigo Tyron. Y Sara, más ingenuamente, elige el camino "más rápido" de adelgazar que es con pastillas, por recomendación de las amigas. Entonces de esta manera la película descarga la responsabilidad en el otro. Es por eso que uno no elige narcotizarse porque tiene un sueño, sino porque quiere. Ninguno de ellos cuida de si mimos sino sus actos serían éticos. Y como obviamente siempre hay varios caminos para llegar a algo podríamos llegar a pensar que el director debe avalar lo no ético como excusa para poder hacer una película que responda a su universo simbólico. Una película cien por cien narcotizante, donde la obra habla de narcóticos y es por eso que se justifica el efecto que produce en el espectador y los recursos que utiliza. Es por eso que el gran atractivo de la película son los recursos que utiliza más que la historia en sí. Emitiendo un juicio de valor, la película sin este tratamiento estético no sería lo que es. El director establece una marca registrada de utilización de recursos que serán la base de nuestro análisis con respecto a responder si esta es una obra de arte o no.

Según lo estudiado, una gran obra de arte es la cual nos va a ofrecer respuestas pero a la vez grandes preguntas. El compromiso consciente con el mundo y la sublimación tienen que coexistir para que exista una obra de arte. Un autor nunca va a poder ser ajeno con el mundo en el que vive. El arte no describe aquello que ya existe, sino que a partir de ello crea un mundo, en el cual las verdades empíricas pierden su valor y se proyecta a la búsqueda por lo nuevo. El director constantemente propone su punto de vista y, teniendo en cuenta su anterior película, creemos que es totalmente fiel a sus convicciones. La película Pi, su obra anterior, cuenta la historia de un genio de las matemáticas que vive en el Chinatown de Nueva York que cree que todo puede explicarse de forma numérica, lo que le provoca alucinaciones y paranoias. De esta forma crea un complejo sistema informático en su apartamento para tratar de descifrar el número pi, lo que despierta el interés y acoso, tanto una compañía de Wall Street como una secta cabalística judía. Para esta película también utiliza recursos de ritmo, conjugados por una gran banda sonora de música electrónica. Esto responde a que el director propone una estética característica en todas sus películas.

Pero volviendo a Réquiem para un sueño, la subjetividad de la cámara, conjugada con la fotografía, la iluminación, la música y la consecución de planos cortos a un ritmo frenético, nos sumerge en los estados mentales de sus protagonistas, en su particular percepción de la realidad. Rítmicamente, el efecto es narcótico. El espectador, principalmente en la escena donde mediante el montaje paralelo se muestra el desenlace de cada personaje, se ve inmerso en este vértigo y no límite que propone la película. La narrativa mediante planos cortos alusivos al único interés de drogas y adicción, ojos dilatados, ventanas que se abren a ese mundo utópico prometido por la adicción son sublimes, y el audio como apoyo confirma las ideas presentadas, cámara rápida (las drogas y su efecto no son lentas, pero también son rápidas al desvanecerse y pasar el efecto), cambios, escenas de sexo que hacen que el espectador quiera desviar la mirada y una secuencia final en que los personajes enfrentan su propio destino. Por eso, entender el compromiso consiente del artista con su mundo es comprender su apología o su cuestionamiento frente al mundo en el que vive, identificación o rechazo frente a fenómenos, cosmovisiones e ideologías. El valor de esta obra no será la imposición del autor sobre el receptor sino la fuerza catalizadora entre ellos. Teniendo en cuenta que el espectador puede sentirse apabullado por este vértigo que propone Arofnosky, radicará la duración de la obra. Aquí existe el autor, la obra y el receptor. En el cine sino encontramos la presencia de estos tres, no se produciría jamás este evento artístico. La obra de arte será el producto de la duración del artista y la percepción del receptor. Según Aristóteles, el arte es totalidad intensiva. Habla de que en una obra de arte se puede resumir el mundo. En el arte hay que mentir para decir la verdad, este no describe lo que ya existe sino que busca algo nuevo. Con respecto a esto se podría entender la postura del director teniendo en cuenta que sabiendo que los personajes tienen un camino ético para lograr su sueño, utiliza la mentira y como hemos dicho previamente es una excusa para realizar este tipo de película. Creemos que el director tuvo en cuenta todo este tipo de cosas porque lo que le interesa es el choque con el espectador. No queremos ahondar sobre lo que pudo o no haber pensado el director, no es cuestión de analizar al mismo sino analizar su obra y sus características. Según Freud, los sueños son la expresión de lo reprimido. Los personajes reprimen constantemente sus deseos a través de la elección del camino de la droga. No es casual el título de la película, esa alusión clara al conflicto narrado. Réquiem vinculado a la muerte como desenlace de querer alcanzar un sueño. En el paradigma estadounidense implica la alusión directa y explícita a la imposibilidad de alcanzar esos sueños a los que el espíritu reconoce como motivación, esa aspiración de una mejor vida, una mejor realidad, el sueño americano. Es por eso que el artista mira hacia el mundo objetivo de donde saca estímulos para hacerlos pasar por su propia subjetividad que actúa como fuerza creadora y recreadora. De esta manera responde a que el arte es subjetivación del objetivo y a su vez objetivación de lo subjetivo. Más allá de que la película muestre el supuesto camino a la muerte, no significa que cause la muerte o que participe en su generación. Creemos que con respecto a esto no hay apología sino todo lo contrario. De acuerdo con esto podemos seguir el camino para llegar a saber si la película es o no una obra de arte.

