Abordaremos este ensayo
desarrollando dos hipótesis con respecto a la película
"Réquiem para un sueño" de Darren
Arosnofsky.
En primer lugar, siendo esta película una obra
completamente de autor, respondiendo a un universo propio
de este director, nos preguntamos si esta es una obra de arte o no. No
caeremos en un análisis psicológico del autor, sino
entender ese mundo que él propone (teniendo en cuenta su
anterior película PI) para poder
determinar si esta película es una obra de arte.
También desarrollaremos el tema de la construcción de la otredad a través
de la obra de arte. Se puede decir que el cine de autor
se puede considerar obra de arte ya que cada autor va a proponer
una subjetividad y un mundo propio a través de su
compromiso consciente con el mundo. Tomaremos como eje de estudio
diferentes puntos de vista de otros autores que han tratado el
tema del arte y sobre lo que este significa en las disciplinas
del cine y el diseño
gráfico, teniendo en cuenta los intereses y
conocimientos de quienes escriben, con respecto a nuestras
carreras universitarias elegidas.
En segundo lugar, el contenido de esta película
sugiere contantemente a lo largo de la obra una
construcción del individuo sin el otro. Sus personajes
tienen un comportamiento
de no cuidado de sí mismos y es por eso que nuestro punto
de partida sobre este tema es llegar a una conclusión que
nos responda al tema de cuál es la relación del
individuo y la sociedad dentro
del paradigma
actual de una sociedad narcotizada. Y diferenciar que es lo que
la sociedad nos ofrece y la posibilidad de elección que
uno tiene sobre ella.
Con respecto al nombre de la película
también desarrollaremos un análisis ya que sugiere
una gran dicotomía, el sueño como algo positivo y
la idea de réquiem como todo lo contrario. Creemos que el
nombre devela cual es la postura del autor con respecto a estos
personajes y la vida que les toca o eligen vivir. Es por eso que
partiendo de la idea de que en esta película no existe
Otro que influencie en la vida de estos personajes, analizaremos
cual es la responsabilidad que descarga en Otro esta
película.
En este caso todo se dará a través de un
transgresión de fomentar la responsabilidad propia. Por
eso, ¿los personajes y la historia avalan esta idea de
ser víctima frente al mundo de las drogas y la
propia destrucción?
Habiendo especificado estos primeros puntos de
análisis que llevaremos a cabo daremos comienzo a este
laberinto analítico develando a lo largo del mismo nuestra
postura frente a esto evitando un trabajo lineal y proponiendo un
ritmo vertiginoso y alienado para que responda a los recursos
utilizados en esta obra.
El director ha realizado una película que se
centra en el mundo de las adicciones en
general y que ahonda con detalle en la repercusión que
éstas tienen tanto a nivel psicológico como
físico, es decir, en la desintegración personal y la
marginación social que implican. El análisis de los
mecanismos de negación y defensa, de las pautas de
conducta
orientada a la droga, y de la
deconstrucción moral y
racional del individuo.
Por una parte tenemos a Harry, a su novia Marion y a su
mejor amigo Tyrone, adictos a la heroína. Su historia
comienza en verano, momento en el que pueden conseguir tanta
droga como deseen y están llenos de sueños y
esperanzas. Quieren desengancharse y convertirse en traficantes
hasta conseguir dinero
suficiente para vivir cómodamente y montar una tienda de
ropa con los diseños de Marion. La droga les ofrece
momentos de satisfacción y placer. Su descenso a los
infiernos comienza en otoño. Angustia, demencia,
distorsión mental. Por otra parte tenemos a la madre de
Harry, Sara Goldfarb, una ama de casa viuda, adicta a la
televisión, y sobretodo a uno de esos concursos
basura cuyo
presentador parece un telepredicador delante de su público
de sectarios, ciegos por el fervor. Tras recibir una llamada
telefónica en la que se le comunica que ha sido
seleccionada para participar en un programa de
televisión, decidirá empezar un
estricto régimen alimenticio a base de píldoras, en
definitiva, anfetaminas y ansiolíticos bajo la inofensiva
apariencia de pastillas de colores. El deseo
de popularidad y de ver aumentada su autoestima
desencadenará en un proceso de
autodestrucción irreversible.
