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Picasso y el Cubismo




Enviado por montenegroivana




    1.
    Introducción

    2. Desarrollo
    3. El Cubismo
    4. Cubismo
    Analítico

    5. Cubismo
    Sintético

    6. Proceso de
    Formación

    7. Desarrollos del
    Cubismo

    8. Análisis del
    Guernica

    9. Análisis de Las
    Señoritas de Avignon

    10. Conclusión
    11. Algunas
    Imágenes

    12.
    Bibliografía

    1.
    Introducción

    Pablo Ruiz Picasso es el
    gran genio de la pintura
    contemporánea. Creador del cubismo junto
    a Braque, su capacidad de invención y de
    creación le sitúan en la cima de la pintura
    mundial.

    2.
    Desarrollo

    1881
    Pablo Ruiz Picasso nace en Málaga el 25 de octubre. Es
    hijo primogénito de José Ruiz Picasso, vasco de
    nacimiento, pintor, profesor de la Escuela de Bellas
    Artes de Málaga y conservador del Museo Municipal. Su
    madre, de origen italiano por línea paterna, se llamaba
    María Picasso López.

    1891
    José Ruiz Picasso es nombrado profesor de la Escuela de
    Bellas Artes de La Coruña, donde se trasladan a vivir en
    septiembre. Con diez años Picasso ingresa en el instituto
    de Enseñanza Media de La Guarda e inicia su
    formación pictórica revelando una gran
    capacidad.

    1895
    Se trasladan a Barcelona cuando su padre obtiene una
    cátedra en la Escuela de Bellas Artes de La Lonja. En esa
    misma escuela se matricula Picasso con catorce años, a
    pesar de que se exigían veinte años para poder
    ingresar.

    1896
    En abril participa en la Exposición
    Municipal de Barcelona con la obra "Primera comunión". Un
    año más tarde envía a la Exposición
    Nacional de Bellas Artes de Madrid la obra "Ciencia y
    caridad", con la que obtiene una mención
    honorífica. Ese mismo año ingresa en la Real
    Academia de San Fernando de Madrid, pero a final de curso cae
    enfermo de escarlatina y tiene que regresar a
    Barcelona.

    1899
    De nuevo en Barcelona suele parar en el café
    "Els Quatre Gats", lugar frecuentado por numerosos intelectuales.
    Poco después, en febrero de 1900, expone en dicho
    café una serie de retratos de artistas y amigos en la
    línea de Ramón
    Casas. En octubre realiza su primer viaje a París, donde
    conoce al marchante catalán Manach, que le ofrece una suma
    mensual a cambio de un
    cierto número de obras, es su primer contrato.
    Allí pinta obras tales como "Autorretrato" o "le Moulin de
    la Galette". En diciembre vuelve a Barcelona.

    1901
    Se traslada a Madrid donde funda y dirige la revista
    Arte joven junto a Francisco de A. Soler. En octubre
    conoce a Jaime Sabartés, que le acompañará
    como amigo y secretario toda la vida. Con el retrato de su amigo
    inicia la Epoca Azul, durante la cual en sus cuadros predomina
    este color en sus
    matices densos y mates. Su amargura se refleja principalmente en
    mujeres en actitudes de
    miseria y desamparo. En esa época pinta "Niña con
    paloma" y "Niña Sentada". En enero de¡ año
    siguiente rompe con Manach y regresa a Barcelona. Pinta "Madre
    con niña" y "Mendiga acurrucada". En octubre realiza su
    tercer viaje a París donde conoce a Max Jacob.

    1903
    Inicia los estudios para "la vida", tela fundamental de la
    Epoca Azul. Pinta "La Celestina".

    1904
    Fija su residencia en París definitivamente,
    instalándose en un barracón de aspecto miserable,
    que ofrece alojamiento a verduleros, actores, literatos y
    lavanderas, en Montmartre, y que Max Jacob bautizó con el
    famoso nombre de Bateau-Lavoir. Se relaciona con artistas
    catalanes tales cómo Canais, Pitxot, Manolo y los poetas
    Salmon y Apollinare. En otoño conoce a Fernanda Oliver,
    que se convertirá hasta 191 1 en su compañera.
    Realiza su primer gran grabado "la comida frugal".