Según Einsestein, el montaje y la yuxtaposición evocan la conciencia y el sentimiento del espectador y lo más importante es que crean el dinamismo de la imagen. El montaje de Réquiem es realmente significativo. Existe un montaje renovado donde el efecto en el espectador de las pantallas divididas es impactante. Y esto es un mérito del autor y aporta a considerar la película una obra de arte. Pero hay que tener en cuenta que un artista se vale de varias obras en su haber sino cualquiera podría ser artista. Con respecto a su anterior película, Pi, completa el universo simbólico del artista, ya que a pesar de que ésta es blanco y negro y Réquiem color, existe la presencia de su marca registrada. Sus recursos formales pueden ser considerados símbolos estéticos, por ende eslabones que componen una obra artística. Estos símbolos que generan un nuevo significado por lo menos en lo que cinematográficamente llamamos recursos formales. El lenguaje cinematográfico amplia los significados del mismo. Otra apreciación podría ser que esta película corresponde a la posmodernidad donde solamente existe una estetización de lo banal. Pero creemos que esta película va más allá de una simple estetización. Para hacer una comparación podemos nombrar la película Trainspotting. Ésta sería un ejemplo de película posmoderna ya que también trata el tema de las drogas, el individuo y la sociedad. Esta ya había abordado el tema pero ahí había elementos de comedia que suavizaban el rato y aquí la crudeza es constante. Además está lejos de tener un significado tan profundo como lo hace Arofnosky en Réquiem. Creemos que lo que este director propone es una visión más artística y no una realización para las masas. Esta película esta dirigida a un público que goce de conocimiento de este tipo de estéticas utilizadas a nivel cinematográfico y no a un público general.