De esta manera al espectador se lo introduce en una
historia oscura donde nadie se salva. Pero esta historia
aparentemente lineal, donde los personajes no evolucionan, ni
donde tampoco hay un final feliz, está plagada de recursos
formales los cuales nos llamaron mucho la atención. Lentes de ojo de pez, pantallas
divididas, una gran banda sonora, secuencias oníricas con
estética de videorome, cámaras
– vibradoras, etc., que son el maquillaje de una
película que no hace apología a las drogas sino
que muestra al
drogadicto como víctima de la sociedad. El tema es que
esto no es así. El individuo es responsable de sus propios
actos y depende del cuidado de sí mismo. Esta es la
relación que existe entre el individuo y la sociedad.
Según Foucault, es
ético cuidar de sí mismo ya que esta es la base de
la libertad del
individuo. Es por eso que el director está avalando la
idea de ser víctima de la sociedad, cuando la realidad es
que cada uno tiene la capacidad de elección. Con respecto
a lo que Foucault dice de los juegos de
verdad, que son las prácticas de control, se
relacionan con prácticas de autoformación del
sujeto y de su propia libertad. Si esta liberación no es
tratada con ciertos cuidados y dentro de ciertos límites se
puede llegar a estar alienado, escondido o apresado por
algún mecanismo represivo. Esto es lo que les sucede a los
personajes de esta película. Y es por eso que cuidar de
sí es dotar el propio yo con estas verdades. Y allí
es donde la ética se
vincula con el juego de
verdad. Otro punto importante en esta película y
basándonos en lo establece Foucault con respecto a esto,
son las relaciones de poder. El personaje de Harry y Sara no
establecen la relación de poder que tendría que
existir en una relación de madre-hijo. Y eso se debe a que
estos personajes en primera instancia no tienen conocimiento
de sí mismos. Se ven perdidos frente a la vida y
además no tienen una guía que le diga la verdad.
Creo que esto recae más que nada en la actitud de
Harry que no es consciente de cuales son sus deberes frente al
jefe del hogar o simplemente por que para el no existe cierta
figura. De hecho sufre de una ausencia de figura paterna. Por eso
sucede que sus relaciones no están como deben estar. Y es
por eso que se ve claramente la ausencia de Otro. La Otredad es
un descubrimiento constante del otro para enriquecer la propia
identidad.
Ninguno de los personajes enriquece o sufre un cambio a lo
largo de la película sino que van directamente a la
destrucción total. Creemos que este tipo de actitud lleva
a la venganza a toda costa. En la relación de estos dos
personajes existe una pelea interna con uno mismo por no
exteriorizar los deseos. La escena que describe este problema es
cuando Harry visita a su madre y se da cuenta que ella esta
totalmente enferma por las pastillas pero sin embargo no
exterioriza cual es su sentimiento y frente a esto escapa y niega
cual es la situación. No hay comunicación entre ellos. Sara está
inmersa en una soledad donde niega de su pasado y su futuro. Pero
también se desespera por querer alcanzar una realidad
ficticia por querer retornar a un pasado utópico de
familia feliz.
Ella visualiza en sus sueños si orgullo por su hijo
graduado y que la acompaña en todo momento. Esa
obsesión que tiene Sara por querer imitar el modelo que
propone la sociedad, la lleva a una angustia galopante tras un
velo de adicción a las "pastillas de colores". No hay
construcción del yo. Lacan establece que el quiere
flagelarse que lo haga pero que por eso no tiene mérito.
Es aquí donde el director plantea todo lo contrario ya que
nos muestra a estos personajes como víctimas. Aquí
los personajes no producen su alteridad. Ninguno de ellos lucha
por sus intereses diferentes. Es por eso que esta negación
sería el deseo de eliminar al otro ya que con esto se
llega a una utopía que desea cada personaje.
