- El Ciudadano
Kane - El Hombre de la
Cámara - El acorazado de
Potemkin - Control: la fiebre del oro.
Chaplin 1898 - Nanuk, el
esquimal
El demonio y sus emisarios han decido dar fin a las
tradicionales calaveritas de "día de muertos" para
introducir unas llamativas y novedosas calabazas de plástico,
desafortunadamente su plan fue
descubierto por un niño, el mismo que armado de valor a lado
de su padre (un fabricante de dulces típicos mexicanos) se
lanza a la aventura de boicotear el maléfico plan, para
conseguirlo tienen que llegar a Calacán( la capital de la
tradición de día de muertos) y alertar a todos los
habitantes quienes en su mayoría ya habían sido
seducidos por las calabazas plastificadas a excepción de
Felipe y su familia que
descubrieron a tiempo a los
bibrones en acción fabricando en serie las calabazas
sintéticas.
Durante la presidencia de Miguel de la Madrid en 1984 y
aprovechando los intentos de este por "rescatar" al cine mexicano,
el director mexicano Luis Kelly Ramírez
participa con Calacán en el Tercer Concurso de Cine
Experimental sin lograr colocarla dentro de los primeros lugares,
a pesar de ello, un año después la cinta fue
proyectada por primera ves en la principales salas de cines de la
Ciudad de México
obteniendo permanencia en sólo una de ellas.
Manejo de perspectivas, juego de
ángulos, personajes "caricaturizados", la
manipulación de objetos inanimados ,una muy buena
continuidad y el aprovechamiento de iluminación natural fueron tan sólo
algunos de los recursos
utilizados a lo largo de esta película, en la que se
proyecta claramente el esfuerzo (en ciertas ocasiones en vano)
por mostrar excelentes efectos especiales.
Uno de los factores en los que se puso gran
énfasis dentro de la película fue el florklore
mexicano, desde los colores, el
vestuario de los actores, la música (que en muy
contadas ocasiones se pudo descifrar su contenido) las
escenografías, los nombres, y el papel social
que cada personaje representaba dentro de la historia (tal el es caso de
las comadres chismosas de Calacán), y la actividad de los
compradores regateando con los vendedores en los pasillos del
mercado. En
algunos momentos se descuidaron los efectos especiales que
hacían mover a los esqueletos de los animales
mostrando claramente los hilos que tiraban de estos, de la misma
forma, las marionetas que se utilizaron dando vida a personajes
no lograron dar ese toque de magia que convierte lo más
ilógico en realidad, la notable mala calidad y la
pésima manipulación de estos le dieron un sabor
amargo a una cinta que defiende el dulce sabor de la
tradición mexicana.
Los personajes de Cuca y Pancho, protagonizados por un
hombre y una
mujer
respectivamente dieron el toque mágico que convierte a una
buena película en un producto
elaborado con bajo presupuesto, tal
parecía ser que no se contó con recursos
suficientes para contratar a una actriz y en su lugar se
colocó a un buen travesti que luchó incesantemente
por sacar una dulce voz en cada escena, jugando con lo
absurdo.
Siguiendo con el típico estereotipo de los
achichincles del jefe malvado, imponente y sometedor, los
hombrecillos verdes: Max y Ment desbordaban estupidez en todas y
cada una de sus intervenciones, lejos de ser unos emisarios
demoníacos que provocan miedo y terror, resultan unos
tontos predecibles que difícilmente provocan
risa.
