Renacimiento (página 2)

El clasicismo es uno de los pilares en que se apoya el
Renacimiento, con una vuelta hacia las formas clásicas
(griegas y romanas) en todas las artes. Esta vuelta se ve no
sólo en las formas y estilos, es también una vuelta
temática. Hay que pensar que el arte religioso
había presidido el románico y el gótico, con
lo que un arte más realista y cercano en la forma fue una
revolución, lo que se conjuntó con temáticas
más paganas, aunque a menudo cristianizadas.

Temas mitológicos pueblan las pinturas, las
esculturas y la lírica desde finales del siglo XV,
naciendo en Italia, pero propagándose rápidamente
por Europa, también es tema clásico el bucolismo
pastoril.

Se expresó en todos los dominios del arte, desde
la arquitectura y la música hasta la pintura y la
literatura. Suplantó progresivamente al Barroco, dejando
espacio al Romanticismo antes de renovarse a través del
Neoclasicismo.

Aspectos
generales de la pintura prerrenacentista

La pintura renacentista de comienzos del siglo X recibe
el nombre de prerrenacentista ya que se encuentra asociada al
último periodo del gótico. Se aplico
considerablemente en la ornamentación de capillas,
iglesias, altares y libros de horas. Los temas eran religiosos y
presentan una indiscutible influencia bizantina en su acabado:
las composiciones simétricas con paralelismo de las
figuras, fondos dorados, detalles lineales en vestidos y
expresiones. Sin embargo, a fines del siglo XV varios fueron los
pintores que modificaron estas características al
sustituir el fondo dorado por paisajes, el paralelismo
compositivo por disposiciones más asimétricas y el
hieratismo por gestos más expresivos y humanos. Entre los
pintores mas importantes están: Giotto, Fra
Angélico, Bonticelli y Masaccio.

La pintura prerrenacentista ofrece un modelo de
representación que no se preocupa por la
construcción de un espacio homogéneo (y en un
sentido, realista) sino sobre todo por el sentido y la claridad
de lo representado.

Características generales de la pintura
renacentista

• Como consecuencia de la tendencia al naturalismo. Los
  pintores renacentistas se plantean el problema de la
  representación de espacio, de la profundidad y de la
  tercera dimensión. En la pintura anterior las figuras se
  movían en un espacio indefinido y no producían
  efecto de tridimensionalidad. Para lograr esa
  representación los pintores se valen de la perspectiva,
  cuya normas y leyes sistematizaron y, por medio del claroscuro,
  que expresa el relieve
• Además de la perspectiva, para los pintores de
  Renacimiento, fue de gran ayuda el descubrimiento de la pintura
  al óleo. Esta fue traída desde los países
  bajos a Italia en la segunda mitad del quattrocento. Hasta
  entonces habían utilizado el temple que tiene muchas
  limitaciones. Del mismo modo, se introdujo también el
  uso de la tela como soporte, en lugar de la tabla y se
  perfeccionado la técnica de la pintura al
  fresco.
• Otra conquista especial de la pintura del
  renacimiento fue la composición y el empleo de esquemas
  geométricos, como la composición en
  pirámide que organiza la obra de una forma clara y le da
  cohesión a todos los elementos
  plásticos.

Pintores
importantes del renacimiento y sus obras

• Masaccio (1401 – 1428):

Es el primer representante de la corriente realista del
renacimiento. Murió joven, a los 27 años; sin
embargo, es uno de los pintores que ha tenido mas influencia en
la pintura posterior. Logra volumen, profundidad y relieve con la
perspectiva y el claroscuro. Sus figuras, que tienen un aspecto
casi escultórico, están colocadas en espacio bien
definido y en evidente relación con los personajes. Su
principal obra, es el conjunto de frescos en la Capilla Brancacci
de la iglesia del Carmen de Florencia. Entre ellos, el mas famoso
es: "El pago del tributo"

• Beato Angélico (1387 –
  1455):

Fue fraile dominico, y después de su muerte fue
declarado "Beato" por la santidad de su vida.

Su pintura es de un naturalismo místico. Su
dibujo es refinado y tiene un dominio especial del color. Lo que
Masaccio obtuvo con el claroscuro él lo obtiene por medio
del color. Rosados, azules, nácar, oro, son sus colores
preferidos. Sus obras mas importantes están en el convento
de San Marcos de Florencia.

• Botticelli (1444 – 1510):

Fue el pintor de los Médicis, los famosos
"mecenas" de los artistas de Florencia. En ese ambiente
intelectual y entusiasta de la cultura clásica pinta temas
de procedencias greco-romana, como ¡"la calumnia",
restauración imaginaria de un cuadro del pintor griego
Apeles, y temas mitológicos y paganos como "El nacimiento
de Venus" y "la primavera. Pero, al mismo tiempo pinta temas
religiosos como: "La virgen del Magnificat" y "la
adoración de los magos".

