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Arte Barroco



    1. Arquitectura
    2. Escultura
    3. Pintura

    En este pequeño trabajo se ha
    intentado resumir lo que significa el arte barroco
    en Europa durante
    los siglos XVII y XVIII. De la misma manera, se hace una
    relación de los principales autores y sus obras de
    arte
    más representativas. Se tratan temas tanto de arquitectura,
    escultura y pintura,
    así como diversos países. Esperando que sea de su
    agrado y que le pueda servir a alguien a la hora de realizar
    algún tipo de trabajo, se intentará mejorar en
    sucesivas publicaciones.

    EL ARTE BARROCO.

    El término Barroco presenta en su origen un
    evidente matiz peyorativo ya que, al parecer, tiene su
    etimología en el portugués "barrueco" (perla
    defectuosa). Fue acuñado por los tratadistas
    neoclásicos en el s. XIX para caracterizar de exageradas,
    grotescas y extravagantes las formas artísticas del s.
    XVII y parte del XVIII.

    Surge por evolución del Propio Renacimiento,
    pero será diferente dependiendo del país donde se
    desarrolle. A pesar de su origen italiano cuajó
    rápidamente en el resto de Europa. <> Expresa las
    luchas entre "Fe y Razón" que caracterizan a la Europa de
    la época. En este mismo tiempo, se
    desarrolla tb la gran revolución
    científica. El s. XVII no sólo es moderno en cuanto
    a los descubrimientos científicos, sino tb por la manera
    como concibe la ciencia que
    se fundamenta en la experimentación.

    Para muchos teóricos, el barroco es el fruto de
    la evolución natural de las formas artísticas
    manieristas. <> Otras teorías
    insisten en vincular el barroco con el fenómeno de la
    Contrarreforma. <> Y otros más aún, insisten
    en el hecho de que el barroco pudiera servir de
    justificación a los fines de las monarquías
    absolutas. <> De cualquier manera, lo podremos dividir en
    períodos:

    1. Barroco temprano o primitivo (1580-1630).
    2. Barroco maduro o pleno (1630-1680).

      Los rasgos fundamentales que lo caracterizan y lo
      diferencian del Renacimiento son:

      • Se contrapone a lo clásico. Pretende
        excitar la sensibilidad a través de la originalidad
        y la expresividad de sus obras.
      • Con frecuencia recurre a la exageración,
        al virtuosismo.
      • Tiende al dinamismo frente al estatismo
        renacentista.
      • El realismo
        contrasta con la idealización del período
        anterior.

      1.
      -ARQUITECTURA.

      Como ya se ha dicho, frente a la armonía,
      equilibrio
      y sentido estático renacentistas, se impone ahora el
      gusto por los contrastes, ya sean cromáticos,
      utilizando diferentes materiales: ladrillo, piedra, mármol,
      bronce… o lumínicos, alternando zonas oscuras con
      otras fuertemente iluminadas. Pero sobre todo predomina el
      interés por el movimiento, en plantas,
      alzados, o en los propios elementos aislados.

      Las plantas pierden ahora sus formas tradicionales,
      siendo ahora ovales, mixtilíneas… los muros se
      quiebran y ondulan, se rompen frontones y entablamentos, se
      retuercen las columnas, es el momento del apogeo de lo curvo,
      de los constantes entrantes y salientes, de la columna
      salomónica, de lo caprichoso e inestable.

      El aspecto decorativo jugará tb un papel
      destacado en el asentamiento de esta nueva estética, multiplicándose
      progresivamente la ornamentación hasta llegar al
      recargamiento, de ahí que no resulte extraño
      comprobar cómo los órdenes favoritos en estos
      momentos serán el corintio y el compuesto.

      1.1. – Italia.

      Éste será el país cuna del
      Barroco, el que marque las pautas a seguir en el resto de
      Europa, con los nombres y obras más significativos de
      este estilo, y con una capital
      indiscutible, Roma.

      MADERNO (1556-1629).

      Concluyó la Basílica de San
      Pedro
      del Vaticano, añadiendo un cuerpo a los pies
      del esquema cruciforme renacentista, dejándolo con
      forma de cruz latina. Tb levantará la fachada,
      baja para así admirar la cúpula de Miguel
      Ángel. <> Hay que añadir tb la iglesia de
      Sta. Susana, San Andrea del Valle, Sta.
      María de la Victoria
      (fachada de G.B. Soria), y la
      fachada de la iglesia de Trinidad del Monte (Plaza de
      España).

      BERNINI (1598-1680).

      • Baldaquino. San Pedro. Bronce. Cuatro
        gigantescas columnas salomónicas (fustes
        helicoidales); como remate cuatro volutas que convergen
        en su parte alta.
      • Columnata. Plaza de San Pedro. Dos
        tramos, uno trapezoidal, el inmediato a la fachada, y el
        otro un inmenso óvalo delimitado por columnas de
        orden colosal dispuestas en cuatro filas
        paralelas.
      • Scala Regia. Vaticano. Comunica la plaza
        y la Basílica con las estancias
        vaticanas.
      • San Andrés del Quirinal. El
        óvalo se usa tanto en la planta como en la
        cúpula; a la convexidad de la fachada une la
        más acentuada del pórtico semicircular que
        le adosa, subrayada por la escalinata que le precede de
        la misma forma.
      • Palacio Odescalchi. Familia Chigi. Cuerpo bajo a modo de
        zócalo o basamento y un orden colosal de columnas
        o pilastras encima.
      • Palacio Barberini. Sobre planta de
        Maderno. Colaboración con Borromini.
      • Cátedra de San Pedro. Tiene como
        objetivo el encerrar y sacralizar la
        Cátedra de San Pedro, donde, según la
        leyenda, se sentaba el santo a predicar. Triunfo de la
        Iglesia sobre los protestantes.
      • Palacio del Louvre. Proyectos que nunca se llevaron a
        cabo.