    1905
    Entabla amistad con los
    prestigiosos coleccionistas estadounidenses Levy y Gertrude
    Stein, en cuya casa conoce a Matisse, quien junto a Georges
    Braque y Juan Gris suelen frecuentar el taller de Picasso. A
    finales de febrero expone en la Galería Serrurier un
    trabajo formado por un álbum de dibujos,
    veintiocho cuadros y seis aguafuertes de la colección
    titulada "Los volatineros". Entre ese año y el siguiente
    se desarrolla la Epoca Rosa, llamada de ese modo debido a que los
    ternas, escenas circenses (payasos, saltimbanquis y arlequines),
    son tratados
    preferentemente a base de tonalidades grises y rosas. Este
    periodo representa una importante evolución hacia un cromatismo más
    brillante y luminoso; desaparece la desolación y la
    angustia, el estilo se vuelve más sobrio. Las obras "Madre
    e hijo" (1905) y "La cabeza" (1906) reflejan ya su personalidad
    madura.

    1906
    Vollard compra la totalidad de las obras de Picasso de esa
    época por 2.000 francos. Así el pintor puede
    realizar su sueño de regresar a España por
    unos meses, en el viaje le acompaña Fernanda
    Oliver.

    1907
    En torno a ese
    año se desarrolla la llamada Epoca Negra, a la que
    se bautizó como tal por el protagonismo que cobraron una
    serie de manifestaciones culturales, desconocidas hasta entonces
    en Europa y
    procedentes fundamentalmente del África Negra. Estas
    influencias junto con otras románticas e ibéricas
    dan lugar al nacimiento de la obra "Les demoiselles d'Avignon"
    que supondrá el punto de partida de¡ Cubismo. Cuando
    Picasso se lanza a esta aventura es ya un pintor renombrado,
    autor de más de doscientos óleos, acuarelas,
    gouaches, pasteles, esculturas, grabados en madera y
    aguafuertes. Aunque se trata de una obra increíblemente
    polifacético para un hombre tan
    joven, Picasso decide abandonar lo que ha sido su forma de sentir
    para afrontar los problemas de
    la representación espacial de las formas.

    A pesar de los consejos de sus amigos para que retome su
    estilo anterior, incluso sus marchantes le abandonan, Picasso
    emprende el camino hacia el estilo que representará un
    hito en el arte
    moderno.

    La importante exposición de Cezanne de 1907
    resulta decisiva para Picasso. Cezanne reduce los objetos a
    volúmenes primarios, pero generalmente curvos (conos,
    cilindros … ), mientras Picasso y Braque, unidos ya por una
    profunda amistad, prefieren los de aristas completamente
    rectilíneas: cubos, pirámides…

    1909
    Picasso viaja a España en mayo y pasa el verano en Horta
    de Ebro, donde pinta paisajes y retratos en los que se perfila el
    inicio del Cubismo Analítico. Se trata de llevar a
    cabo un análisis exhaustivo del motivo
    representado, descomponiéndolo en tantos planos como
    puntos de vista posea. En otoño modela una cabeza de
    Fernanda que está considerada con la primera escultura
    cubista.

    1910
    Pinta los retratos cubistas de Uhde, Vollard y Kahnweiler. Se
    encuentra en plena Fase Hermética del cubismo ante
    el peligro de perder totalmente el contacto con la realidad a la
    que esta corriente artística se declara anclada. Gracias a
    Braque consigue superar el "impasse" y encontrar una
    ligazón con la objetividad.

    1911
    Conoce a Marcell Humbert con la que pronto inicia una nueva vida;
    juntos se trasladan a la casa del bulevar Rapasil. Picasso
    participa en exposiciones colectivas en Berlín, Arnsterdam
    y Nueva York.

    1912
    Entre ese año y el siguiente Braque y Picasso desarrollan
    el Cubismo Sintético, que supone abandonar el
    análisis del objeto para captar su fisonomía
    esencial incorporando elementos reales. En estos cuadros,
    conocidos como papiers collés, pega trozos de
    papeles pintados, periódicos, cordones, etc.. Busca
    también nuevos caminos en la escultura, como en la obra
    "La Guitarra", que representa una ruptura con el pasado. Su
    único temor en su experimentación es el
    estancamiento.