Con respecto a la sublimación en el arte de la que habla Zantonyi, está claro que en el cine nos muestran una cosa para decirnos otra. Se construye un símbolo entre el receptor y la obra. Según Freud la sublimación será en este caso la pulsión sexual desplazada del autor. Pero no hay que confundir, no porque haya sublimación lo convierte en obra de arte. A través del arte se construye otredad. Una obra artística va a tener tantos significados como espectadores tenga. La película es lineal pero insistimos que en relación al tratamiento de la misma existe una originalidad, que será el significante, según Saussure, que mas el significado de la obra, producirá un signo que será la película en sí. Volviendo al tema de los juegos de verdad que propone Foucault, es lo que establecemos hoy en el paradigma actual como verdadero. En el arte es desplazamiento en el arte es simbólico. Y estos juegos de verdad se van a relacionar con prácticas de autoformación del sujeto. Y en relación a esto es importante resaltar la duración frente a un evento artístico que será lo que le dará un rol activo al receptor. A esta altura del análisis creemos que con respecto a la historia de la película hay una sola interpretación que responde a la linealidad de la historia contada. Pero creemos que la interpretación de cada uno responde más a la mirada que uno tenga con respecto al tema tratado. Tomar postura de estar a favor o en contra de lo contado y de cómo está contado. Nuestra postura responde más a que el tratamiento de la película es maravillosa y responde más a un interés particular por este tipo de películas, pero sabemos que este tipo de obras de autor son para unos pocos, cosa que ayuda a seguir en el camino de descubrir si es una obra de arte. El arte no es para todos. De hecho muchos artistas hacen para unos pocos. Y realmente estamos de acuerdo con una postura semejante. Obviamente debe existir siempre un receptor sino se pierde el valor de obra de arte. La mirada del espectador cambia a través del paso del tiempo, y según Bergson, esto se llama duración. Entonces con respecto a la otredad surge también el concepto de tolerancia. Este es mi deber para con el otro. Sin entender no me puedo acercar al otro. El dominio de uno frente al otro es el misterio que esta relación me propone. A través de los recursos formales de una película se puede establecer un vínculo de tolerancia. En esta caso la música también puede formar parte de esta. El cine nace de una confusión lingüística fenomenal. Se mezcla imagen y sonido balanceados y se genera luego una autenticidad lingüística. Y es por eso que aunque el concepto no sea positivo uno puede tolerar o no la película. Ya que el ritmo vertiginoso que tiene la película no es para cualquiera. Otra cuestión es lo que produce un producto cinematográfico en una sociedad de consumo. Hay una necesidad secundaria que es la de pertenecer a un grupo y ser avalado por el mismo. En esta caso el consumo de una estética cinematográfica o producto audiovisual se apoya en esta necesidad de pertenencia. Por ejemplo la banda sonora de esta película ha sido muy difundida dentro de la "comunidad" de la música electrónica, donde en las mejores discos del mundo, los mejores dj’s han hecho gran cantidades de remix de la banda sonora de la película. Ha sido una película "de moda". Es por eso que existieron opiniones como estas: "Réquiem for a dream, cine vertiginoso al estilo publicitario. Por muy de moda que esté y muy moderno que parezca no nos engañemos eso no es ni por asomo una obra de arte", "Réquiem es todo lo que los directores han clasificado como estética-cool-MTV".

Y creemos que aquí radica el tema de la duración. Ya que a lo largo de los años la película se va a ver de manera diferente. Y además por la cuestión que depende mucho quien la vea.

Con respecto a la construcción de la banda sonora, Darren Arofnosky, en sus dos películas ha tenido a Clint Mansell con la colaboración de Kronos Quartet como compositor. Este mantiene un sonido electrónico similar al del film Pi el orden del caos y al mismo tiempo crea atmósferas muy armónicas que transmiten el contraste de momentos de intensidad del gran trabajo visual, de edición, de recursos cinematográficos que difícilmente se pueden apreciar en otras películas. Tracks como "Lux Aeterna" y "Summer Overture" llevan al espectador a un clímax visual y emocional poniendo en tela de juicio las motivaciones de los sueños de la humanidad en la cultura de occidente actualmente. Y realmente la música conmueve en esta película. Y hasta se podría decir que hace que la misma responda a la idea de obra de arte. Y nuestra reflexión de la música surge a través de haber leído reflexiones de Aristóteles acerca del Arte de la poesía. Podemos decir que nos encontramos frente a una película poética desde sus recursos y trágica desde su contenido. Aristóteles sugiere brevemente dos motivos que originan la tragedia. El primero, que la imitación es en ella natural; y el reconocimiento de la imitación es causa natural de placer para el hombre, dado que éste halla agradable el aprender, y el reconocimiento. Puesto que la tragedia es imitación de un tipo especial de objeto, a saber, los hechos que provocan miedo o compasión, su placer propio "es el placer derivado de la piedad y el miedo a través de la imitación". El problema que evidentemente se plantea, es cómo podemos sacar placer de emociones sentidas que resultan penosas. La respuesta más acertada de Aristóteles es que, si bien el objeto imitado puede ser en sí mismo de aspecto desagradable, el placer de contemplar la imitación puede superar al desagrado, como en la contemplación de dibujos bien logrados de cadáveres. Esto es lo que sucede con la película ya que el placer estético básico que propone la misma forma parte del conocimiento de cada uno. Y con respecto a la música Aristóteles dice que la tragedia deriva también de nuestra natural disposición para "la melodía y el ritmo". Y que este placer que sentimos con la melodía y el ritmo puede referirse al que nos produce la belleza en general. Y esto también será tarea de que los personajes actúen de acuerdo con su naturaleza, cuando reproduzcan el "tipo de cosas que diría o haría determinada persona de acuerdo con cierta probabilidad o necesidad, que es a lo que tiende la composición poética". Según Aristóteles el arte radica en que el poeta ha de hacer plausible su argumento vinculándolo a verdades psicológicas generales. Otro tema importante es la catarsis. Aristóteles propone claramente una teoría catártica de la música directamente vinculada al efecto en el receptor. Esto es lo que pasa Réquiem ya que en la escena final a uno hasta le dan ganas de llorar. Pero contrario a esta teoría, Gerald Else dice que la catarsis no es un efecto sobre el auditorio o los lectores, sino algo consumado en la misma representación. O sea que aquí preferimos darle mérito al director ya que es obra de él que la película cause lo que cause en el espectador. Creemos que eso ya esta en la obra no es externo. Pero eso sí, sería difícil conciliar esta idea ya que para que haya una obra de arte debe haber un espectador activo que aporte algo al evento artístico.