      BORROMINI (1599-1667).

      En sus inicios sirve como ayudante de Bernini,
      aunque no por ello mantendrán una buena amistad,
      más bien todo lo contrario. Hombre de
      espíritu angustiado, lo que le llevará al
      suicidio.
      Lleva a los extremos el ansia del dinamismo. Con él,
      los elementos arquitectónicos, incluido el espacio,
      adquieren una gran flexibilidad y ductilidad, capaces de
      curvarse, doblarse, romperse o duplicarse a su antojo.
      Obras:

      • San Carlos de las Cuatro Fuentes. Planta
        de perfil ondulado, como si en ella se hubieran fundido
        una cruz latina y una elipse. El entablamento repite la
        forma de la planta. Como cubierta, una cúpula oval
        rematada por una linterna octogonal de lados convexos. En
        la fachada repite el juego
        de curvas y contracurvas.
      • San Ivo de la Sapienza. Iglesia de la
        antigua Universidad de Roma. Sentido ascensional.
        Constantes entrantes y salientes, abriendo a un espacio
        central poligonal alternativamente tramos cóncavos
        y convexos. Pobreza de materiales. Interior de forma
        hexagonal.
      • Santa Inés. Piazza Navonna.
        Fachada cóncava, acercando así la alta
        cúpula a la misma, y la delimita con dos esbeltos
        campaniles.
      • Oratorio de San Felipe Neri. Ladrillo.
        Ondulación en los muros.
      • San Juan de Letrán.
        Remodelación de la iglesia.

      PIETRO DA CORTONA (1596-1669).

      • Sta María de la Paz.
        Pórtico bajo columnado semicircular, avanzando
        hacia el centro de la plaza (efecto
        claroscuro).
      • Stos Luca e Martina. En el foro. Planta cruz
        griega. Alzado muy esbelto. La fachada se curva hacia
        fuera, relacionándose bien con el perfil de la
        cúpula, tb convexo.

      RAINALDI (1611-1691).

      • Plaza del Pópolo. Iglesias casi
        gemelas de Sta. Mª dei Miracoli y Sta. Mª di
        Monte Santo. También hizo la fachada de San
        Andrea del Valle.

      A finales del siglo XVII, Roma pierde parte de su
      papel rector a favor de la zona norte de Italia, el Piamonte,
      con Turín como capital; y el Véneto, con
      Venecia.

      GUARINI (1624-1683).

      • Capilla del Santo Sudario. Turín.
        Sentido ascensional. Ondulaciones.
        Claroscuro.
      • Escribió "Tratado de Arquitectura
        Civil".

      JUVARA (1676-1736).

      • Basílica Superga y Palacio
        Stupinigi
        en Turín.

      LONGHENA (1598-1682).

      • Sta María de la Salud. Venecia.
        Tras una epidemia de peste. Planta central octogonal.
        Cúpula central. Deambulatorio que nos conduce al
        presbiterio. Relación con lo
        bizantino.

      1.2. –
      España.

      Nuestro país vivirá desde los inicios
      del s. XVII una situación de crisis,
      que repercute negativamente en el arte con una víctima
      clara, la arquitectura. Pocas novedades estructurales y
      ornamentales, sobre todo durante los dos primeros tercios del
      siglo.

      • JUAN GÓMEZ DE MORA
        (1586-1648).
      • Iglesia del Convento de la
        Encarnación
        . Madrid.
      • Iglesia de las Bernardas. Alcalá
        de Henares. Planta oval oculta al exterior por un cuerpo
        rectangular.
      • Ayuntamiento de Madrid.
      • Palacio de Sta Cruz. Madrid. Hoy
        Ministerio de Asuntos Exteriores.
      • Plaza Mayor. Madrid.
      • Clerecía. Salamanca.
      • Panteón Real. Bajo la iglesia de
        El Escorial.
        • FRANCISCO BAUTISTA.
          (1594-1679).
      • Iglesia de San Isidro.
        Madrid.
      • Iglesia de San Juan Bautista.
        Toledo.
        • PONCE DE URRANA.
      • Iglesia de los Desamparados.
        Valencia.
        • JUAN DE OVIEDO.
          (1565-1625).
      • Iglesia de la Merced. Sevilla. Del tipo
        "Iglesia de cajón" (nave única, alta y
        estrecha).
        • ZUMÁRRAGA.
      • Iglesia del Sagrario. Sevilla. "De
        cajón". Como la otra, tiene tb rica
        decoración en estuco de sus bóvedas,
        material dúctil, fácil de trabajar y
        barato, pero con el que se consigue dar impresión
        de riqueza, convirtiéndose en algo muy
        característico de la zona.

      En la arquitectura española del s. XVIII, se
      pueden distinguir dos tendencias: la corriente nacional,
      netamente hispánica, adoptando soluciones
      plenamente barrocas, y la cortesana, más equilibrada,
      elegante, ordenada y clara.

      • LEONARDO DE FIGUEROA
        (1650-1730).
      • Hospital de Venerables. / Iglesia de San Luis
        de los franceses. / Colegio de San Telmo.
        Sevilla.
        • FRANCISCO HURTADO
          (1699-1725).
      • Granada: Sagrario de la Catedral, de la Cartuja
        y Sacristía.
        • VICENTE ACERO.
      • Catedral De Cádiz.
        • ALONSO CANO (1601-1667).
      • Catedral de Granada. Fachada.
        • CHURRIGUERA.

      Son una familia de arquitectos cuyos principales
      miembros son José Benito, Joaquín y Alberto. De
      su apellido derivó el término "churrigueresco",
      utilizado despectivamente para referirse con él a todo
      lo rico y movido, aunque si bien es cierto que estas
      características plenamente barrocas se aprecian sobre
      todo en sus retablos más que en las obras propiamente
      arquitectónicas, donde se muestran más
      conservadores.