    1914
    A los treinta y tres años es ya un pintor famoso y muy
    bien retribuido. Su obra "Los saltimbanquis" se compra en 11.550
    francos en una subasta parisina en el Hotel Drouot. El 2 de
    agosto estalla la Primera Guerra
    Mundial. Acaba de morir Marcelle Humbert y la guerra
    disuelve el grupo de los
    fundadores del cubismo. Picasso se aleja de la guerra
    refugiándose en una pequeña villa en la calle
    Victor Hugo, vive sólo, acompañado en algunas
    ocasiones por el escultor también español
    Gargallo.

    1917
    Jean Cocteau le presenta al director de los Ballets Rusos Sergio
    Diaghilev, quien le propone realizar los decorados y figurines de
    la obra "Parade" cuya música ha compuesto
    Eric Satie. Cuando se estrena la obra en París, el
    público expresa ruidosamente su indignación por el
    ballet, pero aplaude el decorado de formas cubistas
    móviles. Durante esta etapa Picasso conoce a Olga
    Chochlova, bailarina del ballet ruso. Olga abandona la
    compañía para irse a vivir con el pintor. juntos se
    trasladan a Madrid y luego a Barcelona. Un año más
    tarde contraen matrimonio.

    1919
    Picasso viaja junto a Olga a Londres para trabajar en el
    vestuario y los decorados de un ballet, también de
    Diaghilev, basado en la obra "El sombrero de tres picos" de
    Falla. En ese año comienza una nueva etapa caracterizada
    por una doble fórmula interpretativa. Por una parte
    desarrolla formas escultóricas e imágenes
    de una grandiosidad que ha sido definida como neoclásica;
    de este estilo son las obras "Las bañistas", "Mujeres
    sentadas" o "Mujeres en la fuente". Por otra parte desarrolla un
    cubismo de múltiples maneras.

    1921
    Nace su primer hijo, Paulo. Este acontecimiento dará lugar
    a una etapa romántica en la que predominan las
    maternidades y temas infantiles. En 1923 conoce a Andre
    Bretón, de quién hace un retrato. Durante esos
    años realiza nuevos trabajos para el teatro.

    1925
    Participa en la primera exposición de pintores
    surrealistas en la Galería Pierre, en París,
    obteniendo un gran éxito.
    Se publica en la revista "La Revolution Surrealiste" varias obras
    de Picasso, entre ellas y por primera vez en Europa "Les
    demoiselles d'Avignon".

    1927
    Conoce a Marie-Thérese Walter, que se convierte en su
    modelo y
    amante.

    1928
    Se inicia en la escultura con metal en el taller de Julio
    González.

    1930
    En febrero pinta, inspirándose en Grünewald, una
    "Crucifixión" en la que se anticipan aspectos de¡
    "Guernica". Recibe el premio de la Fundación Carnegie, que
    le permite comprar el Palacete de Boisgeloup. Es en ese
    año cuando las figuras femeninas distorsionadas y
    fantásticas culminan en una gran tela surrealista
    "Bañista sentada". El año siguiente se realizan
    exposiciones importantes de su obra en Londres, París y
    Nueva York. Mientras tanto se dedica casi exclusivamente a la
    escultura.

    1932
    Se celebra en junio en la Galería Georges Petit una
    exposición retrospectiva formada por 236 piezas. Un
    año más tarde realiza la portada de¡ primer
    número de "Minotaure", publicación surrealista que
    incluye un artículo de Bretón sobre
    Picasso.

    1934
    Junto con Olga y Paulo realiza un viaje por toda España.
    En 1935 su amante, Marie-Thérese Walter le da una hija
    Maya, siendo este el principal motivo por el que se separa de
    Olga. Ese año realiza la serie de grabados "La
    Minotauromaquia" y la obra "La musa".

    1936
    Estalla la Guerra Civil española. Picasso toma partido por
    la República que le nombra director del Museo del Prado,
    cargo que no llega a desempeñar. Desde agosto de ese
    año vive con Dora Maar. Cuando el 29 de abril de 1937
    llega a París la noticia de que la pequeña ciudad
    de Guernica ha sido bombardeada en pleno día, con las
    calles llenas de gente, Picasso encolerizado ya sabe cuál
    será el tema de la obra que la República
    española le ha encargado que pinte para la
    Exposición Universal de París de ese año.
    Picasso realiza el "Guernica", una de sus obras más
    grandiosas.