Según Heidegger, el artista es el origen de la obra. La obra es el origen del artista. Ninguno puede ser sin el otro. El artista y la obra son en sí mismos y recíprocamente por medio de un tercero que viene a ser lo primero, aquello de donde el artista y la obra de arte reciben sus nombres: el arte. O sea, con esto queremos decir que de acuerdo con la teoría de Heidegger, obra más artista: arte. El tema es poder establecer que es arte y que no. Hemos encontrado una reflexión anónima con la cual coincidimos: "El arte no es gratificación, es choque o por lo menos algo parecido, algo que se define como belleza". Teniendo en cuenta el contenido de esta frase, Réquiem para un sueño propone ese choque. Y eso es lo que pasa también con el sitio web de la película.

En la página web hay interactividad. Cuando se entra en una obra interactiva uno se siente como un conejillo de indias. Y eso es lo que irrita de esta página. La web es una reconstrucción en formato de trailer. A través de una narración casi epiléptica, relata la dramática historia de los personajes como se hace en la película. Consigue involucrar emocionalmente al usuario mediante un torbellino de sonidos, imágenes y efectos especiales que materializan "online" el delirio mental de los personajes. Pero todo esto de una manera chocante, donde llega un momento en el que uno no tiene ni dominio del "mouse". Se puede considerar un experimento del "net art". Es una extensión de la película, una manifestación paralela de los sentimientos de los personajes. El sitio web mezcla imágenes pseudocomerciales de sitios de juego y apuestas (correspondiendo al programa de Tv que ve el personaje de Sara en la película) superpuestos con frases, símbolos y sonidos relativos a la adicción. Por eso el sitio es una implicación personal del director y no una simple página promocional. Asalta al espectador con falsos errores, mensajes contradictorios y todo tipo de distorsiones deliberadas. Esta se desarrolla en una no – linealidad programada, queriendo introducir al usuario/espectador en ese mundo y en las situaciones que viven los protagonistas. De esta manera se logra que el usuario casi se vuelva loco. Pero que suceda eso es lo acertado. Ya que sigue hablándose de ese efecto narcotizante que tiene la obra.

Cabe también analizar lo que es la gráfica del póster de la película. Si hay una parte del cuerpo humano que haya sido pintada, fotografiada, abstraída, hecha verso y hasta idolatrada, es definitivamente el ojo. Ojo por ojo...Los ojos son el espejo del alma...Echa un ojo...Cierra los ojos...Ojos que no ven...

¿Por qué nos apasionan tanto las miradas?; tal vez su movimiento, su expresión, su brillo, su emoción. Puede ser que nunca lo lleguemos a comprender enteramente, pero cualquier pieza donde se coloque este sello humano, tiene garantía de ver y ser vista. Así sucede aquí. Mas no es solamente por ello que el cartel es llamativo. En el diseño gráfico se dice que lo más fácil es colocar las cosas en el centro; es verdad, pero hay que saber cómo hacerlo efectivamente.

El ojo, el título y la chica están en el centro vertical de la pieza. Una composición geométrica y sencilla pero con toques geniales:

El color del ojo es azul, como el fondo de la imagen inferior, creando unión y armonía en 2 imágenes separadas por una simple línea negra.

