En este trabajo reúno información acerca de
algunos de los inmigrantes que se destacaron en la escultura
-Gyula Kósice, Carmelo Arden Quin y Antonio Pujìa,
entre otros-. Incluyo también a quienes, sin establecerse en
nuestro país, dejaron aquí obras memorables.
Me refiero asimismo a Rogelio Yrurtia, Pablo Curatella
Manes y otros escultores descendientes de inmigrantes.
Inmigrantes
Martín Blaszco nació en Alemania en 1920. "Arribó
al país en 1939. Integra el grupo fundador del movimiento Madí.
Participa, en el año 1952, en un concurso para el "Monumento
al prisionero político desconocido" (obra que se encuentra
en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires), del cual obtiene
una distinción. Para realizar sus obras parte del ritmo puro
y dinámico y en las mismas resalta una actitud expresiva. Poseen
siempre carácter de continuo
movimiento. Expuso en la Bienal de San Pablo; en la Tate Gallery
(1952) y en la Bienal de Venecia (1956)". Fue distinguido con la
"medalla de bronce en la Feria de Bruselas (1958) y (el) Gran
Premio de Honor de la Ciudad de Buenos Aires (1960). Exhibe en el
Museo de Arte Moderno de Nueva York y en el Centro Pompidou de
París".
"Hacia 1962-63, comienza para Blaszko una nueva etapa.
No abandona la bipolaridad en los ritmos, sino que busca
intensificarla en un movimiento de oposición y de lucha. En
un escrito de la revista ?Leonardo? él
dice: ?El fenómeno de la bipolaridad se convierte para
mí en la esencia de mis trabajos? En sus obras ?Júbilo?
(1964), ?Liberación? (1964-65), ?El eterno femenino? (1966),
?La protesta? y ?La Montaña? (1968), la materia no aparece aislada
como en sus trabajos puristas y concretistas; sino que se acerca
a las características del expresionismo. En sus obras
?Equilibrio, 1,2,3…infinito?
(1970, cemento, colección del
artista), ?Conflictos ineludibles? (1980;
bronce; colección del artista) y ?Júbilo? (1988),
utiliza diferentes magnitudes y crea por medio de la sensibilidad
imágenes anímicas.
Su deseo sería ?encontrar la unidad de todas las cosas…
para poder fijar y hacer visible el
movimiento de creatividad y de fuerza vital? "
(1).
Notas
- Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Tomo III. Buenos Aires, Clarìn, 2002
/ S/F: en www.oni.escuelas.edu.ar
El artista plástico coleccionista y
marchand Federico Klemm nació en
Checoeslovaquia en 1942; falleció en Buenos Aires en 2002.
"Vivió en la Argentina desde 1948. De muy joven
estudió, de manera autodidacta, a Picasso, Toulouse Lautrec, Van
Gogh y a pintores argentinos. Luego entró en contacto con el
Instituto Di Tella. Su obra incluye el desarrollo de ambientaciones,
de muebles concebidos como esculturas y, en pintura, de imágenes
humanas en perspectiva hiperrealista. En 1995 creó la
Fundación Federico Jorge Klemm" (1).
Notas
- Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Buenos Aires, Clarìn, 2002.
Vicente Nadal Mora, nacido en 1895, "se
inició en el dibujo y la pintura en la
Academia de Bellas Artes de Palma de
Mallorca y se trasladó a Buenos Aires, en 1909, donde
trabajó como escultor en las obras del Palacio de Justicia, las que nunca fueron
colocadas" (1). Falleció en dicha ciudad en 1957.
El escultor y grabador José Planas Casas
"nació en Torroella de Montgrí, Cataluña España el 28/01/1900 y
falleció en Santa Fe el 8/07/1960. Se radicó en nuestro
país en 1911, optando por nuestra ciudadanía en 1925.
Estudió en la Escuela de la Asociación
Estímulo de Bellas Artes. En 1940 se incorporó como
Profesor de Escultura de la
Escuela Prov. De Bellas Artes de Santa Fe, cuya dirección ejerció
desde 1942. Actuación Artística: Desde 1927 Salón
Nacional y otros certámenes del interior del país.
Exposiciones Individuales : Amigos del Arte; Müller;
Paraná (Entre Ríos); Concepción del Uruguay (Entre Ríos).
Premios : Salón Nacional 1934 : 2º Premio Escultura;
Salón Rosario 1929 : Premio Adquisición Escultura;
Salón Santa Fe 1944 : Gran Premio Escultura; 1948 : Premio
"Gobierno de Santa Fe" Grabado;
1949 : Premio "Comisión de Bellas Artes" Dibujo; 1952 :
1º Premio Escultura" (2).
David Vallmitjana nació en 1903. "Vivió
en París (Francia), Caracas (Venezuela) y se
estableció en la Argentina. Realizó numerosas obras
entre las que se destaca una cruz de oro y esmalte a pedido de
Harry Truman, que era presidente de los EE.UU. Creó un
cáliz de oro y perlas para el nuncio de Su Santidad. Expuso
en el país y en el extranjero, como en la Tower Gallery de
Chicago (EE.UU.)" (3)
Notas
- Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Tomo III. Buenos Aires, Clarìn,
2002. - S/F: "José Planas Casas", en Museo Rosa G. De
Rodríguez, ww.digitalmicrofilm.com.ar. - Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Tomo III. Buenos Aires, Clarìn,
2002.
Nacido en 1924, Gyula Kósice fue "uno de los
principales integrantes del grupo Madí. Este grupo
artístico que trabajó obras abstractas donde
sobresalían el juego y la invención, fue
fundado en Buenos Aires en 1946 por Carmelo Arden Quin e
incluyó a Gyula Kósice, Martín Blaszko, Diyi
Laañ y Esteban Eitler, entre otros. El movimiento se
inspiró en el arte vanguardista europeo, como el dadaísmo y el constructivismo ruso, e hizo
propias las teorías del arte concreto en distintas
expresiones. Se discute el origen del término Madí.
Para algunos es la sigla del Movimiento de Arte de
Invención; para otros, de materialismo
dialéctico".
"En 1941, (Kósice) inició con Royi una
serie de esculturas articuladas y giratorias. En 1957 se
instaló en París y dio a conocer el manifiesto La
arquitectura del agua en la escultura.
Entre sus obras emplazadas en lugares públicos se destacan
Faro de la cultura (Plaza de la Ingeniería, La Plata) y
Victoria (Parque Olímpico de Seúl, Corea del
Sur)" (1).
En una entrevista realizada con
motivo de la muestra "Gyula Kosice
Anticipaciones", que tuvo lugar en el Centro Cultural Recoleta,
se le preguntó por qué eligió el agua como elemento para sus
obras. El escultor respondió: "El agua, la elegí porque
sentí la necesidad de utilizar un elemento orgánico,
que no es nada más ni nada menos que el origen de vida. El
origen de vida animal y del ser humano. Es decir, el origen de la vida en general
empieza con el agua. Entonces, hubo una necesidad de utilizar un
elemento como es el agua, arquitecturizarlo con cierta forma y
hacerlo móvil. Porque, aparte del agua, yo considero que en
el Cosmos no hay nada estático: todo es movimiento, luz, color. Y las esculturas con agua
entran a diferenciarse de las demás esculturas que son
completamente estáticas".
Al preguntársele qué papel juega la luz,
manifestó: "Es importante la luz porque justamente creando
una metáfora, es para descorrer lo desconocido a través
de la luz y que no existan tinieblas. (…) Es qué todo es a
partir de la luz, sin luz no hay elementos que puedan tener una
existencia propia. No te hablo de la gente que realmente no puede
ver, sino que la luz, en sí misma, es transmisión de
vida también. (…) yo quiero que mi obra dialogue con la
vida. Vos ves que yo, en algunas obras hidrocinéticas, el
agua en la superficie cambia permanentemente, es decir que no
puedo corregir ese azar. Lo dejo librado a la vida misma a lo que
pase".
Sobre la ciudad hidroespacial, comentó: "la
propuesta de la ciudad hidroespacial mía no se trata de ir
fuera de la estratósfera, sino a 1.500, 2.000 metros de
altura sobre el nivel del mar y crear estos hábitats que ves
acá en la exposición y vivir ahí.
Podés volver a tierra, podés tener
plataformas para tener un lugar dónde estar, podés
volver al mar a los océanos, podes amerizar, aterrizar. Pero
el ritual arquitectónico tuvo una polémica cuando
vivía Le Corbusier, él no creía en esto.
Decía que era una pura utopía. Las utopías, como
vos sabes, existen hasta que dejan de existir. Entonces, él
me decía no es posible. Entonces, yo dije no. También,
cuando Julio Verne dijo que se podía ir a la luna lo tomaron
por loco y se llegó a la luna. Cree que viviremos en el
espacio: "Será como una vivienda. Eso no quiere decir que no
se podrá retornar a la tierra, pero por lo menos
la vas a dejar más limpia. Va a haber una relación
entre el ser humano y su propio tiempo personal. La levadura de nuestra
vida al final es el tiempo. Lograr ese tiempo pero ocupando el
espacio".
En su infancia, tuvo una influencia
decisiva: "Me tocó leer, de chiquito, un libro de la vida de Leonardo Da Vinci. Tenía
10 u 11 años y empecé a copiar los diseños de
él, más que la pintura. Entonces, yo empecé a
ojearlo y me interesaron los dibujos de cómo
proyectó la posibilidad de volar del ser humano, cómo
inventó el submarino, cómo hizo las máquinas hidráulicas…
Inventó tantas cosas que sería muy largo enumerar.