El paradigma de esta película es una sociedad
totalmente narcotizada. ¿Pero que significa lo
narcotizante?. Del diccionario,
el narcótico, es una sustancia química que provoca
la aparición del sueño. Pero frente a esto existe
el mecanismo de defensa por el que se rechazan aquellos aspectos
de la realidad que se consideran desagradables, llamada
Negación. El individuo se enfrenta a conflictos
emocionales y amenazas de origen interno o externo
negándose a reconocer algunos aspectos dolorosos de la
realidad externa o de las experiencias subjetivas que son
manifiestos para los demás. El término
negación psicótica se emplea cuando hay una total
afectación de la capacidad para captar la realidad. Por
eso creo que principalmente la función
narcotizante en esta película, y centrándonos en el
personaje de Sara, es la televisión. La tan denostada
"caja tonta" hace referencia a esta "función
narcotizante". La televisión es para muchas personas, la
principal fuente de entretenimiento. La película empieza
con una pelea entre Harry y Sara por la televisión de la
casa, y no es por nada. Creemos que la historia principal de la
película es la de Sara que todo lo que a ella le suceda es
por la televisión. Ella permanece horas y horas frente a
ese televisor. Y todo lo que se desencadena después es por
ese enfermizo programa de televisión. Por eso hay veces
que uno no puede creer lo que puede causar la "caja tonta" en una
persona. Pero
volviendo al tema de la relación sociedad-individuo
depende de uno cuidar de sí mismo y de poder tener
capacidad de elección. Pero he aquí los personajes
eligen narcotizarse cuando tienen un sueño. Y el problema
radica en este punto. Un sueño ofrece un camino más
fácil que sería el más ético. Lo
ético en este caso relacionado a lo bueno. Estos
personajes no eligen el buen camino. Teniendo en cuenta la
ética relacionado a lo bueno, parecería imposible
llegar al porque de la elección del mal camino de estos
personajes. El tema no es el sueño sino el camino para
llevarlo a cabo. Marion la novia de Harry, elige el narcotráfico antes que el trabajo
duro para llegar a poner el local. Y lo que es más
difícil de entender que elige este camino teniendo una
familia con mucho dinero. Harry, lo mismo como su amigo Tyron. Y
Sara, más ingenuamente, elige el camino "más
rápido" de adelgazar que es con pastillas, por
recomendación de las amigas. Entonces de esta manera la
película descarga la responsabilidad en el otro. Es por
eso que uno no elige narcotizarse porque tiene un sueño,
sino porque quiere. Ninguno de ellos cuida de si mimos sino sus
actos serían éticos. Y como obviamente siempre hay
varios caminos para llegar a algo podríamos llegar a
pensar que el director debe avalar lo no ético como excusa
para poder hacer una película que responda a su universo
simbólico. Una película cien por cien narcotizante,
donde la obra habla de narcóticos y es por eso que se
justifica el efecto que produce en el espectador y los recursos
que utiliza. Es por eso que el gran atractivo de la
película son los recursos que utiliza más que la
historia en sí. Emitiendo un juicio de valor, la
película sin este tratamiento estético no
sería lo que es. El director establece una marca registrada
de utilización de recursos que serán la base de
nuestro análisis con respecto a responder si esta es una
obra de arte o no.
Según lo estudiado, una gran obra de arte es la
cual nos va a ofrecer respuestas pero a la vez grandes preguntas.