En la foto inferior, el vestido de ella es magnífico; punto de contraste que grita en la calma nostálgica del paisaje; esta pasividad y el contraste de colores compensan la agresividad de la imagen superior.

La tipografía es simple, pero sólida, fuerte, agresiva incluso. Un cartel sutil, obvio, sencillo, pero más que eso, un alarido visual.

Pero a nosotras nos llamo la atención y vale la pena analizar la presencia de la mirada. Mirada que juzga. Mirada de los demás que siempre importa. Mirada del Otro. Ese Otro que está ausente en esta película. Según Hegel "El Otro es el que me ve". Ese Otro está allí observándome, mira mi cuerpo, observa mi forma de hablar, caminar. Y es así como voy constituyendo mi necesidad de satisfacer la mirada de ese Otro, es ahí cuando uno sólo busca satisfacer el deseo de ese Otro.
El Otro, que primero fueron los padres, luego, se extiende al resto de la familia, los amigos. Por ello es tan importante lo que aprehendemos sobre nosotros en los primeros años de vida. Y lo que podemos desarrollar en adelante. Y tal vez la presencia del ojo como leiv motiv es esto mismo. La mirada del otro que no existe y por ende no hay construcción de la identidad propia de estos personajes. Y la realidad que uno no puede vivir sin el otro. Uno no puede vivir sin la mirada crítica, ya que en este juego de verdad que propone la vida todos necesitamos alguien que nos diga esa verdad. Además se necesita constituirse en sociedad para constituirme como sujeto. Entonces en este caso pensamos que esa mirada es la nuestra, la del espectador que juzga o no a los personajes más allá que internamente en la película no se los juzgue sino que se los avale.

"El arte es tan artístico como la excusa de la que se vale el artista para sustentarlo". Darren Arofnosky es un artista. Y su obra es esta película que llena de recursos que forman parte del universo simbólico del mismo frente a su compromiso consciente con el mundo. El arte no tiene definición. Dejará abiertas siempre preguntas y respuestas con respecto a la misma. Simboliza la realidad en la que este vive. Cada uno le va a dar el valor que le corresponda y de aquí surgirá e valor de la obra. A uno le puede gustar o no pero la exterioridad de la obra va a ser intencionada por el receptor. Réquiem para un sueño es un símbolo estético. Realizada en forma poética. Por eso podemos afirmar que esta película es una obra de arte y que coincide con que una obra de autor en el cine va a ser arte. Esta película no pretende conquistar a todos por eso vale calificarla como tal. Y además con respecto a nuestra segunda hipótesis, la relación individuo-sociedad, existe en la obra una forma de ver esta relación de otra manera. Que podemos afirmar, lo que se ve a través de ese Ojo. El Ojo, la mirada que propone el director. Y a pesar que no exista ese Otro cada personaje es uno mismo. "Ser uno mismo… eso es la vida, y nosotros, los otros, somos ensueños de aquella." Y Heidegger es muy claro con esto. Y esos somos nosotros, los espectadores. Podemos estar equivocadas y somos conscientes que esta obra puede llevar a muchas discusiones y diferentes puntos de vista. Pero finalmente afirmando que sin duda estaremos siempre frente a una obra de arte. Aunque no siempre habrá un "réquiem" para un sueño.

 

 

GUADALUPE TELLADO

SOFÍA ROCATTI


Comentarios


Trabajos relacionados

Ver mas trabajos de Arte y Cultura

 

Nota al lector: es posible que esta página no contenga todos los componentes del trabajo original (pies de página, avanzadas formulas matemáticas, esquemas o tablas complejas, etc.). Recuerde que para ver el trabajo en su versión original completa, puede descargarlo desde el menú superior.


Todos los documentos disponibles en este sitio expresan los puntos de vista de sus respectivos autores y no de Monografias.com. El objetivo de Monografias.com es poner el conocimiento a disposición de toda su comunidad. Queda bajo la responsabilidad de cada lector el eventual uso que se le de a esta información. Asimismo, es obligatoria la cita del autor del contenido y de Monografias.com como fuentes de información.

Iniciar sesión

Ingrese el e-mail y contraseña con el que está registrado en Monografias.com

   
 

Regístrese gratis

¿Olvidó su contraseña?

Ayuda