    1939
    Con el eco del "Guernica" aún vivo estalla la Segunda Guerra
    Mundial; Picasso y Dora Maar que estaban viviendo en Antibes
    se trasladan a París. Dos años más tarde
    escribe una pieza teatral "Le désir attrapé par la
    queue". En 1942 muere Julio González; Picasso pinta una
    serie de naturalezas muertas que describe como "la muerte de
    julio González".

    1943
    Conoce a la joven pintora Françoise Gilot que será
    su compañera durante casi diez años. Un año
    después, en octubre, se afilia al partido comunista
    francés.

    1945
    Se entrega con entusiasmo a una nueva técnica, la
    litografía, llegando a pintar en tres años casi
    doscientas obras.

    1946
    Se inaugura en junio, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York,
    la exposición "Picasso. Fifty Years of his Art", con este
    motivo Alfred H. Barr Jr. realiza un catálogo que se
    convierte en pieza fundamental de la bibliografía del
    artista.

    1947
    Nace Claude, fruto de su relación con Françoise
    Gilot. Los tres se trasladan a vivir a Vallauris. En esa
    pequeña ciudad, cerca del Mediterráneo, Picasso
    desarrolla un nuevo capítulo artístico: la cerámica. En sólo un año
    elabora seiscientos objetos diferentes: figuras, platos, jarros,
    azulejos…

    1948
    El Gobierno
    francés le concede la "Medalla de Reconocimiento
    francés" en su categoría de plata. En agosto
    participa en Wroclaw (Polonia), en el Congreso de los
    Intelectuales para la Paz.

    1949
    Nace su hija Paloma y la maternidad vuelve a ser un tema habitual
    en sus obras. Louis Aragón elige para el cartel del
    Congreso de la Paz, que se celebra el mes de abril en
    París, la litografía "La Paloma" de Picasso,
    símbolo de la suprema esperanza de los pueblos. Un
    año más tarde recibe el Premio Lenin de la
    Paz.

    1951
    En enero se presenta en el Salón de Mayo la obra "La
    Matanza de Corea", el artista no es muy bien acogido, ni si
    quiera por el partido comunista, que sin embargo le hace un
    homenaje en febrero de ese año. Picasso sigue trabajando
    la escultura. En abril del año siguiente realiza los
    dibujos preparatorios para la de capilla de Vallauris, que
    versará sobre dos grandes temas: la guerra y la paz. Ese
    mismo año muere su amigo Paul Eluard.

    1953
    El pintor empieza una larga serie de dibujos sobre el tema "El
    pintor y la modelo" que poco después pasará a la
    pintura y el grabado.

    1954
    Mueren Matisse y Derain. Ese mismo año aparece en la obra
    de Picasso Jaqueline Roque, que pronto se convertirá en su
    nueva compañera.

    1955
    Abandona su villa de Vallauris y se traslada a un enorme
    caserón de piedra situado en

    Cannes y que llama "La Californie". Olga Chochiova ha
    muerto y Jaqueline es la inspiradora de numerosas obras que
    Picasso realiza con la misma intensidad con la que retrató
    a sus otras compañeras. En ese mismo año inicia una
    etapa definida como período de encuentro con los
    clásicos,
    en la que consagra grandes series a obras
    maestras de artistas de la talla de Velázquez, Manet o
    Delacroix, para volver luego a un tema muy distinto: la
    tauromaquia.

    1956
    En octubre tiene lugar la primera exposición de Picasso en
    la Sala Joan Gaspar de Barcelona.

    Un año después realiza un conjunto de
    aguatintas destinadas a ilustrar la "Tauromaquia. Arte de
    Torear", de José Delgado.

    1958
    Tiene lugar la presentación oficial de la
    decoración que Picasso ha realizado para la UNESCO. "La
    caída de Icaro". Poco después Gustavo Gili publica
    en Barcelona la "Tauromaquia" con grabados de Picasso.