El compromiso consciente con el mundo y la sublimación
tienen que coexistir para que exista una obra de arte. Un autor
nunca va a poder ser ajeno con el mundo en el que vive. El arte
no describe aquello que ya existe, sino que a partir de ello crea
un mundo, en el cual las verdades empíricas pierden su
valor y se proyecta a la búsqueda por lo nuevo. El
director constantemente propone su punto de vista y, teniendo en
cuenta su anterior película, creemos que es totalmente
fiel a sus convicciones. La película Pi, su obra anterior,
cuenta la historia de un genio de las matemáticas que vive en el Chinatown de
Nueva York que cree que todo puede explicarse de forma
numérica, lo que le provoca alucinaciones y paranoias. De
esta forma crea un complejo sistema
informático en su apartamento para tratar de descifrar el
número pi, lo que despierta el interés y
acoso, tanto una compañía de Wall Street como una
secta cabalística judía. Para esta película
también utiliza recursos de ritmo, conjugados por una gran
banda sonora de música electrónica. Esto responde a que el
director propone una estética característica en todas sus
películas.
Pero volviendo a Réquiem para un sueño, la
subjetividad de la cámara, conjugada con la fotografía, la iluminación, la música y la
consecución de planos cortos a un ritmo frenético,
nos sumerge en los estados mentales de sus protagonistas, en su
particular percepción
de la realidad. Rítmicamente, el efecto es
narcótico. El espectador, principalmente en la escena
donde mediante el montaje paralelo se muestra el desenlace de
cada personaje, se ve inmerso en este vértigo y no
límite que propone la película. La narrativa
mediante planos cortos alusivos al único interés de
drogas y adicción, ojos dilatados, ventanas que se abren a
ese mundo utópico prometido por la adicción son
sublimes, y el audio como apoyo confirma las ideas presentadas,
cámara rápida (las drogas y su efecto no son
lentas, pero también son rápidas al desvanecerse y
pasar el efecto), cambios, escenas de sexo que hacen
que el espectador quiera desviar la mirada y una secuencia final
en que los personajes enfrentan su propio destino. Por eso,
entender el compromiso consiente del artista con su mundo es
comprender su apología o su cuestionamiento frente al
mundo en el que vive, identificación o rechazo frente a
fenómenos, cosmovisiones e ideologías. El valor de
esta obra no será la imposición del autor sobre el
receptor sino la fuerza
catalizadora entre ellos. Teniendo en cuenta que el espectador
puede sentirse apabullado por este vértigo que propone
Arofnosky, radicará la duración de la obra.
Aquí existe el autor, la obra y el receptor. En el cine
sino encontramos la presencia de estos tres, no se
produciría jamás este evento artístico. La
obra de arte será el producto de la
duración del artista y la percepción del receptor.
Según Aristóteles, el arte es totalidad
intensiva. Habla de que en una obra de arte se puede resumir el
mundo. En el arte hay que mentir para decir la verdad, este no
describe lo que ya existe sino que busca algo nuevo. Con respecto
a esto se podría entender la postura del director teniendo
en cuenta que sabiendo que los personajes tienen un camino
ético para lograr su sueño, utiliza la mentira y
como hemos dicho previamente es una excusa para realizar este
tipo de película. Creemos que el director tuvo en cuenta
todo este tipo de cosas porque lo que le interesa es el choque
con el espectador. No queremos ahondar sobre lo que pudo o no
haber pensado el director, no es cuestión de analizar al
mismo sino analizar su obra y sus características.
Según Freud, los
sueños son la expresión de lo reprimido. Los
personajes reprimen constantemente sus deseos a través de
la elección del camino de la droga. No es casual el
título de la película, esa alusión clara al
conflicto
narrado. Réquiem vinculado a la muerte como
desenlace de querer alcanzar un sueño. En el paradigma
estadounidense implica la alusión directa y
explícita a la imposibilidad de alcanzar esos
sueños a los que el espíritu reconoce como motivación, esa aspiración de una
mejor vida, una mejor realidad, el sueño americano. Es por
eso que el artista mira hacia el mundo objetivo de
donde saca estímulos para hacerlos pasar por su propia
subjetividad que actúa como fuerza creadora y recreadora.
De esta manera responde a que el arte es subjetivación del
objetivo y a su vez objetivación de lo subjetivo.