Un aspecto importante y muy defendible dentro de la
cinta es su contenido ideológico: la lucha entre las
tradiciones de nuestra cultura
mexicana y las tradiciones extranjeras (estadounidenses), una
metáfora de la eterna lucha entre el bien y el mal, en la
que finalmente el bien (nuestras tradiciones) aplasta y
obstaculiza al mal (el consumismo estadounidense). La forma en la
que las calabazas plásticas comienzan a apoderarse de
nuestra cultura es
clara y bien proyectada en este filme: la producción en serie, más los bajos
precios, y el
sentido de "novedad" que caracterizan a estos productos
extranjeros resultan el gancho más efectivo para asegurar
su consumo aunque
este necesariamente tenga que barrer (para luego ocupar su lugar)
con los productos que
por tradición se laboran como obras de arte y resultado
de creencias, costumbres y leyendas
propias de nuestra cultura, nuestra raza, nuestro pueblo. Resulta
una propuesta muy interesante y con excelente visión a
futuro la cual le ha permitido mantener vigencia después
de 18 años, interesante sería también que
esta cinta fuera expuesta en escuelas de formación
primaria, para despertar en los pequeños un juicio
crítico que nos ayude a reforzar nuestra identidad como
mexicanos, y no renunciar a ella limitándola sólo a
programas de
"menciones" a las tradiciones mexicanas en las que se disfrazan a
los niños
de coloridos personajes, carentes de significado, que no
despiertan el orgullo ni el amor por
nuestras raíces.
Calacán.
México. 1985
Dirección: Luis Kelly Ramírez
Fotografía: Fernando Fuentes.
EL CIUDADANO KANE
Charles Foster Kane, un magnate de la prensa
estadounidense muere anciano en la soledad de su palacio
Xanadú dejando como legado su última palabra:
"Rosebud" misma que intriga a un equipo de periodistas que se han
propuesto desenmarañar la vida oculta y descubrir la
verdadera historia: aquella
jamás contada sobre el fallecido Kane; para lograrlo
reúnen los testimonios de las personas más
allegadas quienes lo recrean con distintas facetas, dejando
suelto el principal eslabón: rosebud.
Casi al finalizar la Segunda Guerra
Mundial en 1941, el director, actor y productor
estadounidense Orson Welles ocasiona una gran polémica con
su obra: ‘El ciudadano Kane’, basada en la vida del
magnate William Randolph Hearts, mismo que en incesantes intentos
trató de evitar la exhibición de la cinta
impidiendo que fuese proyectada en las principales salas del
país, no obstante, sus esfuerzos no impidieron que esta
fuese premiada y considerada como una de las mejores de su
época.
Esta interesante cinta aplica excelentemente el recurso
de la retrospectiva (flashback) fundiendo tres relatos en una
sola historia: el relato de la vida exitosa del magnate, la
narración que surge de los testimonios de los
entrevistados y el papel que como
investigador desenvuelve el periodista, el cual mediante su
trabajo enlaza las pistas dando paso a una exquisita historia que
mantiene una postura objetiva respecto al personaje principal,
del que nunca se supo gran cosa a excepto de lo que la gente
entrevistada pudo aportar, jamás se mostró la
realidad desde los ojos de Charles Foster Kane.
Otro factor predominante dentro de la cinta fueron las
construcciones arquitectónicas y la forma en que la
cámara fue adentrándose detalladamente a ellas
desde un punto exterior que traspasaba ventanas y barreras hasta
ubicarse a un punto exacto, ese efecto estuvo realmente genial al
igual que el manejo y juego de
perspectivas, a excepción de un pequeño detalle: en
algunas escenas la cámara no se mantuvo fija y resultaron
con un leve efecto de temblor que más que ocasional
parecía accidental, puesto que la escena no lo ameritaba.
El vestuario, la caracterización de los actores
(principalmente el envejecimiento de Kane) y las
escenografías estuvieron detalladamente cuidados, no fue
posible detectar en ellos alguna anomalía, pero si
reconocer un trabajo perfecto en ese aspecto.
Los primeros indicios de la disputa entre el comunismo y el
capitalismo se
asoman a través de pequeñas criticas dentro del
guión. Por otra parte, el papel determinante que juegan
los medios de
comunicación en la opinión
pública fue uno de los personajes principales algunas
veces materializado en Kane quien en cierta parte de la historia
señaló: " la gente dirá lo que yo quiera que
diga" mostrándolo como dueño de la opinión
pública (y de la vida pública también) y
otras veces en el personaje del reportero quien en el papel de
investigador trata de desmenuzar, e ir hilando la realidad sin
ningún tipo de manipulación que la información recabada.