Su estilo es inconfundible por el linealismo, el ritmo,
gracia y elegancia de sus figuras. El color es liquido,
transparente, sin sombras densas.

Hacia el final de su vida, ante las predicaciones del
fraile Savonaarola contra el paganismo del Renacimiento, abandona
los temas paganos y su pintura se hace dramática y
melancólica

• Leonardo Da Vinci (1452 – 1519)

Fue un genio enciclopédico y universal; pintor,
escultor, ingeniero, científico, inventor, músico,
filosofo, escritor, y se adelanto varios siglos a su tiempo con
sus descubrimientos.

El estimaba en especial, el arte de la pintura y en su
"tratado sobre la pintura" escribió que ella es la reina
de las artes; sin embargo, su condición de sabio y sus
otras tareas no le permitieron dejar muchas obras
pictóricas. Tanto mas que procuraba hacerlo todo perfecto
y dedicaba largos meses a bocetos y estudios y la misma
realización definitiva era lenta. No obstante las pocas
obras que dejo terminadas, (unas doce) son todas obras
maestras.

Tal vez el aporte mas importante de Leonardo a la
pintura es el llamado "sfumato". Este se basa en el claroscuro
aplicado tan delicadamente y difuminado, tan imperceptible, que
le da un carácter particular como si la pintura se viera a
través de la niebla o de ligerísimo
velo.

A el también se debe la disposición
piramidal de las figuras que sera luego imitada por la
mayoría de los pintores que le siguieron.

Algunas de las obras mas famosas de Leonardo Da Vinci
fueron:

La Gioconda o Monna lisa: Es el retrato mas
famoso de la tierra y de él, se han escrito innumerables
comentarios e interpretaciones.

Esta pintado al óleo sobre una tabla de madera,
sobre la cual se extendió una delgadísima capa de
pintura, con tanta maestría que ni aun con rayos X se
advierten las huellas del pincel.

Representa una dama, cuya identidad no ha podido ser
determinada, y un paisaje extraño, vaporoso, casi irreal
al fondo.

La expresión del rostro es risueña, pero
con una sonrisa enigmática.

En la composición se observa un ritmo envolvente
acentuado por el ovalo del rostro que se repite en la
línea formada por la cabellera y las manos.

-La virgen de las rocas: Los personajes que la
integran en primer termino son cuatro: la Virgen, Jesús y
san Juan bautista niños, y un ángel.

El ambiente es una gruta formada por rocas puntiagudas,
arbustos y florecillas. En el fondo otras rocas, un lago y
montañas el lontanaza.

La composición es un riguroso juego
geométrico, un repetirse de pirámides desde el
primer grupo de figuras hasta las rocas lejanas de fondo. La luz
es difusa y los contornos, atenuados

La ultima cena: Es una obra que expresa variedad
al mismo tiempo unidad. Variedad de actitudes y expresiones de
los apóstoles ante el anuncio de cristo de que uno de
ellos lo va a traicionar.

Unidad de la composición: Los apóstoles
están repartidos en grupos de a tres, sin rigidez. Cristo
esta en el centro de la composición y las líneas
convergentes de la perspectiva llevan la mirada hacia el. La
pintura se encuentra muy deteriorada y es casi imposible
restaurarla, debido a que es desconocida la técnica nueva
que experimento Leonardo para ejecutarla en el muro.

• Miguel Ángel Buonarroti:

En Florencia, Miguel Ángel cuando niño,
fue aprendiz del pintor Ghirlandaio. Antes de ir a Roma, donde se
realizara sus obras mas importantes, pinto un medallón
redondo con la sagrada Familia.

En roma, el papa Julio II, estimulado por Bramante
(quien esperaba un fracaso de Miguel Ángel a quien
conocía solo como escultor) le encarga la
decoración de la capilla sixtina. Allí Miguel
Ángel emprende esa obra descomunal: una de las creaciones
más extraordinarias del genero humano.

La capilla es una gran sala rectangular de 40m. de
largo, 13 de ancho, y 21 de altura.

Miguel Ángel, completamente solo
enfrentándose a mil fatigas pinto en la inmensa
bóveda escenas del génesis y otras
figuras.

20 años mas tarde, por encargo de otro papa,
Paulo II, decora también la pared de fondo de la misma
capilla sextina con la impresionante escena del juicio final. En
el centro0 de la parte superior esta la figura amenazante de
cristo rodeado de santos, mártires, beatos y
ángeles. A la derecha los réprobos son arrastrados
al infierno y a la izquierda los elegidos suben al
cielo.

En la bóveda de la capilla sextina son 343 las
figuras, en cuadradas en elementos arquitectónicos
fingidos, y el Juicio Final, es toda una muchedumbre de 391
figuras.