Entonces, yo copiaba eso, y bueno, por qué no hacer lo
mismo? Hay un elemento que yo insisto, es la tecnología de su propio tiempo, y otro
los enunciados de ese tiempo. Por ejemplo, yo en el año 46',
ya empecé a hacer con tubos gas neón en escultura y
nadie lo había hecho. En Norteamérica, hoy, todos lo
están haciendo. Empezamos hacer lo que en Norteamérica
llaman sharpcanvas y ya con Madí habíamos hecho el
marco irregular recortado, es decir, introdujimos el concepto de ventana en la
pintura. Después, empecé con el agua. Ahora, estoy con
la ciudad hidroespacial. Pero la última propuesta mía,
que ya es totalmente desorbitante, por la cual me dicen ?más
loco todavía?, se llama Irvé. Estoy inventando,
utópicamente, algo que yo lo llamo Irvé. Porqué
Irvé? Porque tengo que inventar un nombre igual que
Madí igual que Royi… En fin…".
Explica qué es Irvé: "Vivimos en una
civilización de pantalla. Qué quiere decir? Vamos al
cine, es una pantalla;
la televisión, es otra
pantalla; los videos, son otra pantallas; Internet, es otra pantalla… Todo lo que
es, de alguna manera, una atracción vital e inclusive
necesaria de nuestra existencia, pasa por una pantalla; sobre
todo, por el computer… Ahora, todo está girando en
torno a la pantalla. Entonces,
yo digo ?yo quiero salir de la pantalla. Yo quiero ir al volumen?. La idea es que una
máquina proyecte de alguna manera un objeto en el espacio.
No lo va a proyectar por disolución sino, simplemente, lo va
a trasladar. Yo, en mi caso, haría una exposición de
grandes esculturas en el cielo de Buenos Aires, en pleno espacio,
sobre el Río de la Plata, pero no holográficamente sino
en volumen real. Hay que tener la osadía de que se pueda
hacer. Porque todo lo que es imaginado es posible".
Acerca del arte digital, manifiesta: "El arte digital lo
utilicé como una herramienta, no como una finalidad porque
sino estaría otra vez en el plano, en la superficie. El arte
digital me permite crear animaciones, como la que se puede ver en
el video que se está
proyectando aquí en la exposición. Me permite animar
las cosas y crear la posibilidad de verlas convencionalmente,
estando ya en el espacio. Para mi, es una herramienta con unas
posibilidades inmensas y con unas variantes que no las
podría realizar por un factor de tiempo" (2).
Gyula Kósice dijo en una entrevista: " ?He viajado
28 días en barco, y lo único que veía eran las
estrellas y el mar. Evidentemente, quedé influenciado por
esa travesía?. Habla de su llegada a la Argentina, a los 4
años, proveniente de Kosice, un pueblo de Hungría"
(3).
A propósito de una información publicada en
La Nación, Eduardo Rabat señala: "En la Revista
del 7/11/04 dice que (el maestro Kosice) nació en
Hungría y no es así. La ciudad de Kosice es la segunda
ciudad de Eslovaquia, y ése es el nombre que adoptó al
llegar a la Argentina. Es de ascendencia húngara (su nombre
Gyula lo ratifica), pero nació en Eslovaquia. El nombre
húngaro de la ciudad es Kassa, pero el apellido que
tomó el maestro es el actual de Kosice" (4).
Notas
- Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Tomo III. Buenos Aires, Clarìn, 2002
/ S/F: www.bistart.com.ar / S/F: Fundación
Konex. - S/F: Entrevista, en www.bistart.com.ar,
1999. - Repar, Matías: "ENTREVISTA CON GYULA KOSICE,
INVENTOR FULL TIME DEL ARTE ARGENTINO ?El mundo no me necesita,
pero para el arte contemporáneo soy inevitable? ", en
Clarín, Buenos Aires, 3 de julio de
2005. - Rabat, Eduardo: "Gyula Kosice", en "Correo", La
Nación Revista,
Buenos Aires, 21 de noviembre de 2004.
Luis Giorgi, nacido en 1821, "Fue el arquitecto
de la orden Franciscana caracterizado por su sentido
escenográfico. En Salta hizo las reformas del interior de la
Iglesia de San Francisco y
luego de la fachada, en 1870; allí como escultor plasmó
las imágenes de ?San Severo?, en cera; ?La Purísima?
ubicada en el altar mayor, realizada con pasta y tela encolada; y
?San Diego de Alcalá?, confeccionada en madera tallada y tela
encolada". Falleció en Catamarca en 1905 (1).
"En 1888 llegó a la Argentina Antonio
Curatella (1852-1922) de 36 años de edad, junto a su
mujer Clara Manes y sus cuatro
hijos: Rosa, José, Francisco y Horacio. Antonio era de
Potenza, al sur de Italia y venía en busca de
trabajo y para colaborar en la construcción de la ciudad
de La Plata, que había sido fundada el 19 de noviembre de
1882. Antonio era un constructor y escultor decorador que
realizaba los yesos y molduras que ornaban los frentes de las
viviendas. Era un hombre bueno, generoso y
trabajador, siempre ayudó a todo el mundo. Pasó largos
años en el seminario y todo hacía
pensar que iba a ser sacerdote; era también un buen
músico y tocaba magistralmente el órgano. Llegó a
La Plata con la esperanza de realizar importantes esculturas para
el Palacio de la Legislatura, pero otro
escultor italiano Vìctor De Pol (1865-1925) consigue la
mayoría de los contratos y a Antonio le queda
el trabajo de decoración
de frentes de las viviendas y edificios públicos. Aquí
nace su quinto hijo, María Antonieta y el 14 de diciembre de
1891, a las 11 de la noche, nace Pablo, quien sería uno de
los mayores escultores de la historia del Arte de los
Argentinos" (2).
En Tribunales "son numerosos los exponentes de la
escultura conmemorativa(…) emplazados en diversos lugares" (3).
Entre ellos se encuentra el monumento al general Lavalle,
realizado por el escultor Pietro Costa.
Este monumento "tiene la particularidad de ser la
única torre estatuaria que tiene la ciudad. Su realizador
fue el escultor italiano Pietro Costa y se inauguró en 1887.
El monumento conmemora la figura del general Lavalle (1797-1841)
la columna dórica de aproximadamente 26 metros está
realizada en mampostería revestida en piedra arenisca con el
escudo de las 14 provincias, mientras que la figura fue esculpida
en mármol" (4).
En Moreno, provincia de Buenos Aires, se encuentra la
estatua de Mariano Moreno realizada por Costa: "Es la
estatua que se encuentra instalada en el centro de la plaza
principal de la ciudad de Moreno. Se trata de una verdadera obra
de arte confeccionada por el escultor italiano Pietro Costa de
Florencia, en mármol de Carrara. Fue el primer homenaje al
prócer de Mayo en el país. Su inauguración
contó con el padrinazgo del Dr. Nicolás Avellaneda en
ejercicio de la presidencia de la República en 1877"
(5).
Héctor Ximenes fue escultor, pintor e
ilustrador. Nació en Palermo, en 1855. Estudió en la
Academia de Bellas Artes de su ciudad natal, bajo la
dirección de Ragusa. También recibió lecciones de
su padre, el escultor Antonio Ximenes. Ejecutó numerosos
monumentos: a Ciceruacchio, en Roma (1880); a Garibaldi, en
Palermo (1887); a Bottago, en Parma (1907); a Alejandro II, en
Kiev (1911), etcétera.
Pasó una temporada en la Argentina y como principal obra
realizada en nuestro medio cabe destacar el mausoleo del general
Manuel Belgrano, que fue inaugurado en el atrio del antiguo
convento e iglesia de Santo Domingo en Buenos Aires el 20 de
junio de 1903. Obras suyas son también el monumento al
doctor Muñiz, en el Cementerio de la Recoleta en la Capital Federal y otras de
menor importancia. Está representado en el Museo Nacional de
Bellas Artes y en el Colonial e Histórico de Luján
(Buenos Aires). Falleció en Roma en 1926" (6).
El escultor y retratista Camilo Romairone
"Llegó a la Argentina en 1870. Refiere José León
Pagano que su producción más
proficua fue el retrato, género alternado con la
escultura funeraria. Autor del monumento a Brandsen en el
cementerio de la Recoleta de Buenos Aires, en donde se encuentran
asimismo otros monumentos y bóvedas debidos a Romairone.
Refiere ?La Nación? que entre los
primeros escultores extranjeros con que contó la Argentina
en la segunda mitad del siglo XIX se halla Romairone; prosigue
diciendo el articulista, que casi todos los bustos clásicos
en los salones de la Casa de Gobierno, de las facultades y de
algunas de las legislaturas provinciales, fueron ejecutados en
mármol por el mencionado escultor. Se halla representado en
el Museo Histórico Nacional, en el Museo Mitre de Buenos
Aires y en el Colonial e Histórico de la Provincia de Buenos
Aires, Luján" (7).
En el edificio del Congreso Nacional se puede admirar
una obra del escultor Víctor de Pol, nacido en 1865:
"Sobre el inicio de la Avenida Entre Ríos se halla el
Palacio del Congreso Nacional, una obra del arquitecto italiano
Víctor Meano. Se inauguró en 1906, y ocupa una
superficie de nueve mil metros cuadrados. Su estilo exterior es
grecorromano, con revestimiento de mármol blanco. Por
afuera, la planta constituye un basamento de granito gris que
apoya un intercolumnio del mismo material de estilo corintio. La
amplísima entrada está flanqueada por rampas que
conducen al peristilo coronado por un frontón triangular y
sendos pórticos a ambos lados. Otros similares adornan los
costados del edificio. Por encima del peristilo puede verse una
cuádriga de bronce realizada por el escultor Víctor de
Pol, y en las esquinas se levantan victorias aladas provistas de
trompetas" (8).