El acceso a la opinión pública se
mostró como un arma que en las manos de un hombre con
principios
honestos (como el Robin Hood ideológico que
pretendía ser Kane al incursionar en el apasionante mundo
de la prensa)
podía estar a salvo, manteniendo una estabilidad a
través de la novedad, pero como instrumento
político podía destruir a cualquiera,
corrompiéndolo, transformándolo,
sometiéndolo.
El papel del escándalo fue otro punto clave
dentro de la historia marcando un rotundo giro en la vida de
Kane: un hombre que al perder el control sobre la
opinión pública comienza a perder su vida, comienza
a envejecer, tratando de alejarse de la realidad construye su
propio mundo lleno de objetos costosos y sirvientes; Intentando
reconstruir materialmente la realidad que un día
fue.
CITIZEN KANE. "Ciudadano Kane".
Estados Unidos. 1941.
Director y productor: Orson Welles.
Productora: RKO
Por: Iris Adriana Gastélum
Gerardo
Esta cinta muestra una serie
de escenas que retratan la cotidianeidad de la vida diaria desde
la tranquila intimidad de una habitación hasta el ajetreo
de las actividades que se realizan en la calle, pasando por
múltiples escenas que captan distintos oficios y diversas
formas de tecnología industrial
en la que los personajes principales resultan ser habitantes
comunes guardados en el anonimato de la gran ciudad.
El director Zdiga Vertov en 1929 logra plasmar en su
obra artística-documental el fenómeno del ascenso
social y económico que se vivó en la Unión
Soviética tras el éxito
de una nueva política
económica implementada en los años
20’s.
El hombre de la cámara se caracteriza por una
serie de escenas que muestran situaciones que se contraponen
entre sí de las cuales es difícil distinguir un
protagonismo, o bien se podría deducir que existe un
protagonismo compartido entre todas las escenas que se desglosan
una a una rápidamente (mostrando la tendencia del director
hacia la velocidad y la
movilidad), no existe una continuidad de tiempo ni
espacio, así mismo se puede apreciar el uso de distintos
ángulos que muestran diferentes caras de una misma
situación y a la ves distintas situaciones
contraponiéndose entre sí, provocando un mareo
mental que juega con el sentido de relación de escenas
haciendo parecer que estas carecen de sentido; un recurso sobre
explotado en esta cinta es la utilización del montaje que
por momentos convirtió a esta denominada obra de arte en un tedio
de la misma manera en que la volvió una creación
sorprendente, casi tan mágica como los efectos de
Melíes. Vertov convierte el lente de la cámara en
ojo humano, captando todo a gran velocidad tal
como lo hace el ojo, mostrando fragmentos de situaciones que a
simple vista carecen de lógica
de la misma forma que lo hacen nuestros ojos, nuestros ojos
captan, nuestra mente relaciona, enlaza y eso mismo fue lo que
Vertov logró con su obra: captar la realidad a su
velocidad real. Resaltando los beneficios que la nueva política
económica traía consigo: empleos, tecnología, modernidad,
lugares de esparcimiento, atención medica oportuna, tranquilidad y
movimiento.
Por último, esta cinta es un claro ejemplo de el
poder que
puede tomar el lente de una cámara: mostrarnos mundos
reales e irreales tan similares que incluso a veces es
difícil distinguirlos.
"El Hombre de
la Cámara". 1929. Unión Soviética. Dziga
Vertov.
Esta cinta describe la insurrección de unos
marinos del barco llamado ‘príncipe Potemkin de
Taúrida’ al negarse a comer carne podrida y unir
fuerzas en contra de los almirantes de alto mando quienes usando
violencia
tratan inútilmente de retomar el control de la
nave, desatando así una revolución
cuyo motivo navego hasta el puerto más cercano: Odesa
provocando la indignación y el levantamiento de sus
habitantes lo que conllevó a un sofocamiento violento por
parte de los militares.
El director ruso Serguei M. Eisenstei logra en 1925
conmemorar a través de esta cinta el vigésimo
aniversario de la revolución
fallida de 1905 la cual fue reprimida violentamente ante las
órdenes del zar Nicolás II provocando fuertes
tensiones entre el zar y su pueblo que años más
tarde serían el motor impulsor a
la gran revolución
rusa de 1917 que derrocó al gobierno zarista
y dio surgimiento a la Rusa comunista de Lenin.