      • José Benito. San Esteban de Salamanca.
        El Nuevo Baztán y el Palacio Goyeneche en
        Madrid.
      • Joaquín. Colegio Anaya.
        Salamanca.
      • Alberto. Plaza Mayor. Salamanca.
        • RIBERA (1683-1742).
      • Puente de Toledo. / Cuartel del Conde-Duque. /
        Hospicio. Madrid.
        • NARCISO TOMÉ (m.
          1742).
      • Transparente Catedral. Toledo. Tirando ya a
        Rococó.
        • JAIME BORT.
      • Catedral de Murcia. Fachada.
        • CONRADO RUDOLF.
      • Catedral de Valencia. Fachada.
        • HIPÓLITO ROVIRA.
      • Palacio del Marqués de Dos
        Aguas.
        • CASAS NOVOA.
      • Fachada del Obradoiro. Catedral de
        Santiago.

      La corriente cortesana tendrá sus
      máximos exponentes arquitectónicos en las
      grandes residencias de los Borbones, en los Palacios Reales
      como el de Madrid, y el de la Granja, en Segovia. Aranjuez,
      Riofrío y El Pardo, son obras en gran parte de
      arquitectos extranjeros, influidos por las cortes europeas.
      Es una arquitectura más clara, menos recargada,
      más clasicista.

      El Palacio Real de Madrid se levanta por
      iniciativa de Felipe V, para sustituir al antiguo
      Alcázar incendiado. Trabajarán en él
      arquitectos italianos: Juvara, sustituido a su muerte por
      Sachetti y Sabattini. Se repetirá en la planta la
      tradicional de los antiguos alcázares medievales:
      cuadrada, en torno a un
      gran patio central, con cuatro torres en las esquinas. De los
      exteriores destaca su grandiosidad y elegancia.

      1.3. – Francia.

      La fundación por parte de Luis XIV de las
      Academias de Arquitectura, Escultura y Pintura, donde se
      impartirá la enseñanza oficial de estas artes,
      favorece el desarrollo
      de un barroco francés eminentemente clasicista, aunque
      no por ello exento de monumentalidad, grandeza y
      nobleza.

      • FRANÇOIS MANSART
        (1598-1666).
      • Castillo de Blois. Le añade un
        nuevo edificio con pórtico central columnado con
        su correspondiente frontón triangular.
      • Iglesia de Val-de-Grace. París.
        Planta y fachada recuerdan a la del Gesú de
        Vignola.
      • JACQUES LE MERCIER.
      • Iglesia de la Sorbona. París.
        Pórtico hexástilo sobre escalinata y
        frontón de remate; cúpula sobre tambor y
        con linterna encima.
      • CLAUDE PERRAULT (1613-1688).
      • Palacio del Louvre. Fachada oriental.
        Cuerpo bajo a modo de zócalo, y un orden gigante
        de columnas pareadas encima; frontón de
        coronamiento sobre el eje central.
      • L. BRUANT (1635-1697).
      • Hôtel des Invalides. París.
        Palacio urbano.
      • JACQUES HARDOUIN MANSART
        (1646-1708).
      • Iglesia de los Inválidos.
        París. Planta centralizada: una cruz griega
        inscrita en un cuadrado. La fachada se escalona en
        profundidad en varios cuerpos. Verticalidad. Esbelta
        cúpula sobre doble tambor.
      • Palacio de Versalles. Existía un
        pequeño pabellón de caza, de tiempos de
        Luis XIII, que se convertirá en el núcleo
        en torno al cual irá creciendo este empeño,
        debido fundamentalmente al interés de Luis XIV. La
        primera remodelación se debió a Luis
        Le
        Vaun, quien conservaría su patio
        central o "Cour de Marbre", que se convertirá en
        le elemento rector del conjunto; se alargarán sus
        alas para así crear otros patios mayores
        precediéndole: la "Cour Royale" y la "Place
        d’Armes", dando lugar a un conjunto en forma de "U"
        que abraza el triple patio escalonado, del que parten
        tres grandes vías radiales, la central hacia
        París, recordando los característicos
        trazados en tridente italiano.
      • Aún le serían añadidos dos
        largos pabellones rectangulares perpendicularmente
        dispuestos, uno al norte y otro al sur. En definitiva, se
        trata de un conglomerado de edificaciones de
        épocas diversas que no adquirirá su aspecto
        definitivo hasta mediados del s. XVIII con las nuevas
        estancias añadidas por el arquitecto
        Gabriel. <> Cabe mencionar que el autor de
        la Sala de los Espejos fue Charles Le Brun,
        cubriendo esa parte del palacio, que antes estaba abierta
        al campo, haciendo función de terraza con vistas al
        jardín. <> Tan interesantes como la propia
        arquitectura son los jardines, trazaos a "escuadra y
        compás", para cuya realización contó
        Luis XV con Andrea Le Nôtre.

      El barroco francés don de más
      innovaciones presenta es en el aspecto decorativo de los
      interiores, donde los muros se recubren de maderas, telas,
      tapices, yesos, bronces y mármoles, lo que se conoce
      como el "estilo decorativo", cuya evolución da lugar a
      una serie de etapas que conocemos con los nombres de sus
      reyes: Luis XIII, Luis XIV, Regencia, Luis XV y Luis XVI. El
      más original es el conocido por "estilo Luis XV", el
      llamado "Rococó", con su tema más
      característico, la "rocalla", una especie de trozos de
      conchas irregulares, de formas blandas, asimétricas y
      curvadas, exquisitas y elegantes.

      También en el barroco francés,
      cabría mencionar su urbanismo. La capital se
      transforma en una escenografía del poder,
      poder que se representaba en la monarquía absoluta de los Borbones (en
      Roma eran los Papas). Se crean una serie de espacios
      públicos muy representativos, como son las plazas
      reales ("Place Royale"), en donde aparece en el centro una
      estatua del soberano.