    1960
    Se traslada a Nótre-Dame-de-Vie, en Mougins, donde
    transcurrirán los últimos años de su vida.
    Expone en las principales capitales del mundo. En octubre
    empiezan los trabajos para la decoración del Colegio de
    Arquitectos de Barcelona, se utilizará un técnica
    de grabado sobre hormigón desarrollada por el escultor
    noruego Carl Nesjar. En 1961 se casa con Jaqueline
    Roque.

    1963
    En marzo se inaugura el Museo Picasso de Barcelona, instalado en
    el Palacio Aguilar de la calle Montcada. En este Museo se
    reúne la colección donada por Jaime
    Sabartés, impulsor del proyecto, y las
    obras ya existentes en el Museo de Arte Moderno, así como
    donaciones de coleccionistas catalanes.

    1966
    Se realizan numerosas exposiciones sobre su obra con motivo de su
    85 cumpleaños. En noviembre se inaugura en París
    una importante muestra
    retrospectiva organizada por Jean Leymarie que ocupa el Gran
    Palais con pinturas y el Petit Palais con dibujos y
    esculturas.

    1968
    Muere Jaime Sabartés. En su memoria Picasso
    dona al Museo Picasso de Barcelona la serie "las Meninas", lienzo
    que admiró toda su vida. Un año después
    Gustavo Gili edita en Barcelona "El entierro del Conde de Orgaz"
    con texto y
    grabados de Picasso.

    1970
    De mayo a octubre se presenta en el Palacio de los Papas de
    Avignon una gran exposición de Picasso con 165 lienzos y
    46 dibujos. Son cedidas al Museo Picasso la obras que tiene su
    familia en
    Barcelona.

    1971
    Francia le
    rinde un homenaje nacional en su 90 cumpleaños, mientras
    tanto Picasso sigue trabajando incansablemente en sus series de
    grabados.

    1973
    El 8 de abril muere en su casa de Notré-Dame-de-Vie. Aquel
    año estaba trabajando en una serie inspirada en la "Ronda
    de noche" de Rembrandt.

    3. El Cubismo

    Se inicia con la obra "las señoritas de Avignon"
    de Pablo Picasso.
    Los autores de esta corriente son austeros con el color; utilizan
    colores neutros,
    grises, marrones.
    Los dos autores principales de esta corriente son Picasso y
    Braque.
    Se renuncia a la perspectiva tradicional, a los colores reales, a
    ver las figuras desde el punto de vista único. Temas menos
    importantes que el tratamiento. Buscan figuras cotidianas: tren,
    automóvil. Se exalta el plano, se rescatan escenas
    interiores. Pintura figurativa que "destroza" las formas. Se crea
    al gusto del pinto, rompe con los tabúes del arte
    occidental, no se pinta con normas. El pintor
    más famoso es Picasso que pinta en 1907 "las
    señoritas de Avignon", en la que se elimina la profundidad
    y es una representación dimensional => Cubismo Puro.
    Dentro del cubismo podemos distinguir dos fases: el cubismo
    analítico y el cubismo sintético.

    4. Cubismo
    analítico

    hace irreconocibles a las figuras.
    Braque, "el portugués", superpone planos
    geométricos, colores oscuros.
    Después se hacen cuadros con recortes periodísticos
    => Colas

    5. Cubismo
    sintético

    Planos más amplios, representa al objeto, con
    imágenes únicas.
    "De un cilindro hago una botella", decía el pintor
    español Juan Gris, quien, junto con otro compatriota,
    Pablo Picasso, y un francés, Georges Braque, fue uno de
    los exponentes más destacados del cubismo, movimiento
    artístico del primer cuarto del siglo XX que, con su
    descomposición de la figura y su renuncia a la perspectiva
    tradicional, revolucionó al mundo de la pintura.
    El nombre del cubismo fue acuñado por primera vez por el
    crítico de arte francés Louis Vauxcelles al
    referirse a los paisajes de Breque expuestos en la galería
    parisiense Kahnweiler en 1908.