Jorge Glusberg recuerda a De Pol, en su "Historia del Museo Nacional de Bellas Artes"
(9): "El Museo en fin, es habilitado (…) en la Navidad de 1896: posee
entonces 163 obras, expuestas en 5 salas, en el primer piso del
edificio levantado para las tiendas Au Bon Marché (que nunca
llegaron a ocuparlo), con entrada por Florida 783, casi esquina
Córdoba. La sede es, por cierto, alquilada. Dos palabras
acerca del Bon Marché. Diseñado por el ingeniero
argentino Emilio Agrelo y el arquitecto francés Rolando
Levacher, hacia 1888, a la manera de la Galería Vittorio
Emmanuele II, de Milán (1867), la honda crisis de 1890 ahogó el
proyecto de las grandes
tiendas. Hacia 1894 es terminado el sector de
Florida/Córdoba, y alrededor de 1898 el de San
Martín/Viamonte, que será dedicado a unidades de
viviendas. Pero el edificio ha de quedar concluido hacia 1905. El
sector de Córdoba/Florida, donde está el teatro Edén, es adoptado por
el arte. Además del Museo, se instalan allí la Sociedad Estímulo y su
Academia, el Ateneo, La Colmena Artística y los estudios de
Angel Della Valle y el escultor Víctor de Pol, entre
otros".
Troiano Troiani nació en Udine, en 1885;
falleció en Buenos Aires en 1963. "Estudió en academias
de Florencia y Venecia, instalándose en el país en 1910
con una beca otorgada a artistas italianos con motivo de los
festejos del Centenario. Uno de sus primeros trabajos fue una
serie de esculturas para la Bolsa de Comercio porteña,
realizando después una obra similar para el Teatro Grand
Splendid. Ganó numerosos premios en su trayectoria
artística. Los faroles de la Plaza de los Dos Congresos en
Buenos Aires (diseñados en 1929), Centauro, San Francisco,
Arquero divino, instalada en La Plata, y Fernando III, que corona
el frontón de la fachada de la iglesia colonial de San
Fernando de Maldonado, son algunas de sus obras" (10).
Acerca de los faroles de la Plaza de los Dos Congresos,
leemos: "Sobre el espacio con granza que rodea la gran Fuente,
desde el este dos altas columnas con 20 reflectores cada una
sirven para iluminar el Monumento a los dos Congresos. Los
singulares 151 faroles artísticos de 1 y hasta 5 brazos, son
piezas de hierro forjado, fundidas en la
región de Champagne, Francia, diseñados por Troiano
Troiani en 1929" (11).
El pintor, escultor y docente Octavio Fioravanti
nació en Civitanova en 1894. "Vino muy niño a la
Argentina. La vocación fue en èl un signo temprano. A
los once años se aproximó al arte en calidad de marmolista, y
acudió a un pintor para estudiar dibujo. El maestro ?modesto
guía sin duda- se llamaba Fernando Santilli, a quien
recurrió también su hermano José, el estatuario.
El oficio de marmolista lo retuvo por más de una
década. Luego se hizo ilustrador. Dibujó para revistas.
Vivió luego consagrado a la docencia y a su arte dual,
aún cuando dedicó a pintar las horas más
continuadas de sus fervores. En rigor, Fioravanti fue el maestro
de sí mismo. Pintó figuras, paisajes, naturalezas
muertas, animales. He aquí ahora una
comprobación de coherencia en el proceso histórico de
Fioravanti. Ya sorprendiera la figura en un interior, ya las
contemplara en plen air, su objeto principal era
definirlas como volumen. Poco le inquietaba la luz cuya fulgencia
disuelve lo corpóreo de la forma, reduciéndola a
vibraciones cromáticas, según el impresionismo y más
aún, conforme a la visión y técnica del
neoimpresionismo. (…)" (12).
El pintor, escultor, grabador y dibujante Lorenzo
Gigli nació en Renzi en 1896; falleció en San
Fernando en 1983. "Se radicó en la Argentina en 1913, donde
estudió dibujo y composición. Fue profesor en la
Escuela Nacional de Bellas Artes y Profesor de Dibujo en la
Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires. Como
docente, formó a varias generaciones de artistas plásticos argentinos.
Comenzó a concurrir a los salones nacionales en 1919. Sus
cuadros y esculturas fueron llevados a la Bienal de Venecia
1928-30, donde recibieron buenas críticas. En la actualidad,
su obra se puede apreciar en el Museo Nacional de Bellas Artes y
en el Museo de la Ciudad de Buenos Aires" (13).
Juan Del Prete "Nació en Vasto, provincia de
Chieti (Italia) el 5 de Octubre de 1897. En 1909 se radicó
en nuestro país, adoptando la ciudadanía argentina en
1929. Aunque registra un breve paso por la Academia Perugino
(Buenos Aires) y el taller de la Mutualidad de Estudiantes de
Bellas Artes, Del Prete puede ser considerado un autodidacta. En
1926, a raíz de una muestra realizada en Amigos del Arte,
donde ya mostraba las tendencias vanguardistas de las que fue
precursor en Argentina, logró una beca de esta
institución. Residió en París entre 1929 y 1933,
integrándose a los movimientos más avanzados del
momento, como la "Societé des Surindependents" y el grupo
"Abstraction-Creátion-Art Non Figuratif", junto a Mondrian,
Nicholson, Calder, Villón, etc. Frecuentó a
Torres-García y a Vantongerloo. Al regresar en 1933 a Buenos
Aires realizó una gran exposición con las obras que
traía de Europa, entre ellas collages y
esculturas abstractas, pero debió enfrentar la
incomprensión de la crítica y del
público. Reiteró su propuesta al año siguiente,
con análogo resultado. Pero, sin desanimarse, continuó
su lucha en favor de un arte más a tono con su época, y
siguió exponiendo en Buenos Aires, París y Milán.
En 1958 obtuvo el Premio Palanza, y una distinción especial
en la Muestra Internacional de Bruselas realizada ese mismo
año" (14).
"Con Francisco Parodi nacen las
manifestaciones del arte plástico en La Boca, este
escultor que profesaba el amor al arte, había
llegado a la riviera (se refiere a La Boca), a mediados del
siglo XIX y había puesto su taller a pocos metros de la
casa donde nacería Benito Quinquela Martin"
(15).
Alcides Gubellini nació en Bolonia en 1900.
"Se graduó en la Escuela de Bellas Artes de Bolonia,
estudiando también en Florencia, donde incursionó en el
campo de la escultura. Completó su formación en Roma,
en los talleres de los pintores Spadini y Mestrovich. Adversario
del fascismo, emigró a América en 1928 y se
radicó en Buenos Aires, donde se hizo conocer pronto en la
prensa porteña con sus
dibujos y caricaturas políticas. Con motivo de una
de sus exposiciones, escribió el diario ?La Prensa? en 1946:
"Retratista subjetivo de hondura indiscutible, para quien lo
material vive sólo una idea lejana, que logra ubicar en lo
visible con prescindencia de lo meramente corpóreo?. En 1950
el Salón Nacional de Artes Plásticas otorgó un
premio a su obra ?Marinela?. Cultivó el óleo, la
acuarela, el gouache, y sus terracotas y esculturas, con
cierto matiz caricaturesco, le conquistaron general
reconocimiento. Se dedicó a la docencia y formó a
numerosos artistas argentinos. Murió en Buenos Aires, en
1957" (16).
Libero Badíi nació en Italia en 1916.
"Arribó al país en 1927. Sus primeros aprendizajes
artísticos los adquirió en la marmolería de su
padre. Luego estudió en la Escuela Nocturna de Artes
Decorativas y en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de
la Cárcova (1940-44). En 1941 renuncia al taller de su
padre, con la decisión de dedicar su vida al arte. Ingresa
en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la
Cárcova. En 1944 egresa como profesor de
Escultura".
"Recibe una beca otorgada por la Escuela de Bellas Artes
Ernesto de la Cárcova. En 1945 viaja por América del
Sur, a lo largo de la Cordillera de los Andes, visita Ecuador, Bolivia, Perú, siguiendo
el itinerario del Inca. Entre 1946 y 1947 impresionado por los
motivos americanos, comienza a investigar y desarrollar ideas
sobre bocetos y dibujos sobre su viaje. Se naturaliza argentino.
Trabaja en el taller de J. Fioravanti, en el monumento a la
Bandera y en La Cárcova".
"En 1948 viaja a Europa, donde realiza estudios sobre lo
Gótico y Románico. En 1950 regresa a la Argentina.
Decide definitivamente hacer su vida y su obra en este país.
Comienza la construcción, con la ayuda de un peón y un
albañil, de su Casa
Taller, que bautiza ?Almataller?, en Olivos. Participa en una
exposición colectiva en el Salón Buenos Aires. Realiza
su primera muestra individual en la Galería Plástica.
Obtiene los premios de Dibujo, Salón Buenos Aires,
Escultura, II Salón de Mar del Plata y Ministerio de
Justicia en el Salón Nacional".