      • Place Dauphine (del Delfín). NO
        es real porque la estatua no está en el
        centro.
      • Place Vosgos. Cuadrada de 140 m. de
        lado. Fachadas regularizadas y soportales. Estatua de
        Luis XIII destruida en la Revolución (como
        todas).
      • Place des Victories. Casi circular. J.H.
        Mansart. Luis XIV en la paz de Nimega.
      • Place Vendôme. Cuadrada con las
        esquinas recortadas (octogonal). J.H. Mansart. Estatua de
        Luis Xiv. Luego Napoleón puso la columna de
        Austerlitz. Se concibió para meter aquí las
        academias, Biblioteca Nacional, etc. Al final hubo
        problemas y se hicieron casas
        particulares.

      1.4. Inglaterra.

      En Inglaterra los diferentes estilos se irán
      sucediendo con cierto retraso, el gran arraigo del
      gótico provoca la tardanza del Renacimiento, que se
      impone casi a finales del s. XVI, por lo que la arquitectura
      del s. XVII será eminentemente clasicista.

      • Catedral de San Pablo. Londres.
        Reconstruida tras un incendio parcial. Gran cúpula
        flanqueada por dos torres con movidos y flexibles
        templetes de remate. Obra de Wren.
      • Ciudad balneario de Bath. Gran plaza
        circular, "Circus", con fachadas uniformes, se abre es
        tres calles más o menos equidistantes. Obra de
        Wood.

      1.6. – Centroeuropa.

      La arquitectura en esta zona comienza a tener
      importancia tarde. La Guerra de
      los Treinta Años provoca una crisis económica,
      política y religiosa, de la que no
      lograrán salir hasta los años finales del s.
      XVII. A las influencias francesas e italianas
      añadirán singularidades ya más propias
      por la fecha del Rococó que del Barroco. La
      decoración rica, abundante, blanda y movida, donde
      domina el blanco y el oro,
      será la nota más característica junto al
      dinamismo y originalidad en el trazado de sus plantas. La
      decoración se reserva prácticamente a los
      interiores, tanto en las obras civiles como en las
      religiosas, llegando las naves de sus templos a parecer
      salones palaciegos.

      • Iglesia de la Trinidad. Salzburgo. Planta oval.
        Fischer Von Erlach (1656-1723).
      • Catedral de San Carlos Borromeo. Viena. En la
        fachada aúna un pórtico columnado
        clásico, una esbeltísima cúpula y
        dos inmensas columnas laterales de fuste helicoidalmente
        decorado. Mismo autor.
      • San Pedro de Viena. Ovalada. Lucas Von
        Hildebrant
        (1666-1745).
      • San Nicolás de Praga. Tribuna de
        ondulada balaustrada sobre capillas laterales, que se
        separa a su vez mediante pilastras sesgadas. Christoph
        Dientzenhofer.
      • Iglesia de Osterhofen. Nave única
        flanqueada por capillas laterales ovales, sobre las que
        corre una tribuna de perfil ondulado. J.M.
        Fischer.
      • Palacio de Wurzburgo. / Iglesia de
        Vierzehnheiligen. / Iglesia del Convento de Neresheim.
        Neumann (1687-1753).

      2. –
      ESCULTURA.

      Como en arquitectura, tb la escultura se verá
      envuelta en un acentuado afán de movimiento; los
      ropajes, los brazos y las piernas se separan del cuerpo y las
      figuras se mueven con mayor libertad.
      Predominan las líneas sesgadas, los escorzos,
      desapareciendo la simetría. Los pliegues se
      multiplican, arremolinan e hinchan como azotados por el
      viento, se hacen profundos y angulosos provocando fuertes
      contrastes lumínicos. <> Las obras adquieren
      gran variedad de puntos de vista, obligando en ocasiones al
      espectador a girar en su torno para tener de ellas una
      visión completa. No debemos olvidar que el arte
      barroco tenía entre sus funciones la
      de servir de reclamo.

      Los materiales más utilizados
      serán el mármol, el bronce y la madera,
      dependiendo de los sitios. <> En cuanto a la
      temática, el desnudo prácticamente
      desaparece (no así en pintura), quizá por el
      predominio de la producción religiosa, tema donde se
      acentúa el realismo. / El retrato incorpora el busto.
      / Otra novedad es la de los monumentos funerarios,
      generalmente con un esquema piramidal, que exaltan, por
      encima de todo, la fama y la virtud del difunto, cuya estatua
      se sitúa en el vértice, mientras que en la base
      se dispone el sarcófago. <> Mención
      especial tiene la llamada escultura urbanística:
      fuentes y
      monumentos ecuestres.

      2.1. – Italia.

      ESTEBAN MADERNO (1556-1629).

      • Santa Cecilia. Corte en el cuello.

      BERNINI (1598-1680).

      • Apolo y Dafne.
      • Tumba de Urbano VIII.
      • Cardenal Scipione Borghese. Busto.
      • Éxtasis de Sta. Teresa.
      • San Longino. Crucero de San Pedro.
      • Constantino. Ecuestre.
      • Tumba Alejandro VII. Reloj arena.
      • Busto Luis XIV.
      • David.
      • Fuente 4 ríos. Navonna.
      • Fuente del Tritón.
      • Fuente de la Barcaza.

      ALGARDI (1598-1654).

      • Olimpia.

      2.2. –
      España.

      Es la escultura barroca una de las manifestaciones
      más genuinas de nuestro arte. Por supuesto, disfruta
      de algunas de las características comunes de este
      estilo como el dinamismo, los escorzos, el dominio de la
      diagonal, la apertura de líneas, la abundancia de
      plegados, las preocupaciones lumínicas… Pero a ellas
      añadirá algunas notas totalmente personales,
      como son la fuerte atracción de la realidad y la
      extremada búsqueda de la expresividad, objetivos
      que persigue y alcanza aun a costa de la propia
      corrección técnica. <> El material
      básicamente empleado es la madera. La
      policromía que requiere le ayuda a acentuar el tan
      ansiado naturalismo. <> La temática, casi
      de forma exclusiva, será religiosa.