    6. Proceso de
    formación

    Se ha situado el origen de este movimiento en dos
    fuentes muy
    distintas: de una parte, el impacto que causó en
    círculos artísticos de París la escultura
    primitiva africana – y, en opinión de muchos
    críticos, la ibérica – , de otra , la influencia
    del pintor francés Paul Cezanne y su tendencia a reducir
    los volúmenes de los objetos reales a elementos esenciales
    como el cilindro, el cubo y la esfera. Hay que añadir a
    estos antecedentes la reacción contra el fauvismo,
    tendencia pictórica en la que el estallido del color era
    uno de los aspectos más sobresalientes. Los creadores que
    iniciaron las experimentaciones cubistas fueron Picasso y
    Braque.
    El primer cuadro cubista, pintado por Picasso en 1907, fue "Las
    señoritas de Avignon". Las figuras femeninas representadas
    en este lienzo están singularmente tratadas. Son formas
    planas, cuyas siluetas aparecen como fracturadas, y los trazos
    que las delimitan son siempre rectilíneos y angulares. Al
    mismo tiempo se acomete
    el intento de representar, al mismo tiempo, un rostro humano de
    frente y de perfil.
    Simultáneamente a las investigaciones
    desarrolladas por Picasso, Braque había realizado una
    serie de paisajes de l'Estaque, caracterizados por la escasez de
    colorido y un volumen facetado,
    a base de planos inclinados, que se presentaron en París
    en la exposición que dio origen al nombre de cubismo.
    El estilo cubista reclamó una pintura plana,
    bidimensional, opuesta a las técnicas
    tradicionales de la perspectiva y el claroscuro. Rechazó,
    asimismo la antigua teoría,
    mantenida y seguida durante siglos, de que el arte era una
    imitación de la naturaleza.
    Quizás por esto, aunque inicialmente los pintores cubistas
    tomaron como modelos los
    temas de la naturaleza y representaron rostros y figuras humanas,
    pronto centraron su temática en naturalezas muertas.
    Éstas eran composiciones formadas con objetos usuales,
    agrupados casi siempre sobre una mesa, que carecían de
    profundidad, y en los que todos los elementos ocupaban el primer
    plano, gracias a una descomposición en facetas.
    Desde los primeros años se estableció una estrecha
    relación entre Picasso y Braque, que permitió pasar
    al cubismo de una fase previa de experimentación a otra
    mas madura, entre los años 1910 y 1912. En los inicios de
    este movimiento tuvo también gran importancia el marchante
    Daniel Kahnweiler, cuya galería se convirtió en el
    centro de difusión del cubismo. Por otra parte, la
    teoría acerca del movimiento cubista iba tomando forma en
    las reuniones en el edificio Bateau-Lavoir, donde vivían
    Picasso, Juan Gris – Sinónimo de José Victoriano
    González – y el escritor francés Max Jacob.
    Asistentes asiduos a las reuniones del grupo eran también
    el francés Henri Matisse y Diego Rivera, que sería
    uno de los principales pintores muralistas mexicanos, así
    como los escritores franceses Jean Cocteau y Guillaume
    Apollinaire. Fue precisamente ese último quien en mayor
    medida contribuyó, con textos como el de Les Peintres
    cubistes, publicado en 1913, a elaborar la estética sustentadora del movimiento
    cubista.

    7. Desarrollos del
    cubismo

    Además de los dos grandes maestros mencionados
    hubo otra serie de artistas que realizaron un cubismo cercano al
    de Picasso o Braque, pero con toques personales, como Juan Gris y
    los pintores franceses Fernand Léger, Albert Gleizes y
    Jean Metzinger.
    Cuando esta estética se difundió por toda Europa
    aparecieron una serie de grupos o
    tendencias con sus propias características: el cubismo órfico,
    del francés Robert Delaunay, que daba una gran importancia
    al color y empleaba elementos compositivos inventados por el
    artista, el grupo de Puteaux, con el también
    francés Marcel Duchamp, que aportó un cubismo
    dinámico y muy intelectual, el neoplasticismo del
    holandés Piet Mondrian, el suprematismo ruso de Kazimir
    Maliévich, el constructivismo
    escultóricos de su compatriota Vladimir Tatlin, y el
    purismo, estética racional y geométrica impulsada
    por los franceses Amadeé Ozenfant y Charles Édouard
    Jeanneret. Este último, de origen suizo y llamado Le
    Corbusier, aplicó luego sus principios a la
    arquitectura.
    Se puede decir que, con la guerra de 1914, el cubismo, que
    había tenido una vida intensa desde 1907, se
    desintegró como vanguardia
    artística, aunque su influencia fue enorme a lo largo del
    siglo XX. De hecho, la mayor parte de los pintores citados
    ejercieron un decisivo impulso en el desarrollo de
    la abstracción geométrica.