"Entre 1951 y 1958 desarrolla, conjuga y adquiere el
concepto artístico tomado de sus dos vertientes, la europea
y la americana. Termina su Casa Taller. Realiza exposiciones
individuales en las Galerías Krayu y Bonino. Recibe el
Segundo Premio de Escultura en el Salón de Rosario, el Gran
Premio de Honor ?Presidente de la Nación Argentina?, en el
XII Salón de Arte de Mar del Plata y el Gran Premio de Honor
en el XLIII Salón Nacional de Artes
Plásticas".
"Viaja a Europa, donde se encuentra con Le Parc y otros
artistas, que le piden que se quede, pero, obsesionado con la
Argentina, contesta: ?Prefiero el sol de Buenos Aires y no este
gris de París?. En 1959 regresa a la Argentina. Recibe el
Premio Palanza. Siente que ha encontrado una identidad. Abandona todo tipo
de influencias y renuncia, mediante un manifiesto, a los
envíos a Salones, renegando de los Premios y
Concursos".
"Entre 1962 y 1964 inicia su labor gráfica, imprime
grabados y efectúa un libro para bibliófilos con 120
títulos. Expone una Retrospectiva en el Museo Nacional de
Bellas Artes y presenta su muestra ?Voces del Pasado? en la
Galería Witcomb. Entre 1965 y 1967 realiza muestras sobre
los poetas Porchia y Macedonio Fernández, en la Galería
Van Riel, y sobre José Hernández, en la Galería
Nexo. Viaja a Francia y a Estados Unidos. Comienza a
desarrollar su teoría de lo
siniestro".
"Durante 1968 y 1971 expone en el Instituto Di Tella,
Galerías Ática y Makarius. Presenta dos exposiciones en
Art Gallery International, una de ellas sobre el poeta Raúl
Gustavo Aguirre. Recibe el Premio Internacional de la Bienal de
San Pablo, Brasil, por ?Los Muñecos?.
En 1972 viaja a Estados Unidos para colocar ?Ave Fénix? en
el Kennedy Center, Washington. Visita México. Realiza exposiciones
en el Museo Nacional de Bellas Artes, ?Labor Gráfica?,
Teatro Municipal General San Martín y Galería
Ática".
"Entre 1973 y 1974 viaja a Canadá, donde expone en
National Library, Ottawa. Presenta técnicas mixtas en el
dibujo, en Galería Serra y ?Los Muñecos?, en el Museo
Provincial de Bellas Artes de Tucumán. 1975: Presenta
Líbero Badii-Vida-Arte, en la Galería Van
Riel".
"Entre 1976 y 1978 expone en el Museo de Arte Moderno de
París ?Esculturas Policromadas 1960-1976?; y en las
Galerías Ática y del Retiro. En 1979 es publicado por
Emecé el libro Arte Siniestro. En 1980 comienza a
dedicarse exclusivamente a la pintura. Expone ?Pinturas
Siniestras? en la Galería del Retiro. Recibe el Gran Premio
Consagración de la Provincia de Buenos Aires. Entre 1982 y
1983 se publican sus libros Frases
Espontáneas y Vivencias. Recibe el Gran Premio
Fondo Nacional de las Artes. Entre 1985 y 1986 expone en la
Galería del Retiro y Galería Tiempo Argentino. En 1987
recibe el Gran Premio Consagración Nacional"
Falleció en Buenos Aires, en 2001. En 2002 se lo
distinguió póstumamente con el Premio Konex de Honor de
Artes Visuales. Diez años antes había recibido el
Diploma al Mérito en Escultura: Quinquenio 1982-1986, y en
1982, el Diploma al Mérito en Escultura Figurativa
(17).
Ferruccio Polacco nació en 1917. "Escultor
autodidacta, realizó numerosas exposiciones colectivas e
individuales, entre otros lugares, en la Municipalidad de Buenos
Aires, en los Museos Sívori, de Arte Moderno y Nacional de
Bellas Artes; en las galerías Van Riel, Art Gallery y
Rubbers. Fuera del país expuso en el Centro Dante y San
Angelo (Italia) y el Saint Patrick (Canadá)"
(18).
Aldo Paparella "nació en 1920 en
Minturno, Provincia Latina, Italia. En
1935 inició
estudios libres en Roma con el pintor Antonucci.
En 1939, llamado a las
armas, pasó a la
campaña de Africa cuando Italia entraba en
la guerra. Fue prisionero en
Francia durante tres años; esta experiencia no dejaría
de influir en su vida y en su obra. En 1947 participa en la Primera
Exposición del Sindicato Provincial de las
Artes Figurativas en el Palacio Venecia,
Roma".
"En 1950
llega a Buenos Aires y comienza su relación con
el medio artístico. En 1955,
formó parte de la Asociación Arte Nuevo, interviniendo
en numerosas exposiciones de orientación abstracta. Hacia
fines de la década del 50 se volcó a la escultura no
figurativa, trabajando con piedra, madera, chapas y materiales de deshecho.
En 1960
obtiene el Gran Premio de Honor en el XIX Salón
de Mar del Plata; y el Premio Escultura Rosa G. de Rodriguez, en
Santa Fe. En 1961 es
invitado a la Exposición Internacional de
Amberes. Participa en la muestra ?Pintura y Escultura Argentina?,
en el Museo de Arte Moderno, San Pablo, Brasil, y en la
?Exposición Internacional de Pintura y Escultura?, en el
Museo Municipal de Arte Moderno de Buenos Aires. En
1962 participa en el Premio
Internacional de Escultura, convocado por el Instituto Di Tella,
de Buenos Aires. En 1963
participa en la ?Exposición de Pintura y
Escultura Actual Argentina?, en el Museo de Arte Moderno de
París. Representa a la Argentina en la VIII Bienal de San
Pablo, Brasil. Participa activamente en numerosas exposiciones
colectivas en el país y en el exterior; realizó
veintiún exposiciones individuales en la Argentina.
En 1969 participa en el
Premio Palanza. En 1970 es
distinguido con el Primer Premio Escultura, en
Tandil, Prov. de Buenos Aires. En 1971 es invitado al Salón de
Escultura de la Compañía. Italo-Argentina de Electricidad. Participa en la XI
Bienal de Middelheim. Sus obras figuran en importantes museos y
colecciones particulares de la Argentina y el exterior.
Muere en 1977, en Buenos Aires" (19).
Antonio Pujìa, "que naciò en Italia en
1929 y tomó la ciudadanìa argentina en 1957,
estudió en las escuelas de Bellas Artes Manuel Belgrano,
Prilidiano Pueyrredòn y Ernesto De la Càrcova. Troiano
Troiani, Alberto Lagos, Alfredo Bigatti y Josè Fioravanti
fueron sus maestros. Fundó el taller de escultura
escenográfica del Teatro Colòn. Entre sus distinciones
figuran los grandes premios municipal (1959), nacional (1960) y
Palanza (1954). Es Caballero al mérito de la República
Italiana desde 1982 y Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos
Aires desde 1992" (20).
En 2003, "Antonio Pujìa muestra una antologìa
de sus esculturas en homenaje a Rogelio Yrurtia, en la casa de
Belgrano que éste donó un año antes de morir con
muebles, obras de arte y todo. (…) La selecciòn abarca
cuatro décadas" (21). En el catálogo de la muestra,
expresa: "Siempre entro emocionado a esta Casa Museo, en ?puntas
de pie?, de la misma forma que en un ya lejano día de 1948,
con Arnoldo Montini mi compañero de estudios, de la mano de
Ernesto Scaglia, pasador en yeso, preferido por el Maestro
Yrurtia, por su excelencia. A las órdenes de él,
realizamos y montamos varios calcos de algunas de sus obras, como
su famoso ?Moisés?, por ejemplo, y también otras
restauraciones, siempre con la atenta mirada y cuidadoso control del Maestro. A partir de
allí y hasta su fallecimiento en 1950, lo seguí
frecuentando y en cada encuentro tuvo palabras y gestos, sabios
consejos y regalos que atesoro y valoro con tanto cariño.
Hoy entro una vez más, trayendo, en honor al maestro una
colección de mis trabajos, como hijo que rinde cuenta ante
su padre por la herencia recibida. Preciosa!
Grandiosa esta herencia que nos ha legado, no sólo con su
genial obra; también nos dejó su ética de hombre-artista, y
esta hermosa casa conteniendo sus bienes, su colección de
arte, comenzando por las bellas pinturas de su esposa Lía
Correa Morales, hija de otro grande del arte y maestro de
Yrurtia: Lucio Correa Morales. Con gratitud y humildad brindo
este homenaje a Yrurtia, y propongo un gran
reconocimiento-homenaje a nivel nacional, el que le debemos los
artistas y el pueblo de nuestro País" (22).
Blas Gurrieri nació en el pueblo de Conza,
provincia de Raguna, "y llegó al país cuando tenía
18 años. Su padre lo alentó en su carrera como artista.
Fue Jefe del Departamento de Monumentos y Obras de Arte de la
Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, donde se jubiló,
y vive en Villa Urquiza. Realizó piezas sobre figuras
destacadas de la historia, la ciencia y la música".
"Al ingresar al living un busto de bronce domina la
escena desde un rincón. "Es el retrato de mi papá, que
se llamaba José. Le debo mi carrera porque cuando
terminé la escuela toda la familia y los amigos
opinaban qué estudio debía seguir. ?Tiene que ser
sastre?, decía alguien. ?No, tiene que ser doctor?,
proponía otro", recuerda Gurrieri. Hasta que el gran
patriarca Don José, con una sabiduría a prueba de todo,
cerró el debate. "Biaggio (por Blas)
será lo que él quiera". Entonces ingresó a la
Escuela de Bellas Artes e inició el camino que le da
felicidad, el de su vocación.