      En el siglo XVII se pueden distinguir
      dos escuelas: la castellana y la andaluza.

      ESCUELA CASTELLANA:

      GREGORIO FERNÁNDEZ
      (1575-1636).

      • Cristo yacente.
      • Cristo de la Luz.
      • Quinta angustia.
      • El Cirineo.
      • Sta. Teresa.
      • San Fco. Javier.
      • Retablos de San Miguel en Valladolid; la
        Concepción en Vitoria y en la Catedral de
        Plasencia.

      ESCUELA ANDALUZA.

      • JUAN MARTÍNEZ
        MONTAÑÉS
        (1568-1649).
      • Cristo de la Clemencia. Capilla de los
        Cálices de la Catedral de Sevilla.
      • Niño Jesús. Crea un tipo nuevo,
        generalmente desnudo.
      • Inmaculadas. De gran devoción
        popular.
      • San Isidro del Campo. /// Sto. Domingo de
        Portacoell.
        • JUAN DE MESA
          (1583-1627).
      • Cristo de la Agonía.
        Sevilla.
      • Cristo del Gran Poder. Sevilla.
        • ALONSO CANO (1601-1667).
      • Retablo de la iglesia de Lebrija.
      • Inmaculada. Sacristía Catedral de
        Granada.
      • Niño Jesús con la Cruz a cuestas.
        Cofradía de los Nazarenos. Madrid.
      • Adán y Eva. Sendos bustos. Capilla Mayor
        Catedral de Granada.
        • PEDRO DE MENA
          (1628-1688).
      • Coro de la Catedral de
        Málaga
      • Dolorosa. Descalzas reales. Madrid.
      • Magdalena. Museo de Valladolid.
      • San Francisco. Catedral de Toledo.

      La escultura española del siglo
      XVIII
      tiene en España una figura
      destacada:

      • FCO. SALZILLO (1707-1783).

      Nace en Murcia. Los tipos de piezas esculpidas que
      más realiza son belenes y pasos procesionales, sobre
      todo para la Cofradía de Jesús Nazareno de
      Murcia, hoy convertida en Museo de Salzillo.

      • La Oración del Huerto.
      • El Prendimiento.
      • La Última Cena.
      • La Caída.
      • La Dolorosa.
      • La Verónica y San Juan.

      2.3. – Francia.

      La escultura barroca francesa introduce algunos
      cambios con respecto a la italiana o a la española,
      por ejemplo en la temática, donde el género
      religioso se verá relegado a favor de lo profano,
      más afín con la nueva clientela, no ya la
      Iglesia, sino el monarca y sus cortesanos. <> Temas
      como el retrato o los de carácter funerario. <> Se
      podrá apreciar una cierta evolución entre el s.
      XVII y el XVIII, siendo el primero más severo y serio,
      y más alegre, refinado y lleno de gracia el
      segundo.

      • Retrato de Luis XIV. A modo de emperador
        romano. J. Warin.
      • Cariátides. /// Mausoleo de Enrique de
        Borbón. Sarrazin.
      • Luis XIV. Estatua ecuestre en la Place
        Vêndome. Destruida en la Revolución. ///
        Apolo y las Ninfas /// El Rapto de Proserpina, ambas en
        Versalles. Obras de Girardon.

      3. –
      PINTURA.

      Búsqueda de la realidad. Acentuado
      naturalismo (aunque para ello haya que recurrir a lo
      feo, lo triste o lo viejo). <> Nuevos temas, como el
      paisaje, los bodegones, los animales, el
      retrato. <> Desde el punto de vista formal, será
      el color el que predomine sobre el dibujo, la
      factura suelta, las manchas sustituyen a la
      precisión lineal de los bordes. La luz
      será la que defina las formas, debilitándolas o
      haciéndolas más intensas según su
      incidencia sobre ellas. Las sombras será otro
      de los rasgos más singulares.

      Los sencillos esquemas triangulares serán
      sustituidos por la diagonal, con líneas
      oblicuas que cruzan violentamente las escenas. <>
      Buscan el movimiento y el dinamismo en los
      detalles y en el conjunto. Se lanzan a la conquista de la
      tercera dimensión, la de la profundidad.
      Acentuados escorzos.

      La pintura decorativa, la aplicada a la
      arquitectura, tendrá un desarrollo importante,
      cubriendo con frescos las bóvedas de templos y
      palacios. Técnicamente se abandona el temple y la
      tabla, siendo sustituidos por el óleo y el
      lienzo, lo que facilita el aumento de tamaño de
      los cuadros.

      3.1. – Italia.

      CARAVAGGIO (1573-1610).

      Fue un hombre de carácter violento, que
      llevó una vida bohemia, viajando de un lado a otro,
      llena de disputas y altercados que le hicieron dar con sus
      huesos en la
      cárcel, muriendo finalmente de malaria antes de
      cumplir los 40. Esta inquietante existencia se
      reflejará en su obra, en la que irá
      acentuándose paulatinamente el dramatismo. Salvo en un
      primer momento, donde tienen cabida algunos temas
      mitológicos o alegóricos, el grueso de su obra
      estará formado por cuadros religiosos. El elemento
      más destacado de su pintura será la luz y los
      fuertes contrastes que con ella provoca. No en vano se le
      considera el gran cultivador del "Tenebrismo", con la
      técnica conocida como "luz de bodega" Sus lienzos se
      irán envolviendo cada vez más en un halo de
      misterio.