Resaltando las hazañas heroicas de un pueblo que
une sus fuerzas en contra de la tiranía, Eisenstein hace
de una cinta propagandística toda una obra de arte que
marcó las pautas del cine mundial gracias al uso del
montaje cinematográfico que logró relacionar
imágenes de tal forma que enaltecía,
despertaba, maximizaba y en algunos casos desarmaba las emociones del
público haciendo latente un sentimiento patriótico,
sus escenas parecían tan reales como lo fueron sus actores
(tomando en cuenta la participación de los habitantes del
pueblo), la falta de maquillaje y el uso de vestuario
común lograron el efecto de darle a la cinta un toque
documental dejando por un momento a lado la ficción. La
coordinación de los actores fue estupenda y
las escenas en el barco (donde todos se forman
jerárquicamente) que describen las actividades comunes de
éste son una muestra clara de
los conocimientos que el director adquirió durante su
pertenencia al ejército ruso, las tomas de la balsa que
navegó hasta el puerto así como aquellas que
incluyen en la pantalla una participación masiva
(levantamiento de marinos en el barco y el levantamiento de los
habitantes en el pueblo, y la sofocación de los mismos por
el ejercito del zar)consiguiendo exitosamente una continuidad y
enlace entre suceso y suceso; otro punto a su favor fueron las
escenas que mostraron los gestos naturales de los participantes
dando un buen efecto de emotividad.
La mezcla de represión y unión contra
el poder fue
perfectamente proyectada a través de esta película.
Einsenstein logró demostrar que cuando existe
represión cualquier motivo por insignificante que ese sea
(como la carne podrida en la película) puede ser el
detonante, el canal de fuga de todas las represiones acumuladas
contra el orden impuesto;
resaltando incesantemente a lo largo de la trama que la
unión hace la fuerza y
retratando la postura de la iglesia en
este tipo de levantamientos, la cual se inclina hacia el lado del
tirano intercediendo por él a través de la
"concientización" que utiliza la fe como vehículo;
al mismo tiempo, describió cómo este tipo de
levantamientos resultaban atractivos a los caciques en virtud de
sus intereses, sin embargo, no podían apoderarse de los
intereses profundos del pueblo; por otra parte, los duros
intentos de recobrar el control y el poder a través de la
violencia con
la que el ejercito zarista sofocó en una masacre a los
insurrectos resaltó la crueldad y la injusticia al
utilizar el poder militar contra el pueblo que de cierta forma
resulta desprotegido en cuanto a habilidades y armas, de la
misma manera Einsenstein retrató el poder y el temor que
el pueblo unido puede representar ante la
tiranía.
Esta cinta muestra ideales fundamentales del comunismo, el
cual se hizo de más adeptos a través de la
emotividad y el heroísmo de las masas en las que se
enfatizó la importancia de cada individuo en unión
con los demás.
Director : Serguei
M. Eisenstein
Guión : Serguei M. Eisenstein basado
en un argumento de Nina Agadzhanova-Shutko y Serguei M.
Eisenstein
Fotografía : Eduard
Tissé
Montaje : Serguei M.
Eisenstein
Escenografía : Vasili
Rajals
Productora : Goskino
(U.R.S.S.)
CONTROL: LA FIEBRE DEL ORO. CHAPLIN
1898.
Esta cinta relata las divertidas, emocionantes y
enternecedoras anécdotas de un vagabundo en su paso por
Alaska y sus sueños de convertirse en millonario
después de haber alcanzado el gran sueño dorado:
encontrar una abastecedora mina de oro. Sin embargo, durante el
transcurso de la historia y las duras pruebas de
supervivencia a las que fue expuesto, los intereses del vago
fueron cambiando hasta concentrarse en una prioridad: el amor de
Georgia. Finalmente, el destino lo conduce a realizar sus
deseos.
"La fiebre del oro" es un retrato de la realidad que
imperó en Alaska desde 1860 hasta principios de
1900, donde la búsqueda de dicho mineral atrajo a hombres
de distintas partes del mundo dispuestos a aventurarse por
alcanzar el sueño dorado.