Más allá de que la película muestre el
supuesto camino a la muerte, no
significa que cause la muerte o que participe en su
generación. Creemos que con respecto a esto no hay
apología sino todo lo contrario. De acuerdo con esto
podemos seguir el camino para llegar a saber si la
película es o no una obra de arte.
Según Einsestein, el montaje y la
yuxtaposición evocan la conciencia y el
sentimiento del espectador y lo más importante es que
crean el dinamismo de la imagen. El
montaje de Réquiem es realmente significativo. Existe un
montaje renovado donde el efecto en el espectador de las
pantallas divididas es impactante. Y esto es un mérito del
autor y aporta a considerar la película una obra de arte.
Pero hay que tener en cuenta que un artista se vale de varias
obras en su haber sino cualquiera podría ser artista. Con
respecto a su anterior película, Pi, completa el universo
simbólico del artista, ya que a pesar de que ésta
es blanco y negro y Réquiem color, existe la
presencia de su marca registrada. Sus recursos formales pueden
ser considerados símbolos estéticos, por ende
eslabones que componen una obra artística. Estos
símbolos que generan un nuevo significado por lo menos en
lo que cinematográficamente llamamos recursos formales.
El lenguaje
cinematográfico amplia los significados del mismo. Otra
apreciación podría ser que esta película
corresponde a la posmodernidad
donde solamente existe una estetización de lo banal. Pero
creemos que esta película va más allá de una
simple estetización. Para hacer una comparación
podemos nombrar la película Trainspotting. Ésta
sería un ejemplo de película posmoderna ya que
también trata el tema de las drogas, el individuo y la
sociedad. Esta ya había abordado el tema pero ahí
había elementos de comedia que suavizaban el rato y
aquí la crudeza es constante. Además está
lejos de tener un significado tan profundo como lo hace Arofnosky
en Réquiem. Creemos que lo que este director propone es
una visión más artística y no una
realización para las masas. Esta película esta
dirigida a un público que goce de conocimiento de este
tipo de estéticas utilizadas a nivel
cinematográfico y no a un público
general.
Con respecto a la sublimación en el arte de la
que habla Zantonyi, está claro que en el cine nos muestran
una cosa para decirnos otra. Se construye un símbolo entre
el receptor y la obra. Según Freud la sublimación
será en este caso la pulsión sexual desplazada del
autor. Pero no hay que confundir, no porque haya
sublimación lo convierte en obra de arte. A través
del arte se construye otredad. Una obra artística va a
tener tantos significados como espectadores tenga. La
película es lineal pero insistimos que en relación
al tratamiento de la misma existe una originalidad, que
será el significante, según Saussure, que mas el
significado de la obra, producirá un signo que será
la película en sí. Volviendo al tema de los juegos
de verdad que propone Foucault, es lo que establecemos hoy en el
paradigma actual como verdadero. En el arte es desplazamiento en
el arte es simbólico. Y estos juegos de verdad se van a
relacionar con prácticas de autoformación del
sujeto. Y en relación a esto es importante resaltar la
duración frente a un evento artístico que
será lo que le dará un rol activo al receptor. A
esta altura del análisis creemos que con respecto a la
historia de la película hay una sola interpretación
que responde a la linealidad de la historia contada. Pero creemos
que la interpretación de cada uno responde más a la
mirada que uno tenga con respecto al tema tratado. Tomar postura
de estar a favor o en contra de lo contado y de cómo
está contado. Nuestra postura responde más a que el
tratamiento de la película es maravillosa y responde
más a un interés particular por este tipo de
películas, pero sabemos que este tipo de obras de autor
son para unos pocos, cosa que ayuda a seguir en el camino de
descubrir si es una obra de arte. El arte no es para todos. De
hecho muchos artistas hacen para unos pocos. Y realmente estamos
de acuerdo con una postura semejante. Obviamente debe existir
siempre un receptor sino se pierde el valor de obra de arte. La
mirada del espectador cambia a través del paso del
tiempo, y
según Bergson, esto se llama duración. Entonces con
respecto a la otredad surge también el concepto de
tolerancia.