      • Realismo.
      • Naturalismo.
      • Tenebrismo.
      • Instantaneidad.
      • Claroscuro / Sfumato.
      • Diagonales

      Entre sus obras hay que destacar:

      • Santo Entierro. Punto de vista utilizado
        muy bajo, casi desde el nicho.
      • La muerte de la Virgen. Tomó como
        modelo
        a una mujer
        ahogada en el Tíber.
      • Jugadores de Cartas.
      • Mujer tocando el
        laúd.
      • Cesto de frutas.
      • Mujer diciendo la
        buenaventura.

      ANNIBALE CARRACCI (1560-1609).

      Pertenece a la llamada Escuela
      boloñesa. Junto con sus hermanos Luis y Agustín
      fundaron la Academia dei Desiroi o degli Incaminnati,
      antecedente de las actuales Escuelas de bellas
      Artes, donde se impartían enseñanzas
      técnicas y tb teóricas sobre
      Historia de
      la pintura, Anatomía… e instauraron premios que
      incentivaran a sus alumnos. Su principal obra fueron los
      frescos del Palacio Farnesio en Roma, con temas
      inspirados en "La
      Metamorfosis" de Ovidio (escena de Baco y Ariadna).
      Aún hay algo de la época anterior, como que hay
      más idealismo,
      de ahí el tema mitológico. La
      composición es simétrica, sin diagonales.
      Aparece el paisaje. Mucho color,
      nada de tenebrismo. Dos conceptos básicos: "Cuadri
      riportati
      " (=marcos pintados simulando cuadros de vedad.
      Influencia de Rafael); y "Cuadraturismo prospecttico"
      (=desarrollo arquitectónico de la pintura, no se
      distingue lo que es escultura de lo que es pintura.
      Influencia de Miguel Ángel).

      GUIDO RENI (1575-1642).

      El artista más representativo de la escuela
      boloñesa. Influencia de Rafael. Su obra más
      destacada es la "Aurora" del Casino Rospiglioni de
      Roma
      . Representa a Apolo en un carro rodado por el bello
      cortejo de las Horas y precedido de la Aurora rociando flores
      sobre la tierra.
      Fue concebido como un gran lienzo (a pesar de estar en
      bóveda) sin preocupaciones por escorzos y efectos de
      perspectiva.

      PIETRO DA CORTONA (1596-1669).

      • Triunfo de la Divina Providencia.
        Palacio Barberini. Urbano VIII. Este autor utiliza el
        "trampe-l’oeil" (pintura simulada) para abrir toda
        la arquitectura del techo y dejar planear en lo alto de
        la sala una visión alegórica, en homenaje
        al Papado y a la dinastía Barberini (abejas) como
        si se tratase de una visión celestial. Tiene a la
        vez un sentido religioso y político, porque se
        expresa el poder político-social de los Barberini
        vinculados con el poder de la Iglesia.

      ANDREA POZZO (1642-1709).

      • Gloria de San Ignacio. Iglesia
        jesuítica de San Ignacio. Roma. Es una pintura
        parecida al artista anterior, con la apertura de techos
        en el que se prolongan pisos y pisos, con
        galerías, columnas y entablamentos que desemboca
        en un cosmos de ángeles y santos para fundirse
        finalmente con un cielo imaginario.

      GUERCINO (1591-1666).

      • La Aurora. Casino Ludovisi. Roma.
        Más movimiento que la anterior. Además, se
        distingue de la de Reni porque está en un
        abrimiento de gloria, donde se crea un efecto
        ilusionista.

      3.2. –
      España.

      Como características generales, podemos
      señalar el creciente aumento del naturalismo, el
      carácter realista, el rechazar los temas
      mitológicos en general; se cultivarán
      géneros como el retrato, los bodegones y sobre todo
      los temas religiosos, ya que será la Iglesia el
      más importante de los mecenas. <> Por lo que a
      las composiciones se refiere, suelen ser sencillas y serenas,
      aunque no faltan las líneas diagonales y las figuras
      en escorzo. <> Desde el punto de vista técnico
      cabe señalar la ausencia casi total de frescos (a
      diferencia de los italianos). Uno de los aspectos más
      destacados sea las indagaciones llevadas a cabo con la luz en
      el cuadro, que les lleva a realizar en fecha muy temprana
      grandes contrastes lumínicos. La influencia del
      tenebrismo llegará pronto.

      ESCUELA VALENCIANA.

      • FRANCISCO RIBALTA (1565-1628).

      Catalán. Se complace con los contrastes de
      luz, resaltando con ella los volúmenes de sus
      enérgicas figuras y proporcionando fuerza y
      misterio a sus composiciones.

      • La Santa Cena. Retablo mayor del Colegio de los
        Patriarcas.
      • San Francisco y el Ángel. Museo del
        Prado.
      • San Bruno. // San Juan Bautista. // San
        Francisco abrazando la Cruz…
        • JOSÉ RIBERA
          (1591-1652).

      Játiva (Valencia), aunque gran parte de su
      vida transcurre en Italia. Es conocido como el
      "Spañoleto" por su pequeña estatura. Mezcla de
      luces y sombras. Extraordinario verismo, logrado al tomar
      modelos de
      la calle. Naturalismo. Bodegones.

      • Magdalena en lágrimas.
      • El martirio de San
        Bartolomé.
      • Bendición de Isaac.
      • Sueño de Jacob.
      • Mujer barbuda de loa Abruzzos.
      • El Patizambo.

      ESCUELA ANDALUZA.

      • FRANCISCO ZURBARÁN
        (1598-1664).

      Extremeño de nacimiento. Su estilo mesurado y
      comedido, grave y severo, se adapta bien a su gusto hacia lo
      cotidiano y sencillo, que él sabrá identificar
      envolviéndolo en un halo de solemnidad y grandeza. No
      hay en él ademanes descompuestos, ni llantos ni
      sonrisas. Desecha la sangre, la
      crueldad y el martirio, prefiriendo el aspecto místico
      y ascético de la religiosidad. Se le ha llamado el
      "pintor de los frailes". <> Gran sentido
      volumétrico. Nitidez en los perfiles. Desecha los
      fondos paisajísticos o arquitectónicos,
      prefiere los espacios cerrados. Predomina el color blanco.
      Claroscuro y naturalismo.