El artista afirma que la pasión por la escultura le
viene desde muy niño, cuando observaba a su tío
trabajar el mármol, ya que en el pueblo había muchas
canteras y no era raro el contacto con la piedra. "A mí me
gusta modelar la arcilla porque te da mayor libertad creativa. En cambio, la piedra no permite
muchos cambios. Es como si mandara ella", confiesa"
(23).
Beatriz Cazzaniga nació en Milán en
1941. "Licenciada en Artes Plásticas en la Universidad de
Tucumán, es profesora titular de Historia del Arte en la
Universidad Nacional del Norte ?Santo Tomás de Aquino?.
Becada por el Instituto de Cultura Italiana y la
universidad tucumana, realizó estudios de perfeccionamiento
en 1981-82 en técnicas de fundición de bronce"
(24).
Una noticia publicada recientemente en Diario de
Cuyo, de San Juan, se refiere a Cazzaniga: "La única
obra que hay en la provincia de la famosa pintora y escultora
tucumana, Lola Mora, está en la plaza General San
Martín, que está en Jáchal. Se trata de la estatua
de Francisco Narciso Laprida y que ahora será restaurada
porque el mármol de carrara, material con el que se
construyó, fue pintado en sucesivas oportunidades con
esmalte sintético. La tarea fue encarada por la Universidad
Nacional de San Juan, la Universidad de Tucumán y la
Municipalidad de Jáchal. La restauración estará a
cargo de Beatriz Cazzaniga, una especialista tucumana, que ya
observó personalmente la estatua antes de empezar la tarea,
el pasado 26 de julio. En esa oportunidad, extrajo muestras de
las capas de pintura para someterlas a un análisis. Eneida Roso,
directora del Centro de Creación de Artes Visuales y Museo
Tornambé explicó que el objetivo de la
restauración es sacar todas la capas de pintura para que
quede al descubierto el color del mármol original. "Antes de
empezar a limpiar debemos encontrar el compuesto químico
más apropiado porque si el limpiador es muy ácido
dañará al mármol y eso lo deteriorará y la
escultura podría perder parte de sus detalles", dijo Roso.
(…) Beatriz Cazzaniga es la artista ítalo-argentina que se
encargará de restaurar la obra de Lola Mora. La mujer se especializó en
restauraciones en el Instituto di Restauro, en Roma. Con quince
años de trayectoria en la restauración del arte,
Cazzaniga ya se encargó de restaurar otras dos obras de Lola
Mora que se encuentran en las provincias de Tucumán y en
Jujuy" (25).
"Eduardo Pla es un polifacético artista
ítaloargentino que ha incursionado en la pintura, la
escultura, el cine, la computación, entre otras
tantas disciplinas" (26). "(…) ha realizado numerosas muestras
individuales y colectivas en Europa y Estados Unidos, obteniendo
premios en Milán, New York y Venecia. Radicado en Argentina
desde 1995 realiza muestras personales en el Palais de
Glace, Centro Cultural Recoleta, Centro Cultural Borges y en el Museo de Bellas
Artes. Sobre sus últimos trabajos Jorge Glusberg comenta.:
?El arte de Pla refiere virtualidades, el suyo es un arte de lo
virtual. Y si es cierto que todo arte encierra un componente de
virtualidad, una vocación y una decisión de
virtualidad, las obras de nuestro artista hacen de lo virtual el
todo y las partes, el sistema y el producto, la idea y la
expresión, el medio y el mensaje, la forma y el fondo.
Elabora así lo que puede ser y lo convierte y lo convierte
en lo que es, alude a lo posible y lo materializa, lo evidencia.
Por eso Pla se adelanta, en su condición de artista , a
formular la exigencia en nombre de la sociedad ,
traduciéndola en términos de creación estética, en
términos de poesía, la lengua mas recóndita y
fértil del ser humano? (27).
" ?El sueño de la esfera?, así se llama la
escultura metálica de 2,5 metros de diámetro y cubierta
de luces de neón que, desde 2002, los transeúntes se
cruzan en Puerto Madero. No fue la primera ni la última vez
que la obra de Pla se integró a la vida cotidiana de una
ciudad. En 2001, una esfera de seis metros navegó un
río de Porto Alegre. Otros recuerdan la instalación
móvil en Punta del Este, el verano pasado: una
reinterpretación de La Gioconda. O la
megainstalación ?Eschermanía?, un octaedro gigante de
216 m3, homenaje al famoso artista holandés"
(28).
Notas
- Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Buenos Aires, Clarìn,
2002. - Gutiérrez Zaldívar, Ignacio: Pablo
Curatella Manes 1891-1962. Catàlogo de la muestra
realizada en Zurbaràn en 2004. - S/F: "San Nicolás", en
"ArgentinaTotal". - S/F: "Monumento al Gral. Juan G. de Lavalle", en
"Escritorio/m_lavall". - S/F: "Estatua del Dr. Mariano Moreno", en
"Historia". - Petriella, Dionisio y Sosa Miatello, Sara:
Diccionario biográfico ítalo-argentino. Buenos
Aires, Asociación Dante Alighieri, 1976. En
www.dante.edu.ar. - ibìdem
- S/F: "Buenos Aires, Obelisco, Florida Avenida. de
Mayo Congreso". - Glusberg, Jorge: "Historia del Museo Nacional de
Bellas Artes", en "MNBA- Indice por artista". - Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Buenos Aires, Clarìn,
2002. - S/F: "Instalaciones y equipamientos en las plazas del
Congreso". Centro Argentino de Ingenieros. En "Instalaciones y
equipamientos en las Plazas del Congreso". - Petriella, Dionisio y Sosa Miatello, Sara: op.
cit.. - Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Tomo III. Buenos Aires, Clarìn,
2002. - S/F: "Juan Del Prete", en
www.therartgallery.com.ar. - Skovgaard, Carlos: "Italianos en
Argentina". - Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Tomo III. Buenos Aires, Clarìn,
2002. Petriella, Dionisio y Sosa Miatello, Sara: op.
cit.. - Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Tomo III. Buenos Aires, Clarìn, 2002
/ S/F: "Libero Badii" /. S/F: "Premios Konex", Fundación
Konex. - Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Tomo III. Buenos Aires, Clarìn,
2002. - ibídem / S/F: "Aldo Paparella-biografía".
- Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Tomo III. Buenos Aires, Clarìn,
2002. - Galli, Aldo: "Pujìa antològico", en La
Naciòn, Buenos Aires, 30 de marzo de 2003. - Pujía, Antonio: en el catálogo de la
muestra "Homenaje al maestro Rogelio Yrurtia". Buenos Aires,
Marzo-Abril de 2003. - Artola, Daniel: "EL ESCULTOR BLAS GURRIERI SE
DEFIENDE DE LOS DICTADOS DEL MERCADO "El arte es
sagrado", en El Barrio Periódico de Noticias,
Buenos Aires, Diciembre de 2005. En
www.periodicoelbarrio.com.ar. - Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Tomo III. Buenos Aires, Clarìn,
2002. - S/F: "Restaurarán una estatua realizada por Lola
Mora", en Diario de Cuyo, San Juan, 9 de agosto de
2005. - S/F: "Tecnoarte", en Clarín Viva, Buenos
Aires, 19 de noviembre de 2000. - S/F: "Biografía", en www.argentina.artealdia.com.
- Iscaro, Natalia (texto): "Eduardo Pla
Vocación de innovador, alma de explorador /
Innovator by vocation, an explorer at heart", en
Aerolíneas Argentinas Magazine, Enero
2006.
Fenia Cherktoff de Repetto nació en Rusia en 1869. "En 1894, viuda
y con una niña, estaba instalada en la colonia Santa Clara,
de la provincia de Entre Ríos (…) Falleció en Buenos
Aires el 31 de mayo de 1928" (1).
Sobre la vida y la obra del artista ruso Stephan
Erzia, escribió Ignacio Gutiérrez Zaldívar. En
su libro Erzia, leemos: "En el mes de abril de 1927
Stephan Erzia, con 50 años de edad, llegó a la
Argentina. El Presidente de la Nación Marcelo Torcuato de
Alvear, que lo conoció y admiró en París
facilitó su entrada al país. Así lo expresó
el artista en una carta dirigida al Ministro de
Educación de Rusia, en mayo
de ese mismo año: ?Acá en Buenos Aires, me recibieron
muy bien, tienen gran interés por el arte ruso.
Quiero hacer acá una gran exposición que se abrirá
a principios de junio. Los
críticos de arte me ofrecieron un muy buen lugar para la
exposición en forma gratuita y hasta el Presidente de la
República aceptó estar en la inauguración.
Nosotros llegamos primero a Montevideo, sin tener la visa para
entrar en la Argentina, pero la prensa nos dio tanta atención que recibimos
muchas invitaciones?. Erzia, pensaba quedarse aquí una corta
temporada, pero finalmente se radicó por 23
años…
Aquí descubrió, al poco tiempo de llegar, la
madera que se convirtió en su material predilecto para sus
esculturas: el quebracho, que venía desde el Chaco para ser
utilizado como combustible de las cocinas y calderas porteñas; madera
que por su dureza fue bautizada por los ingleses como ?hulla
roja?. Dijo el artista en una nota publicada en la revista
?Aquí está?, en abril de 1938: ?Adiviné al
instante las posibilidades que ofrecía para la escultura. La
variación de sus coloraciones, rojo, negro, blanco, dan a
las figuras un encanto especial?? " (2).