Es un filme que además de sus chuscas e
increíbles situaciones, proyecta la angustia, la carencia,
la muerte, la
lucha por la supervivencia de unos a costa de otros, una verdad
que se difuminaba ante el despampanante deseo de alcanzar la
riqueza. Satirizando las ambiciones humanas, y la
metamorfosis de vagabundo a millonario, proyecta
perfectamente cómo la presencia del dinero puede
cambiar las cosas, las personas y los protocolos.
Algunas características de esta cinta, son sus
tomas panorámicas que permiten apreciar el clima, el
territorio y las condiciones bajo las cuales los buscadores de
oro mantenían su afán; la utilización de
diálogos escritos favorecieron a la secuencia del filme,
así como también ayudaron a captar mucho mejor la
atención del espectador
involucrándolo en una historia con imágenes,
sin embargo, existieron algunos pequeños detalles en los
que los movimientos de los personajes no estuvieron bien
coordinados entre unas escenas y otras; se pudo apreciar
también la aplicación del movimiento de
cámara sobre todo en las escenas de persecución;
los efectos especiales fueron excelentes principalmente los
vistos en las escenas de la cabaña al filo del precipicio;
un aspecto descuidado sin duda fue el vestuario, un ejemplo de
ello fue el personaje de Georgia que repitió el mismo
vestido en todas las escenas, lo único que varió
fue que en algunas traía puesto encima un
abrigo.
Chaplin, en su filme "la fiebre del oro" ofrece un viaje
repleto de diversión, sorpresas, ternura, realidad y
reflexión.
"la Fiebre del oro". E.U.A 1898. dirigida por Charles
Chaplin.
Con las actuaciones de:
Georgia Hale, Mack Swain y Tom Murray.
En esta película se proyecta la vida cotidiana de
Nanuk, un esquimal que para sobrevivir, proteger y sostener a su
familia tiene
que recurrir a las actividades más básicas de
supervivencia: caza, pesca,
extracción de pieles, construcción de vivienda
(iglú).
En 1922, el director Robert J. Flaherty logró
aprovechar los escenarios naturales que la Bahía de Hudson
(en el Ártico) le brindó para utilizar fragmentos
de la vida cotidiana de un esquimal y crear así una
historia mediante la cual propuso una nueva opción: El
Cine de No Ficción, propuesta que revolucionaría el
antiguo concepto de cine
documental introducido por los hermanos Lumiere.
A pesar de que en sus inicios, el propósito
principal del proyecto de
Flaherty parecía ser el promocionar los productos de
piel de
la empresa
francesa Revillon, su producto final
fue mostrar una nueva alternativa de cine en el que hace viajar
al espectador hacia un mundo inimaginable pero real, desde un
desierto de nieve donde predomina la soledad hasta la
recóndita intimidad de un "cálido iglú"
donde toda una familia come, se desviste y se reconforta entre
pieles que representan camas.
Es una propuesta interesante, que capta la naturaleza
(animales en su
hábitat natural) sin manipularla contrario a lo que sucede
respecto a las actividades de los personajes las cuales algunas
estaban en desuso (por ejemplo las técnicas
de caza que utilizó Nanuk) y fueron retomadas mostrando un
mundo fascinantemente primitivo regido por la cooperación
colectiva en las actividades que requerían el empleo de la
fuerza. Los
trucos utilizados por Flaherty resultaron estupendos, sobre todo
aquel en el que toda una familia incluyendo a un cachorro salen
uno tras otro del bote donde se transporta Nanuk (dando el efecto
de un submarino), la fotografía
fue otro elemento que imprimió un toque de calidad en la
cinta, aunque en algunas escenas los objetos principales
aparecieron fuera del cuadro, la extensa duración de
algunas escenas propiciaron un toque de fastidio.
La obra de Flaherty es admirable por su
realización y por la increíble realidad que en ella
proyecta.
Nanook of the North. " Nanuk, el esquimal".
Documental (cine de No-ficción).
Robert J. Flaherty.
U.S.A. 1922
Trabajo presentado por:
Iris Adriana Gastélum Gerardo
Universidad de Sonora.