      • Convento de San Buenaventura.
      • San Hugo en el refectorio.
      • Cartuja de las Cuevas.
      • Cartuja de Jerez.
      • Monasterio de Guadalupe.
      • Bodegones.
        • ALONSO CANO (1601-1667).

      Inicia su carrera en Sevilla, luego irá a
      Madrid y, finalmente, a su Granada natal.. Composiciones
      serenas y tranquilas. Tendencia a la perfección ideal,
      que le lleva a la creación de tipos que luego repite.
      Bellas, esbeltas y exquisitas Vírgenes de grandes
      ojos. Colorista.

      • La Inmaculada de Vitoria.
      • El Milagro del Pozo de San Isidro.
      • Los Siete Gozos de Sta.
        María.
        • BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO
          (1618-1682).

      Ya de la segunda mitad del s. XVII. Representante de
      la belleza y de la dulzura, acercando la religión a la vida cotidiana. A
      diferencia del anterior, prefiere representar a la mujer y
      al niño.

      • Purísimas de El Escorial, de Soult y de
        Aranjuez.
      • Sagrada Familia del pajarito.
      • Niño de la Concha.
      • El buen Pastor.
      • Niño comiendo melón y
        uvas.
      • Niños jugando a los dados.
      • Niño espulgándose.
        • VALDÉS LEAL
          (1622-1690).

      Representa en el panorama de la pintura barroca
      española el polo opuesto a Murillo: violencia,
      movimiento y dinamismo. Autor propenso a las exageraciones y
      los extremos. Realismo, llegando incluso a aludir a las
      banalidades de todas las cosas terrenas frente a la muerte:
      "In ictu oculi" y "Finis gloriae
      mundi
      ".

      • DIEGO VELÁZQUEZ
        (1599-1660).

      Nos permitirá el tránsito desde la
      Escuela Sevillana a la Madrileña, pues él,
      sevillano de nacimiento, inicia su formación y su
      carrera en esta ciudad, pero desarrolla la mayor parte de su
      actividad en la Corte.

      Velázquez es uno de los más grandes
      pintores de la historia del
      arte. Son contemporáneos suyos Zurbarán,
      Murillo y Ribalta en España, y Caravaggio, Rembrandt y
      Rubens en Europa. En la Corte conocerá la obra de
      Caravaggio y la escuela de los Carracci, así como la
      flamenca. Tenía a su disposición, lo mejor de
      la vanguardia
      artística.

      Su vida

           En el taller de Francisco
      Pacheco comenzó su auténtica formación
      como pintor. Pinta bodegones, con un tratamiento de la luz
      tenebrista. Los cuadros religiosos son la fuente principal de
      ingresos para
      los pintores de la época. La Inmaculada, la vieja
      friendo huevos
      y El aguador de Sevilla.

           En 1622 Velázquez
      tiene su primer contacto con la Corte. Pintó el
      retrato de Góngora, que impresionó tanto
      que al año siguiente, es llamado a la Corte y nombrado
      pintor de cámara. Esto le permite conocer el arte
      acumulado en palacio y tener cierta independencia económica.

           En 1628 Rubens visita
      Madrid, conoce a Velázquez e influye en él. Ese
      mismo año pinta el Triunfo de Baco. Entre 1629
      y 1631 hace su primer viaje a Italia, para conocer el arte
      del país. Fruto de ese viaje es su cuadro La fragua
      de Vulcano.

           A su vuelta de Italia, y
      entre 1631 y 1649 recibe el encargo de la decoración
      del Salón de Reino, en el Retiro. Es la época
      más fecunda de Velázquez. Pinta la
      Rendición de Breda, con lo que introduce el
      tema histórico contemporáneo en su pintura.
      Organiza el cuadro en un espacio circular que gira en torno a
      los protagonistas.

           Realiza los retratos de
      Felipe III, Felipe IV, sus mujeres, el conde-duque de
      Olivares, las infantas, etc. Pero también de los
      bufones y las gentes del pueblo que rodean a la Corte, como
      Pablo de Valladolid, un retrato genial por su
      tratamiento del fondo.

           Entre 1649 y 1651
      Velázquez hace su segundo viaje a Italia. Pinta su
      famoso retrato del papa Inocencio X. Retrata a su
      esclavo Juan de Pareja, y pinta cuadros de tema
      mitológico, como La venus del espejo, en el que
      se permite el desnudo, uno de los pocos desnudos del barroco
      español.

           En 1651 vuelve a
      España reclamado por el rey para pintar los retratos
      de la familia
      real: Las meninas, un extraordinario cuadro de
      múltiples problemas compositivos. También toca
      temas mitológicos: Las hilanderas.

      Su arte

           La naturaleza, la luz y el movimiento son
      preocupaciones comunes a todos los artistas del barroco, pero
      es Velázquez quien da las soluciones más
      originales y quien mejor resuelve los problemas. <>
      Rara vez toca temas hondamente dramáticos para mostrar
      su realismo. Cuando se adentra en estos campos reduce el
      dramatismo a la mínima expresión. No copia,
      inventa sus composiciones. <> Utiliza el claroscuro,
      pero alejado del tenebrismo. Capta los efectos
      distorsionadores el aire
      interpuesto entre los objetos, lo que se conoce como
      perspectiva aérea: La fragua de Vulcano, La
      meninas
      o Las hilanderas. <> El color lo
      aplica con moderación, en pinceladas sueltas. El
      movimiento se crea a través de la luz y la perspectiva
      aérea.

      ESCUELA MADRILEÑA.

      • CLAUDIO COELLO (1642-1693).