Rafael Squirru escribió en La Nación, a
propósito de la muestra que tuvo lugar en mayo de 2003: "Con
el auspicio de la embajada de Rusia que preside el embajador
Evgeny Astakhov y su esposa Elena, y con la curaduría de
Ignacio Gutiérrez Zaldívar se presenta esta importante
muestra de esculturas de Stefan Erzia, un maestro ruso que
vivió 23 años en la Argentina. Stefan Dimitrievich
Nefedov nació en 1876 en Baiervo, 600 kilómetros al
sudeste de Moscú.
En los comienzos de su carrera de artista adoptó el
nombre de Stefan Erzia, en honor a la etnia a la que
pertenecía. La suya era una familia modesta de campesinos
(mujics) y sus primeros años trabajó como carpintero,
junto a su hermano mayor. Su talento despuntó temprano y fue
así como ingresó en la Academia de pintura,
arquitectura y escultura de Moscú, donde tuvo entre otros de
profesor al notable escultor ruso Pablo Troubetzkoy, su más
importante influencia. Después de una estada en Italia,
recaló en París hasta la guerra del 14 cuando
volvió a Rusia, desempeñando importantes cargos en la
enseñanza. Luego
retornó a París donde tuvo entre otros mecenas a
Antonio Santamarina. Allí conoció al presidente Alvear
y fue invitado a exponer en Buenos Aires. Su visita a nuestro
país, que programó como corta estada, duró 23
años" (3).
Notas
- Sosa de Newton, Lily:
Diccionario Biográfico de Mujeres Argentinas.
Buenos Aires, Plus Ultra, 1986. - Gutiérrez Zaldívar, Ignacio:
Erzia. Buenos Aires, Zurbarán Editores,
2003. - Squirru, Rafael: "Maderas que viven", en La
Nación, Buenos Aires,4 de mayo de 2003.
Pablo Podestá esculpía. En sus memorias, tituladas Desde
ya y sin interrupciones, María Esther Podestá
destaca que de los Podestá actores, el único que debe
ser considerado argentino por derecho de suelo es su abuelo, Jerónimo
Bartolomé. Los demás nacieron en Montevideo, adonde
había marchado la pareja de inmigrantes ligurinos,
atemorizada por el rumor de un degüello de "gringos" durante
el gobierno rosista. "La familia permaneció en Montevideo
desde 1851 ?dice María Esther-, y allí nacieron mis
tíos abuelos Pedro, José Juan (Pepe), Juan Vicente,
Graciana, Antonio Domingo, y Cecilio Pablo, quien
artísticamente suprimiría su primer nombre.
Nos habla de Pablo, quien prodigaba su talento en
diversos campos del arte: "Pero no fue sólo como actor,
cómico o dramático, que Pablo Podestá
proyectó su singular personalidad artística.
Hacia 1910, hallándose en gira por el interior del
país, estrenó con su compañía, en el Olimpo
de Rosario, una obra titulada Miseria, de la que era
autor. También le pertenecía la música que
completaba la pieza. Asimismo, había pintado el decorado. Es
decir que simultáneamente fue autor, músico, pintor y
actor, hecho no muy frecuente en el mundo del teatro. Del
músico que era Pablo son difíciles de olvidar los
acordes que compuso para el estilo de La piedra del
escándalo, sobre los versos románticos de
Martín Coronado. También Pablo esculpía con
facilidad. Se conserva en el Museo del Teatro el busto que le
hizo de niña a Eva Franco, en 1917, cuando las
representaciones de Con las alas rotas, de Emilio Berisso"
(1).
Carmelo Arden Quin "Nace el 16 de Mayo de 1913 en
Rivera (Uruguay) con el nombre de Carmelo Heriberto Alves. Antes
de llegar a la Argentina a fines de la década del ?30, vive
en Brasil y Uruguay. Es poeta y escritor político; en 1944
junto a un grupo de artistas entre los cuales se destacan: Torres
García, Lidy Prati, Hlito, entre otros, inicia su labor
teórica al elaborar y publicar la revista "Arturo" de artes
abstractas. Al año siguiente los animadores de dicha revista
se dividen y Arden en compañía de Martín Blaszko,
Rothfuss y Gyula Kosice instauran el movimiento Madí que
edita, entre los años 1947 y 1950, la revista "Arte
Madí". En 1948 lleva el Madismo a París; luego retorna
a Buenos Aires en 1955, donde organiza con el poeta Aldo
Pellegrini, la "Asociación Arte Nuevo", que reúne
artistas geométricos y abstractos. Finalmente en 1956 parte
a París. Sus pinturas y esculturas realizadas
preferentemente en planchas finas de madera o metal son de
variadas formas y en sus superficies planas o curvas introduce
dibujos de líneas geométricas" (2). Escribe Alberto
Giúdici: "El 5 de septiembre de 1945, en un destacado
recuadro, el semanario Orientación, órgano del
Partido Comunista Argentino, celebraba la afiliación de ?los
artistas y escritores del movimiento de arte concreto?. El
documento estaba suscrito por Edgar Bayley, Manuel Espinosa,
Claudio Girola, Alfredo Hlito, Tomás Maldonado y Aldo Prior.
También estaban ligados a las filas partidarias los hermanos
Lozza, el poeta Simón Concretas, el uruguayo Carmelo Arden
Quin, flor y nata del movimiento Arte Concreto-Invención que
había irrumpido un año antes en Buenos Aires. Los
firmantes veían que ?el pensamiento marxista-leninista
exalta la grandeza y la capacidad realizadora del hombre y niega
las ficciones que, en todos los campos, lo humillan y
esterilizan?. En marzo de 1946, durante su primera muestra en
Peuser, dan a conocer el Manifiesto Invencionista"
(3).
Notas
- Podestá, María Esther: Desde ya y sin
interrupciones. Buenos Aires, Corregidor,
1985. - S/F: "Biografía", en www.oniescuelas.edu.ar.
- Giúdici, Alberto: "Razones políticas de
posturas estéticas", en Clarín, Buenos
Aires, 16 de agosto de 2003.
El arquitecto Oscar Roberto Maisonave, director del
museo "Casa de Yrurtia", se refiere a la vida y la obra del
escultor descendiente de inmigrantes.
"Rogelio Yrurtia naciò en Buenos Aires el 6 de
diciembre de 1879. Sus padres, naturales de la provincia de
Guipùzcoa, España, fueron don Antonio Yrurtia y
doña Joaquina Ciriaco. Realizò sus primeros estudios de
escultura en casa de un santero, ingresando en el año 1898 a
la Escuela de la Sociedad Estìmulo de Bellas Artes, de donde
pasò muy pronto al taller del maestro Lucio Correa Morales.
En 1899 obtuvo por concurso la primera beca de perfeccionamiento
instituida por el Gobierno Nacional, a travès del Ministerio
de Instrucciòn Pùblica, para realizar estudios en
Europa. (…) Durante su permanencia en Europa, que se
extendiò por cinco años, realizò su primera obra
de aliento, el grupo de seis figuras titulado ?Las Pecadoras?,
expuesto en el Salòn de Parìs de 1903; el Jurado lo
ubicò en un sitio de honor cerca de las obras de
Rodin".
En nuestro paìs, "En 1904 ejecutò el monumento
al Dr. Alejandro Castro para el Hospital de Clìnicas. En
1907 se le adjudica por concurso el monumento al Coronel Dorrego
y la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires le encarga el
grupo ?Canto al Trabajo?. En 1909 se presentò al Concurso
Internacional del Centenario para el Monumento a la
Revoluciòn de Mayo, con una maqueta con la que obtuvo el
segundo premio. (…) Entre 1916 y 1936 realizò el imponente
cenotafio destinado al presidente Bernardino Rivadavia, el grupo
?Combate de Box?, emplazado actualmente en los jardines del
Museo, y la estatua ?Justicia?, que le encomendara el Dr. Carlos
Delcasse, su gran amigo, para su sepulcro en el cementerio de
Vicente Lòpez. En 1959 se hizo de la misma una rèplica
en bronce para el Palacio de Tribunales en esta
capital.".
"Fue profesor de escultura en la Escuela Nacional de
Bellas Artes, miembro de la Comisiòn Nacional de Bellas
Artes y Acadèmico Titular de Bellas Artes. Tienen obras
suyas los museos de Moscù, Barcelona, Rìo de Janeiro y
en la Argentina los museos Nacional de Bellas Artes, Municipal
Eduardo Sìvori y los provinciales de Santa Fe, La Plata,
Rosario, San Juan y otros. (…) muriò en Buenos Aires el 4
de marzo de 1950" (1).
A criterio de Bonifacio del Carril, de la Academia
Nacional de Bellas Artes, "Rogelio Yrurtia es uno de los
escultores argentinos màs importantes y representativos de
la primera mitad del siglo XX. La vigorosa fuerza expresiva, la
escrupulosidad del detalle y la belleza intrìnseca de sus
creaciones son verdaderamente notables. Varias de sus obras
maestras, en distintos lugares de la ciudad, evocan la calidad de
sus trabajos y la perennidad de su obra: la estatua de Dorrego,
el Canto al Trabajo, el Moisès del mausoleo de Rivadavia, la
cabeza de Alfredo Palacios" (2).
Francisco Cafferata nació en Buenos Aires en
1861; falleció en Adroguè en 1890. Fue uno de los
precursores de la escultura en el país, se abocò a la
temática histórica. Realizó el monumento al
almirante Gfuillermo Brown, inaugurado en 1886 y actualmente
emplazado en Adrogué, partido de Almirante Brown.