    8. Análisis del
    Guernica

    Ninguna obra de arte surge aislada, al margen del tiempo
    y el momento que la vio crecer, el Guernica quizás, menos
    que ninguna otra. Pintada para el Pabellón de
    España en la Exposición Internacional celebrada en
    París en 1937, pabellón montado con carácter
    propagandístico por parte de la República
    Española y que iba a atraer a una gran cantidad de
    visitantes, visitantes que iban a una Exposición y que
    pasaban delante de un mural que parecía un gran cartel,
    nada que ver con el visitante que hoy en día se dirige a
    un museo y ve la obra. Este es un elemento a tener en cuenta
    cuando vemos el cuadro.

    Este cuadro fue creado para la colectividad, para que lo
    contemplase un gran número de personas, de ahí su
    tamaño y la reducción a la gama del blanco al
    negro. Es un cuadro que busca producir un efecto sobre muchas
    personas, personas de todo tipo. La obra lo consigue, es un
    cuadro ante el que nadie se queda indiferente, ante el que se
    opina por ello ha pasado a ser una obra fundamental del arte de
    nuestro siglo, pero fue un cuadro creado como cartel
    publiciatiario para poner de manifiesto la injusticia y la
    barbarie del bombardeo de Guernica el 26 de abril de 1937 a las
    cinco menos veinte de la tarde. Guernica, una población vizcaina de 7000 habitantes a 30
    km. de Bilbao, patria de las libertades vascas, pues ante su
    famoso roble los monarcas españoles y sus representantes
    juraban los fueros vascos. Los motivos del bombardeo fueron de
    índole ejemplarizante y experimental, se utilizaron
    bombas
    incendiarias y poderosos explosivos, sólo quedaron
    indemenes el 10 por ciento de los edificios y el número de
    muertos nunca se calculó.

    Un factor a tener en cuenta, sobre todo a raíz de
    la polémica que este cuadro está alcanzando es que
    el cuadro fue encargado a Picasso antes de que se produjera el
    bombardeo, fue encargado por la II República con ese
    afán propagandístico antes aludido, para manifestar
    la oposición al alzamiento nacional y a la guerra que
    éste había provocado, aunque también es
    cierto que Picasso no empezo a pintar hasta que se produjo el
    bombardeo, y lo hizo de forma ferviente y casi acelerada y en el
    plazo de un mes termino la obra, por eso hay que ampliar el
    significado y la lectura de
    esta obra que no reivindica la crueldad de una masacre concreta
    sino que se convierte en un alegato contra la crueldad y la
    injusticia de la guerra y contra la barbarie propia del fascismo y el
    nacional-socialmismo que más adelante iba a azotar toda
    Europa.

    La elaboración del cuadro comienza el 1 de mayo
    de 1937. Desde los primeros bocetos aparecen todas las figuras de
    la obra final: el toro, la mujer con la
    luz, el
    guerrero en el suelo, el
    caballo. El 8 de mayo introduce a la madre con el niño, y
    el caballo muerto que cae sobre el guerrero. El 11 de mayo
    empieza a pintar sobre el lienzo definitivo hasta el 4 de
    junio.

    9. Análisis de Las
    Señoritas de Avignon

    El tema del cuadro ha sido fruto de diferentes
    interpretaciones, dichas interpretaciones están en
    relación con los dibujos preparatorios del cuadro. El
    cambio principal entre estos bocetos y el cuadro final es que en
    los dibujos aparecen unas figuras masculinas: un marinero y un
    estudiante de medicina, figuras
    identificadas por detalles que aprecen o desaparecen según
    el dibujo de que
    se trate. Siguiendo los dibujos se hace más factible la
    interpretación de que es una escena que transcurre en un
    prostíbulo, sobre todo al estar tan cercana a una obra
    como El harén. En el cuadro no aparecen esas
    figuras masculinas y con ello el efecto que se consigue es que el
    espectador en lugar de contemplar una habitación con unas
    prostitutas, pase a ser mirado por ellas, ellas son las que le
    interrogan, son quienes le solicitan un posicionamiento.