Este es mi deber para con el otro. Sin entender no me puedo
acercar al otro. El dominio de uno
frente al otro es el misterio que esta relación me
propone. A través de los recursos formales de una
película se puede establecer un vínculo de
tolerancia. En esta caso la música también puede
formar parte de esta. El cine nace de una confusión
lingüística fenomenal. Se mezcla imagen y sonido
balanceados y se genera luego una autenticidad
lingüística. Y es por eso que aunque el concepto no
sea positivo uno puede tolerar o no la película. Ya que el
ritmo vertiginoso que tiene la película no es para
cualquiera. Otra cuestión es lo que produce un producto
cinematográfico en una sociedad de consumo. Hay
una necesidad secundaria que es la de pertenecer a un grupo y ser
avalado por el mismo. En esta caso el consumo de una
estética cinematográfica o producto audiovisual se
apoya en esta necesidad de pertenencia. Por ejemplo la banda
sonora de esta película ha sido muy difundida dentro de la
"comunidad" de
la música electrónica, donde en las mejores discos
del mundo, los mejores dj’s han hecho gran cantidades de
remix de la banda sonora de la película. Ha sido una
película "de moda". Es por
eso que existieron opiniones como estas: "Réquiem for a
dream, cine vertiginoso al estilo publicitario. Por muy de moda
que esté y muy moderno que parezca no nos engañemos
eso no es ni por asomo una obra de arte", "Réquiem es todo
lo que los directores han clasificado como
estética-cool-MTV".
Y creemos que aquí radica el tema de la
duración. Ya que a lo largo de los años la
película se va a ver de manera diferente. Y además
por la cuestión que depende mucho quien la vea.
Con respecto a la construcción de la banda
sonora, Darren Arofnosky, en sus dos películas ha tenido a
Clint Mansell con la colaboración de Kronos Quartet como
compositor. Este mantiene un sonido electrónico similar al
del film Pi el orden del caos y al mismo tiempo crea atmósferas muy
armónicas que transmiten el contraste de momentos de
intensidad del gran trabajo visual, de edición, de
recursos cinematográficos que difícilmente se
pueden apreciar en otras películas. Tracks como "Lux
Aeterna" y "Summer Overture" llevan al espectador a un
clímax visual y emocional poniendo en tela de juicio las
motivaciones de los sueños de la humanidad en la cultura de
occidente actualmente. Y realmente la música conmueve en
esta película. Y hasta se podría decir que hace que
la misma responda a la idea de obra de arte. Y nuestra
reflexión de la música surge a través de
haber leído reflexiones de Aristóteles acerca del
Arte de la poesía.
Podemos decir que nos encontramos frente a una película
poética desde sus recursos y trágica desde su
contenido. Aristóteles sugiere brevemente dos motivos que
originan la tragedia. El primero, que la imitación es en
ella natural; y el reconocimiento de la imitación es causa
natural de placer para el hombre,
dado que éste halla agradable el aprender, y el
reconocimiento. Puesto que la tragedia es imitación de un
tipo especial de objeto, a saber, los hechos que provocan miedo o
compasión, su placer propio "es el placer derivado de la
piedad y el miedo a través de la imitación". El
problema que evidentemente se plantea, es cómo podemos
sacar placer de emociones
sentidas que resultan penosas. La respuesta más acertada
de Aristóteles es que, si bien el objeto imitado puede ser
en sí mismo de aspecto desagradable, el placer de
contemplar la imitación puede superar al desagrado, como
en la contemplación de dibujos bien
logrados de cadáveres. Esto es lo que sucede con la
película ya que el placer estético básico
que propone la misma forma parte del conocimiento de cada uno. Y
con respecto a la música Aristóteles dice que la
tragedia deriva también de nuestra natural
disposición para "la melodía y el ritmo". Y que
este placer que sentimos con la melodía y el ritmo puede
referirse al que nos produce la belleza en general. Y esto
también será tarea de que los personajes
actúen de acuerdo con su naturaleza,
cuando reproduzcan el "tipo de cosas que diría o
haría determinada persona de acuerdo con cierta probabilidad o
necesidad, que es a lo que tiende la composición
poética". Según Aristóteles el arte radica
en que el poeta ha de hacer plausible su argumento
vinculándolo a verdades psicológicas generales.