      Pintor de cámara de los Austrias. Destaca su
      obra "La Sagrada Forma".

      • JUAN CARREÑO DE MIRANDA
        (1614-1685).

      Destaca como retratista: "Carlos
      II
      ".

      3.3. – Flandes.

      La Guerra de Religión supone la total
      escisión entre Flandes y Holanda. La actual
      Bélgica, bajo dominio español, será
      católica, por lo que los temas religiosos
      seguirán siendo de primer orden, aunque si bien es
      cierto no será una religiosidad emotiva, sino
      optimista y alegre.

      PEDRO PABLO RUBENS (1577-1640).

      Sus lienzos rebosan vida, con un predominio total
      del movimiento. Son composiciones abiertas y
      dinámicas, casi siempre de acentuada diagonalidad, con
      una riquísima y brillante gama cromática
      distribuida a base de sueltas y fluidas pinceladas, con
      frecuencia sinuosa. Muchísimas obras de
      variadísima temática, aunque en algunas
      sólo colabora, concluyéndolas sus
      ayudantes.

      • El Apostolado.
      • Adoración de los Magos.
      • Exaltación de la
        Eucaristía.
      • Las Tres Gracias.
      • Retrato de Felipe II.
      • Retrato de María de
        Médicis.

      ANTON VAN DYCK (1601-1641).

      Formado con Rubens. Su larga permanencia en la corte
      inglesa le hace inclinarse por lo elegante y distinguido, por
      el buen gusto. Gran retratista. Canon estilizado y ademanes
      exquisitos. Composiciones armónicas. Hizo triunfar el
      retrato doble, donde contrapone las actitudes
      de los personajes. Su fama fue grande y sus encargos tantos
      que acabó limitándose a pintar sólo los
      rostros, dejando el resto a su taller.

      • Retratos de Carlos I.
      • Los condes de Bristol y Bedford.

      JACOB JORDAENS (1593-1678).

      Como los anteriores, está relacionado con
      Amberes. Destaca en las escenas populares. Destacar el
      "Rey Bebé".

      3.4. – Holanda.

      Lo reducido de su territorio, el calvinismo
      imperante, su condición de República en un
      continente de monarquías, su sociedad
      burguesa de comerciantes frente a la aristocracia de otros
      lugares, harán que desaparezca el mecenazgo de la
      Iglesia y la primacía del tema religioso a favor de
      una nueva clientela, la que prefiere temas más
      cotidianos, como escenas de la vida rural, interiores
      burgueses, paisajes, retratos, bodegones, flores,
      etc.

      JAN VERMEER (1632-1675).

      Fue el primero en utilizar la técnica de
      "plen-air", captando la luz diurna como fuente de iluminación. Parece seguro que
      utilizó la "cámara oscura" para ayudarse en la
      composición y en la perspectiva, de la que consigue un
      gran sentido de la profundidad. La luz generalmente entra por
      una ventana a la izquierda, da un incomparable esplendor a
      los tejidos
      sedosos, crea, además, una atmósfera a le vez plácida y
      armoniosa, en la cual se integran personajes igualmente
      apacibles. En sus interiores no se ven escenas de acción. Medidores espaciales.
      Obras:

      • Vista de Delft.
      • La callejuela.
      • El geógrafo.
      • Lecciones de música.
      • Joven del turbante.
      • El soldado y la muchacha.

      REMBRANDT (1606-1669).

      Su tema es siempre el ser humano, lo mismo cuando
      sufre que cuando exulta de júbilo, y como su misma
      persona fue
      el modelo más fácil de comprender y explorar,
      gustó de pintarse a sí mismo. <> En sus
      escenas bíblicas no los viste con atavíos
      suntuosos. <> Claroscuro. <> La luz desciende del
      cielo. Obras:

      • Simeón en el Templo.
      • La Cena de Emaus.
      • Autorretratos.
      • Lección de Anatomía.
      • Ronda de Noche.
      • El síndico de
        Pañeros.

      FRANS HALS (1585-1666).

      Estilo dinámico y emotivo. Vida cotidiana. La
      luz procede de la parte superior izquierda. Pincelada muy
      suelta. Gran retratista. Realismo. Instantaneidad.
      Obras:

      • La gitanilla.
      • La Bruja de Haarlem.
      • El chico de la flauta.
      • Las regentes del asilo de Haarlem.
      • Hombre con zambomba.
      • Cientos de retratos.

      RUYSDAEL y HOBBEMA.

      Sendos paisajistas, el primero de sensibilidad
      más intensa y vital en sus visiones de la naturaleza
      (vientos, cascadas, tormentas); el segundo más sereno
      y quieto. <> Los paisajes holandeses son
      inconfundibles, con la línea del horizonte muy baja,
      ocupando gran parte del lienzo amplios celajes
      nubosos.

      3.5. – Francia.

      NICOLAS POUSSIN (1594-1664).

      Vivió mucho tiempo en Roma donde
      asimiló la cultura
      clásica. Es el creador del denominado "paisaje
      histórico", debido a los innumerables paisajes
      jalonados de ruinas romanas. Sus cuadros se caracterizan por
      el orden y la claridad compositiva, la serenidad y el
      equilibrio. De sus obras destacan "Rapto de las Sabinas";
      "Bacanal"; "El Parnaso"; "Pastores de la Arcadia".

      CLAUDIO DE LORENA (1600-1682).

      Paisajista de peculiar luminosidad atraído
      por las brumas, las neblinas, los amaneceres y las puestas de
      sol, luces suaves que van desvaneciéndose, y con ellas
      los elementos que componen sus cuadros. Vivió tb
      muchos años en Roma. Destaca "El embarco de Santa
      Paula".

       

       

      VÍCTOR MANUEL FERNÁNDEZ
      RUIZ

      LICENCIADO EN HUMANIDADES

      JUNIO DE 2005

    3. Barroco tardío o Rococó
      (1680-1750).

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