También realizó las estatuas de Rivadavia, Belgrano y
Moreno. En el conjunto de su obra se destaca el bronce El
esclavo, de notable fuerza expresiva" (3).
"En 1888 llegó a la Argentina Antonio
Curatella (1852-1922) de 36 años de edad, junto a su
mujer Clara Manes y sus cuatro hijos: Rosa, José,
Francisco y Horacio. (…) Aquì nace su quinto hijo,
Marìa Antonieta y el 14 de diciembre de 1891, a las 11 de la
noche, nace Pablo, quien serìa uno de los mayores
escultores de la historia del Arte de los Argentinos"
(4).
"Como dice tan acertadamente José León Pagano
en su Historia del Arte Argentino, Curatella Manes ha tenido el
destino poco envidiable de ser un solitario en su ambiente, siempre más
dispuesto a escuchar las voces profundas de sus intuiciones que
los consejos de sus maestros. Bien se vio eso en la escuela y
bien duramente se le hizo sentir, pues se lo expulsó de la
Academia de Bellas Artes. Esta medida no constituyó para
él una catástrofe. Fue acogido como en su propia casa
por maestros como Dresco y Correa Morales, con los que
aprendió el ABC del oficio de escultor, colaborando a menudo
en la ejecución de monumentos que ornan la ciudad de Buenos
Aires.
Uno de los grandes escultores de la época se
divertía con este adolescente, siempre pronto a la
crítica. Un día, ese gran maestro, impacientándose
por tanta presunción, le dijo: "Pero enséñeme una
escultura que le satisfaga". Y el joven Curatella Manes le
mostró triunfalmente una máscara azteca. "Pero Pablito,
le replicó el gran maestro, eso no es una escultura, es un
fetiche". Entonces el joven Pablito comprendió que
debía buscar su camino solo y por otros rumbos. Toda la
historia de la ingeniosidad que desplegó para poder irse a
Europa valdría la pena de contarse: cómo pudo ver al
Presidente de la República (entonces Victorino de la Plaza),
entregarle una medalla que había modelado y hecho fundir en
oro… Fue así como obtuvo la primera beca para un viaje a
Europa, 1921, donde esperaba encontrar la respuesta a sus
intuiciones".
"Este primer viaje hubiera podido ser un fracaso.
Instalado en Florencia, pronto se dio cuenta de que la
enseñanza tradicional, de la que pensaba haberse escapado,
amenazaba con acapararle de nuevo. Inmediatamente decidió
visitar los museos de Europa. Esta independencia no se
permitía a los becarios, pero prefirió correr el
riesgo de perder todo antes de
perderse a sí mismo. Felizmente, un hombre inteligente, el
pintor De la Cárcova, que tenía a su cargo el control
de las actividades de los becarios, se mostró comprensivo
con el jóven escultor y defendió su causa.
Cuando Curatella Manes se instaló en París, no
dirigió sus pasos hacia la Escuela de Bellas Artes, sino
hacia los talleres libres: Maillol, Maurice Denis, Sérusier,
Lhote y sobre todo Bourdelle. Con este último maestro pudo
desprenderse de las tiranías del modelo, considerar la
escultura como una arquitectura, desligarse de los refinamientos
del oficio, en provecho de una búsqueda estructural del
conjunto. En 1920 vuelve a París por tercera vez, ignorando
en aquel momento qué circunstancias imprevistas le
obligarían a quedarse en la capital francesa durante treinta
años consecutivos".
"No podía prever que iba integrándose al medio
artístico por las amistades que anudó con artistas de
primer plano; al medio francés por su matrimonio, y al medio
diplomático porque a pedido de Bourdelle el Presidente
Alvear lo nombró Canciller en la Embjada Argentina en
París, para permitirle continuar su obra escultórica
por la vía independiente que se había
trazado".
"La suerte le favorece, establece lazos de amistad con varios artistas,
particularmente con Juan Gris. Este último le aportará
una revelación decisiva al ejecutar frente a él un
pequeño personaje de cartón plegado y articulado, que
contiene lo esencial de la escultura. Con esta nueva
comprensión de los planos y de la luz compone El
Guitarrista, El Acordeonista, El hombre del
Contrabajo, Ninfa Acostada y algunos desnudos. Poco
después una escultura, Los Acróbatas, inspirada
por un espectáculo de circo, le abre nuevos horizontes sobre
la posibilidad de aligerar la materia. Icaro, La
Danza, Rugby, Santa Profeta, traen a la
época una comprensión nueva: la escultura no ocupa un
espacio, recorta el espacio, incorpora el espacio. Mucho
después se dará a tales obras el calificativo de
espaciales".
"Por esa razón numerosas obras que hubieran podido
constituir temas para desarrollar no pudo ejecutarlas por falta
material de tiempo; por lo tanto, la obra de Curatella Manes debe
juzgarse teniendo presente esa doble actividad. El primer
período de adaptación es bastante duro; durante cerca
de dos años no concurre a su taller. Cuando reanuda, realiza
Las Tres Gracias que fue para él una especie de test después de tanto tiempo
sin trabajar. Es la razón por la cual Las Tres Gracias se
proyecta como una obra aislada, sin nexo con las anteriores ni
con las posteriores.
Después del período 1930-1940 sus obras se
caracterizan por la liberación completa de toda
inspiración naturalista, busca sólo relaciones de
volúmenes, articulaciones de planos y sobre
todo estructuración. Un punto de historia falta por
dilucidar. En 1947, presintiendo que iba a ser llamado a Buenos
Aires definitivamente, quiso comunicar a su país su fe en el
futuro de sus artes plásticas, y deseando que en la capital
argentina se creara un Museo de Arte Moderno, hizo donación
de 31 originales de entre sus obras más importantes,
esperando que su gesto provocara otros entusiasmos y otras
donaciones. Pero luego se demostró que los tiempos no eran
propicios; sólo en 1955 se aceptó esta donación
por decreto".
"En 1962 una exposición de las esculturas de
Curatella Manes del período parisiense 1921-1946 se
organizó en París en la Galería Creuze, juntamente
con las obras de treinta argentinos de la nueva generación.
Aquellos escultores que vinieron veinte o treinta años
después ya no marchaban a ciegas, las horas difíciles
habían pasado. Como ha dicho Le Corbusier, cuando
visitó esa exposición: ?Ahora el camino está
abierto? " (5).
Acerca de una de sus obras, afirma Rosa Faccaro: "La
obra Los acróbatas, fechada en 1923, posee las
características que van a definir las futuras producciones
del artista. Un proceso que, partiendo de la figuración, se
dirigirá hacia la abstracción con ciertos planteos
estructurales inspirados en el cubismo y el futurismo. En las
obras de este período, el autor utiliza el elemento
básico del lenguaje de la
abstracción que ponderará Kandinsky: el plano"
(6).
José Fioravanti nació en Buenos Aires
en 1896; falleció en esta ciudad en 1977. Fue uno de los
más destacados escultores argentinos, autor de monumentos,
bustos y bajorrelieves. Se inició a los 12 años y, en
1912, expuso por primera vez en el Salón Nacional de Bellas
Artes. En 1919, con su obra Mi hermana María,
ganó el primer premio otorgado por ese Salón Nacional.
En 1924 viajó a Europa y expuso en el Museo de Arte Moderno
de Madrid. Realizó numerosos
monumentos, como los de Nicolás Avellaneda, Simón
Bolívar, Rubén Darío y, en
colaboración con Alfredo Bigatti, las estatuas del Monumento
a la Bandera de Rosario. Fue profesor de la Escuela Superior de
Bellas Artes Ernesto de la Cárcova. Expuso en el Jeu de
Paume de París, siendo elogiado por Waldemar George y
Drieu La Rochelle, lo que significó su reconocimiento
internacional. En 1937 obtuvo la medalla de oro en la
Exposición Internacional de París y el Gran Premio
Adquisición de la Comisión Nacional de Cultura. En 1957
fue galardonado con la medalla de honor del International Fine
Arts Council. En total, realizó ocho bustos de
presidentes argentinos para la Casa de Gobierno y los de Leopoldo
Marechal y Manuel Mujica Láinez, entre los de otros
escritores" (7).
"En 1896 nace en Buenos Aires Lino Enea
Spilimbergo, hijo de Antonio Enea Spilimbergo y María
Giacoboni inmigrantes italianos. Cursó estudios en la
Sociedad de Educación Industrial. Escuelas Técnicas
Profesionales y en la Academia Nacional de Bellas Artes
"Prilidiano Pueyrredon?. En 1920 comienza con los envíos al
Salón Nacional. En 1923 "Seres Humildes", obtiene el Tercer
Premio Nacional de Pintura. Realizó con David Alfaro
Siqueiros el mural "El Ejercicio Plástico" en la quinta de
Natalio Botano en Don Torcuato, colaborando en el mismo Berni,
Lázaro y Castagnino. "Naturaleza Muerta" de 45 x 90
cm del año 1932 y obtiene el Primer Premio Nacional de
Pintura. Ejerce como Profesor de Pintura hasta 1939 en el
Instituto Argentino de Artes Gráficas, como Profesor
de Dibujo y Pintura hasta 1948 en la Escuela Nacional de Bellas
Artes "Prilidiano Pueyrredon", como Profesor de ¨Dibujo de
Taller¨, Escuela de Bellas Artes, de la Universidad Nacional
de La Plata, como Profesor de Dibujo, Pintura y Composición,
en el Taller de Pintura del Instituto Superior de Arte de la
Universidad Nacional de Tucumán, que organiza y dirige. Es
nombrado el 15 de mayo de 1956, Académico de Número de
la Academia Nacional de Bellas Artes. En 1964 regresa desde
París a Buenos Aires. Viaja a Unquillo en la Provincia de
Córdoba, donde fallece el 16 de Marzo" (8).