Otro tema importante es la catarsis. Aristóteles propone
claramente una teoría
catártica de la música directamente vinculada al
efecto en el receptor. Esto es lo que pasa Réquiem ya que
en la escena final a uno hasta le dan ganas de llorar. Pero
contrario a esta teoría, Gerald Else dice que la catarsis
no es un efecto sobre el auditorio o los lectores, sino algo
consumado en la misma representación. O sea que
aquí preferimos darle mérito al director ya que es
obra de él que la película cause lo que cause en el
espectador. Creemos que eso ya esta en la obra no es externo.
Pero eso sí, sería difícil conciliar esta
idea ya que para que haya una obra de arte debe haber un
espectador activo que aporte algo al evento
artístico.
Según Heidegger, el artista es el origen de la
obra. La obra es el origen del artista. Ninguno puede ser sin el
otro. El artista y la obra son en sí mismos y
recíprocamente por medio de un tercero que viene a ser lo
primero, aquello de donde el artista y la obra de arte reciben
sus nombres: el arte. O sea, con esto queremos decir que de
acuerdo con la teoría de Heidegger, obra más
artista: arte. El tema es poder establecer que es arte y que no.
Hemos encontrado una reflexión anónima con la cual
coincidimos: "El arte no es gratificación, es choque o por
lo menos algo parecido, algo que se define como belleza".
Teniendo en cuenta el contenido de esta frase, Réquiem
para un sueño propone ese choque. Y eso es lo que pasa
también con el sitio web de la
película.
En la página web
hay interactividad. Cuando se entra en una obra interactiva uno
se siente como un conejillo de indias. Y eso es lo que irrita de
esta página. La web es una reconstrucción en
formato de trailer. A través de una narración casi
epiléptica, relata la dramática historia de los
personajes como se hace en la película. Consigue
involucrar emocionalmente al usuario mediante un torbellino de
sonidos, imágenes y
efectos especiales que materializan "online" el delirio mental de
los personajes. Pero todo esto de una manera chocante, donde
llega un momento en el que uno no tiene ni dominio del "mouse". Se
puede considerar un experimento del "net art". Es una
extensión de la película, una manifestación
paralela de los sentimientos de los personajes. El sitio web
mezcla imágenes pseudocomerciales de sitios de juego y
apuestas (correspondiendo al programa de Tv que ve el personaje
de Sara en la película) superpuestos con frases,
símbolos y sonidos relativos a la adicción. Por eso
el sitio es una implicación personal del director y no una
simple página promocional. Asalta al espectador con falsos
errores, mensajes contradictorios y todo tipo de distorsiones
deliberadas. Esta se desarrolla en una no – linealidad
programada, queriendo introducir al usuario/espectador en ese
mundo y en las situaciones que viven los protagonistas. De esta
manera se logra que el usuario casi se vuelva loco. Pero que
suceda eso es lo acertado. Ya que sigue hablándose de ese
efecto narcotizante que tiene la obra.
Cabe también analizar lo que es la gráfica
del póster de la película. Si hay una parte del
cuerpo humano
que haya sido pintada, fotografiada, abstraída, hecha
verso y hasta idolatrada, es definitivamente el ojo. Ojo por
ojo…Los ojos son el espejo del alma…Echa un ojo…Cierra los
ojos…Ojos que no ven…
¿Por qué nos apasionan tanto las miradas?;
tal vez su movimiento, su
expresión, su brillo, su emoción. Puede ser que
nunca lo lleguemos a comprender enteramente, pero cualquier pieza
donde se coloque este sello humano, tiene garantía de ver
y ser vista. Así sucede aquí. Mas no es solamente
por ello que el cartel es llamativo. En el diseño
gráfico se dice que lo más fácil es colocar
las cosas en el centro; es verdad, pero hay que saber cómo
hacerlo efectivamente.