    Este es uno de los rasgos fundamentales del arte del
    siglo XX, el espectador nunca más contempla una obra por
    la mera contemplación de la misma, tendrá que tomar
    partido, para terminar la imagen, para
    opinar sobre la imagen, para participar en la creación de
    la imagen que llegara a convertirse en una
    instalación.

    En el cuadro priman dos aspectos: el primitivismo y la
    disgregación espacial

    El primitivismo se ve en el rostro de estas mujeres y en
    el uso de la combinación de El primitivismo de los rostros
    tiene una doble vertiente: las dos figuras de la derecha muestran
    una relación más clara con la escultura negra,
    sobre todo de corte oceánico, mientras que las dos
    centrales y la de la

    • izquierda nos llevan a la estatuaria ibérica.
      El interés
      de Picasso en este tipo de arte radica en el sentido
      totémico y las formas simplificadas. Picasso traduce una
      aproximación romántica hacia estas obras pues no
      se queda en los rasgos estilístico, hay un elemento de
      expresividad, en el fondo estos rostros tienen algo de
      máscaras y como tal pasan a ser objeto de culto, parte
      de un rito. Para Picasso el arte primitivo es algo emocional,
      por eso traspasa los límites
      de la forma, estas máscaras nos producen una
      sensación de miedo, excitan el sentimiento y es el
      aspecto que a Picasso le interesa destacar en este cuadro. En
      este primitivismo estaría recogiendo lo que de misterio
      y salvaje encontramos en el arte oceánico. colores:
      ocre-rosado y azul claro.

    En cuanto al color, es el color que se usa para pintar
    las máscaras oceánicas, es decir, aquellas
    máscaras de las colonias oceánicas francesas donde
    el juego de los
    rosas y blanco apastelados son muy frecuentes. Para lograr
    plasmar la textura de máscaras en estos rostros, Picasso
    va a introducir un nuevo elemento: la respiración en blanco, deja una zona en
    blanco, un límite entre dos colores sin pintar, de forma
    que se ve el lienzo, pasando a convertirse el lienzo en elmento
    plástico
    en si mismo. Esta herramienta le permite así introducir la
    sensación de profundidad utilizando el cuadro.

    • La disgregación espacial va a traer como
      consecuencia que el cuadro deje de ser la narración de
      una historia y
      pase a ser la construcción de objetos que se ofrecen a
      nosotros. La unidad del cuadro tiene que venir dada por el
      espectador, es nuestra mirada la que los reune y la que le da
      sentido. Picasso introduce diferentes puntos de vista en
      atención a una composición
      autónoma respecto de la percepción naturalista: la figura en
      cuclillas con el rostro completamente de espalda y dada la
      vuelta es una postura anatómicamente imposible, la
      segunda figura de la izquierda, está tumbada y a la vez
      se la ha levantado.

    10.
    Conclusión

    Pablo Picasso es considerado uno de los artistas
    más importantes del siglo XX. Polifacético,
    inventor de formas, innovador de técnicas y estilos,
    artista gráfico y escultor, creó más de
    20.000 obras.
    Falleció en Mougins en 1973, cuando preparaba dos
    exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el
    final.

    11. Algunas
    Imágenes

    El Arlequín Azul (1964).Técnica de
    crayón y pastel/papel.(65x24cm)

     

    El Guernica (1937).Técnica de óleo sobre
    lienzo.(349x777cm)

    Las Señoritas de Avignon (1907).Técnica de
    óleo sobre tela.(243.9×223.7cm)

    12.
    Bibliografía

    • http://www.publispain.com/pablopicasso/biografia.htm
    • http://www.arsliber.com/artistas/Picasso/bio.htm
    • http://www.artehistoria.com/genios/pintores/2990.htm
    • TASCHEN, BENEDIKT: "Picasso",Germany,
      1992.

     

     

    Autor:

    Ivana Montenegro

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