En 1921, Spilimbergo "por recomendación médica
pide el traslado en el Correo a San Juan, con un clima más seco, y se instala
en Desamparados el 28 de noviembre. Permanece en esta Provincia
hasta el 18 de septiembre de 1924. Su primera exposición la
realiza este año en San Juan. También realiza una serie
de Esculturas".
Leo Vinci, Maestro de la Escultura Argentina y
Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, "Nació en
Buenos Aires en 1931. Egresó de la Escuela Nacional de
Bellas Artes Ernesto De la Cárcova. Patrocinado por el Fondo
Nacional de las Artes, realizó un viaje de estudios por
Europa. Desde el año 1962 hasta 1976 ejerció la
docencia en las Escuelas Nacionales de Bellas Artes Manuel
Belgrano y Prilidiano Pueyrredón. En 1989 es designado
Comisario del Envio Argentino a la Bienal de Venecia, Italia"
Entre sus premios, cabe destacar el Primer Premio Salón
Municipal Manuel Belgrano, Museo Eduardo Sívori, Buenos
Aires (1996), Gran Premio de Honor, LXXVI Salón Nacional de
Artes Visuales (1987), y el Segundo Premio de Escultura
Salón Nacional de Artes Plásticas (1976). En 1983
"Inagura el Monumento al Inmigrante en la Ciudad de Arrecifes,
Pcia. de Buenos Aires. Es co-fundador y vicepresidente de
Fundart, Fundación dedicada a la integración de las
Artes.
En 1989 es seleccionado para ubicar una obra de gran
tamaño en forma definitiva en la Casa Rosada. Posee el
taller de enseñanza de escultura más grande del
país al que concurren alumnos y becarios nacionales y
extranjeros. Realizó 30 exposiciones individuales y 80
exposiciones colectivas en la Argentina y el extranjero". En 1997
"Realiza una mega-exposición retrospectiva en Salas
Nacionales de Artes Visuales Palais de Glace. Es declarado
Ciudadano Ilustre por el Honorable Consejo Deliberante de la
Ciudad de Buenos Aires" (9).
"Siempre sorprende a sus alumnos cuando asegura, muy
serio, que no hay ninguna diferencia entre un mosquito y un
elefante, porque la naturaleza crea formas a partir de leyes lógicas y entonces
poco importa que el producto sea una ballena azul, una mata de
pasto o una galaxia, todas tienen la misma estructura. ?Y el artista debe
encontrarse con esas leyes para que lo suyo sea realmente una
obra de arte. De lo contrario, podrá ser muy ingeniosa, pero
no tendrá la fuerza de lo que está vivo?, aclara el
escultor Leo Vinci, sentado en medio de su taller de la calle
Alvarado, en La Boca, mientras corrige las pruebas del libro El lenguaje de la
escultura, donde desarrolla sus ideas acerca de la
creación artística. Fanático, además, de
Astor Piazzolla y de Aníbal Troilo, miembro de la Academia
del Tango y ciudadano ilustre de
Buenos Aires, sostiene que siempre quiso ser artista y que
dibujó desde muy chico. ?Un día, cuando estaba en
primer grado (iba a una escuela de La Paternal) y mi maestra, la
señorita Capecce, nos mandó dibujar una viñeta que
había en el libro de lectura Veo y leo. La
recuerdo como si fuera hoy: era un chico sentado en la arena, con
un traje de baño colorado y un balde. Al día siguiente,
cuando le llevé el dibujo, la maestra me advirtió:
Dije dibujar, no calcar. Quiero hablar con su padre. (…)
Yo era muy tímido y miedoso. Se lo conté a mi padre,
pero lo extraño es que mi maestra, lejos de quejarse, le
dijo: Su hijo tiene muchas condiciones para el dibujo,
recuérdelo. Fue todo, pero a partir de ese día,
sentí como si mi padre me probara todo el tiempo, para ver
si realmente tenía condiciones" (10).
Hija de un italiano, "Margarita Fragnito
nació en Buenos Aires ? Argentina, donde inició sus
estudios de artes plásticas con el maestro
austro-húngaro Rafael Sceczi y luego con maestros de
Argentina, Chile, Brasil, Venezuela, China, Inglaterra, Indonesia, Italia y
Japón. Sus técnicas
incluyen tintas y aguadas, jaspeado, acuarela, bajo relieve, papel hecho a mano,
fileteado, máscaras venecianas y esculturas. También
realiza investigaciones sobre
aborígenes y afroamericanos, la historia de la moda, simbología de Borges y
Gauchos del río de la Plata.
Con los pueblos aborígenes de las Américas ella
adquirió un profundo conocimiento de la
sabiduría cósmica. Este conocimiento lo transformó
en imágenes visuales de los aborígenes, símbolos y leyendas que trascienden
Tiempo y Espacio. Usando vibrantes colores como imagen pura. Margarita posee la
visión de un universo sin limitaciones de
tiempo, razas, geografía, cultura o lenguas. (…) Es
curadora y organizadora de eventos artísticos y de
intercambio cultural con diversos países. En 1997 y 1998 fue
Curadora de la Subasta de Arte Internacional a beneficio de la
Clínica Whitman Walker. También ha presentado su
trabajo escrito "La
Inescrutable Condición del Ser" en el XXIII Congreso
Internacional LASA 2001 en Washington DC. Sus obras se encuentran
en colecciones privadas en las América, Asia y Europa" (11).
"Guiora (Jorge) Reichler es actor, poeta y
arquitecto. En Argentina, su país de origen, fue uno de los
fundadores del Teatro Artea, miembro de la Comisión
Directiva de la Comunidad Judía de Buenos
Aires y participante en la creación del Ateneo Martín
Buber. Publicó poemas en su juventud y colaboró en
el periódico ?Nueva
Sión?. A su llegada a Israel decidió asentarse,
como acto de afirmación ideológica, en Karmiel,
entonces un pequeño poblado de la Galilea. Fundó
allí, junto a otros, el Teatro Tzavta, que actuó con
éxito durante diez
años. Como arquitecto, tuvo parte activa en el proyecto y
construcción de más de sesenta nuevas poblaciones en la
Galilea. Como artista plástico, sus esculturas en cemento,
madera y metal, así como pinturas y dibujos, participaron en
múltiples exposiciones en Israel y en el exterior. Ha
escrito poemas, cuentos y obras teatrales, en
hebreo y castellano. Publica en las
antologías poéticas Voces de la Galilea, en
revistas literarias ?Shevo, Publicaciones de Even
Joshen– y cuentos y poemas en castellano en la
Revista de Oriente y Occidente" (12).
En uno de sus poemas se refiere a la escultura: "Y firme
como una escultura/ estaba el poeta/ balbuceando palabras de
desprecio.// Gritar verdad/ veredicto muerte.// Callar/ veredicto
muerte también.// Y firme como una escultura/ estaba el
poeta/ balbuceando palabras de desprecio.// A su/ propio miedo"
(13).
En otro poema, se refiere a su condición de
descendiente de inmigrantes: "Doy gracias, Argentina/ por tu
marco social, único/ pese a que de vez en cuando éramos
rusos/ que en argentino era decir judíos,/"
(14).
Notas
- Maisonave, Oscar Roberto: "Noticia biogràfica",
en Sessa, Aldo: Yrvrtia (1879-1950). Buenos Aires,
Argencard, 1988. - Carril, Bonifacio del: en Sessa, Aldo: Yrvrtia
(1879-1950). Buenos Aires, Argencard, 1988. - Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Tomo III. Buenos Aires, Clarìn,
2002. - Gutiérrez Zaldívar, Ignacio: Pablo
Curatella Manes 1891-1962. Catàlogo de la muestra
realizada en Zurbaràn en 2004. - S/F: Pablo Curatella Manes (1891 ? 1962)", en
www.zurbarangaleria.com.ar. - Faccaro, Rosa: "Los acróbatas / Cómo
ver la obra", en La Nación Revista, Buenos Aires,
11 de enero de 2004. - Varios autores: Enciclopedia Visual de la
Argentina. Tomo III. Buenos Aires, Clarìn,
2002. - S/F: "Vida y obra del artista plástico argentino
Lino Enea Spilimbergo", en www.fundacionspilimbergo.org. - S/F: "Leo Vinci", en www.artesur.com.
- Aubele, Luis: "A boca de jarro Leo Vinci ?Una obra es
de arte si sigue las formas de la naturaleza? ", en La
Nación, Buenos Aires, 29 de febrero de
2004. - S/F: "Margarita Fragnito", en www.fragnitoart.com.
- S/F: en Reichler, Guiora: En nombre de todas las
soledades. Buenos Aires, Milá, 2005. 80 pp.
(Poesía). - Reichler, Guiora: "Había un vez", en Reichler,
Guiora: op. cit. - Reichler, Guiora: "Doy gracias, Argentina", en
Reichler, Guiora: op. cit.
…..
Formados en la Argentina y en el extranjero, los
escultores de sangre inmigrante brindaron su
aporte al arte de la tierra que los recibió.
Trabajo enviado por
Marìa Gonzàlez Rouco
Licenciada en Letras UNBA, Periodista