El ojo, el título y la chica están en el
centro vertical de la pieza. Una composición
geométrica y sencilla pero con toques geniales:
El color del ojo es azul, como el fondo de la imagen
inferior, creando unión y armonía en 2
imágenes separadas por una simple línea
negra.
En la foto inferior, el vestido de ella es
magnífico; punto de contraste que grita en la calma
nostálgica del paisaje; esta pasividad y el contraste de
colores compensan la agresividad de la imagen
superior.
La tipografía es simple, pero sólida,
fuerte, agresiva incluso. Un cartel sutil, obvio, sencillo, pero
más que eso, un alarido visual.
Pero a nosotras nos llamo la atención y vale la
pena analizar la presencia de la mirada. Mirada que juzga. Mirada
de los demás que siempre importa. Mirada del Otro. Ese
Otro que está ausente en esta película.
Según Hegel "El Otro es
el que me ve". Ese Otro está allí
observándome, mira mi cuerpo, observa mi forma de hablar,
caminar. Y es así como voy constituyendo mi necesidad de
satisfacer la mirada de ese Otro, es ahí cuando uno
sólo busca satisfacer el deseo de ese Otro.
El Otro, que primero fueron los padres, luego, se extiende al
resto de la familia,
los amigos. Por ello es tan importante lo que aprehendemos sobre
nosotros en los primeros años de vida. Y lo que podemos
desarrollar en adelante. Y tal vez la presencia del ojo como leiv
motiv es esto mismo. La mirada del otro que no existe y por ende
no hay construcción de la identidad propia de estos
personajes. Y la realidad que uno no puede vivir sin el otro. Uno
no puede vivir sin la mirada crítica, ya que en este juego
de verdad que propone la vida todos necesitamos alguien que nos
diga esa verdad. Además se necesita constituirse en
sociedad para constituirme como sujeto. Entonces en este caso
pensamos que esa mirada es la nuestra, la del espectador que
juzga o no a los personajes más allá que
internamente en la película no se los juzgue sino que se
los avale.
"El arte es tan artístico como la excusa de la
que se vale el artista para sustentarlo". Darren Arofnosky es un
artista. Y su obra es esta película que llena de recursos
que forman parte del universo simbólico del mismo frente a
su compromiso consciente con el mundo. El arte no tiene
definición. Dejará abiertas siempre preguntas y
respuestas con respecto a la misma. Simboliza la realidad en la
que este vive. Cada uno le va a dar el valor que le corresponda y
de aquí surgirá e valor de la obra. A uno le puede
gustar o no pero la exterioridad de la obra va a ser intencionada
por el receptor. Réquiem para un sueño es un
símbolo estético. Realizada en forma
poética. Por eso podemos afirmar que esta película
es una obra de arte y que coincide con que una obra de autor en
el cine va a ser arte. Esta película no pretende
conquistar a todos por eso vale calificarla como tal. Y
además con respecto a nuestra segunda hipótesis, la
relación individuo-sociedad, existe en la obra una forma
de ver esta relación de otra manera. Que podemos afirmar,
lo que se ve a través de ese Ojo. El Ojo, la mirada que
propone el director. Y a pesar que no exista ese Otro cada
personaje es uno mismo. "Ser uno mismo… eso es la vida, y
nosotros, los otros, somos ensueños de aquella." Y
Heidegger es muy claro con esto. Y esos somos nosotros, los
espectadores. Podemos estar equivocadas y somos conscientes que
esta obra puede llevar a muchas discusiones y diferentes puntos
de vista. Pero finalmente afirmando que sin duda estaremos
siempre frente a una obra de arte. Aunque no siempre habrá
un "réquiem" para un sueño.
GUADALUPE TELLADO
SOFÍA ROCATTI