En todas estas obras Miguel Ángel, que prefiere
la escultura destaca con fuerza el relieve y el volumen. Pone en
evidencia la musculatura de las agigantadas figuras, llenas de
energía.

El fresco del "Juicio Final" ocupa la pared de fondo de
la capilla sextina y mide 13 m. de ancho y 17 m. de alto. Miguel
Ángel distribuyo las 391 figuras, en una
composición libremente dividida en registros horizontales
y líneas de fuerza, que convergen en la mano levantada de
Cristo Juez.

• Rafael Sanzio (1483 – 1520)

Según algunos acreditados autores, el arte
pictórico se divide en dos fases: antes de Rafael y
después de él. Antes no se había logrado esa
perfección tan absoluta, después comienza la
decadencia.

Sus obras principales, como las de miguel ángel,
están en el vaticano, Roma. Antes había trabajado
en Umbria su tierra natal y en Florencia. Aquí pudo
conocer a Miguel Ángel y a Leonardo. De este último
aprende la composición piramidal que aplica en muchas de
las Madonnas (vírgenes) que pintó en su
período florentino, como "La Bella Jardinera", "La Virgen
de la Pradera", "La virgen del Jilguero" y otras.

A los 25 años paso a Roma. El papa Julio II le
encarga la decoración de las estancias del vaticano. Son
tres alas donde pinta 17 grandes frescos murales. Los más
nombrados son: "La Disputa del Santísimo Sacramento" y "La
escuela de Atenas".

Son composiciones magistrales, que presentan siempre un
conjunto equilibrado, a pesar de la multitud de
personajes.

Después de las Estancias, el Papa le encarga las
hoy llamadas "Logias de Rafael", unos largos pórticos que
decora con escenas de la Biblia.

También sigue con la pintura de las
Vírgenes que tanta fama le habían dando en
Florencia. De éste período son: "La Virgen de la
Silla", "La Virgen de Foligno" y "La Virgen de San
Sixto".

De no menor importancia son la serie de retratos que,
por sí solos, ya lo acreditarían como gran pintor;
como el retrato de Julio II, el de León X, de la Fornarina
y varios más.

Su última obra fue "La transfiguración del
Señor".

Como cualidades esenciales de este pintor se citan: el
don para componer; su magnifico sentido de la agrupación
de las figuras; la corrección del dibujo; la
distribución armónica de los colores, y la
serenidad de estilo.

• Tiziano (1477-1576):

Es el principal pintor de la Escuela
Veneciana.

Tiziano tuvo una larga vida y bien aprovechada con
respecto a la pintura y abordó todos los temas de manera
magistral.

En los temas religiosos se muestra libre y natural.
Algunos son cuadros de grandes proporciones como "La
presentación de María Santísima al Templo"
(8 metros de largo); "La virgen de Pesaro", "La
Asunción".

En los temas mitológicos o profanos rinden culto
a la belleza de la mujer. "La Venus de Urbino", "Amor Sagrado y
Amor Profano", "La Bacanal".

Pintó los retratos de los reyes, papas, y
personas importantes de su tiempo: dos retratos de Carlos V (uno
a caballo y otro, en un sillón); "Francisco I Rey de
Francia"; "Felipe II, Rey de España"; "El Papa Paolo III";
"El Hombre del Guante"; y su autorretrato, cuando tenía 90
años.

Características generales de la
arquitectura renacentista.

La arquitectura Renacimiento Italiano presenta las
siguientes modalidades:

• Como material constructivo se emplea el ladrillo,
  sillares de piedra y mármoles como
  revestimiento.
• Se adoptan las formas de la arquitectura
  clásica, especialmente de la romana.
• Regresa los estilos greco-romanos dórico,
  toscazo, jónico, corintio compuesto, y la
  superposición de ordenes. Se crea el llamado orden
  colosal o gigante que consiste en alargadas columnas de un
  orden único que abarcan diversos pisos.
• Continúa la arquitectura religiosa, pero
  también comienza a imponerse la arquitectura civil con
  los palacios residenciales.

• Arquitectura Religiosa.

Se sigue el plan basilical de tres naves y aparece las
grandes cúpulas como elemento característico. En
efecto, la historia de la arquitectura renacentista italiana
comienza por la construcción de la cúpula de la
Catedral de Florencia y termina con la cúpula romana de
San Pedro en el Vaticano.

• Arquitectura Civil.

Los palacios residenciales son como un bloque
cúbico o un paralelepípedo con tres pisos de
diferente altura. Constan de un patio central, rodeado de
galerías, que se repiten en los pisos superiores. Los
muros de la fachada son almohadillados (revestidos de grandes
piedras labradas que sobresalen). Las ventanas son
simétricas, están decoradas con arcos de medio
punto y rematan en tímpanos triangulares o curvos. En la
parte superior (el techo) sobresale una gran cornisa en
voladizo.

Principales
arquitectos que sobresalen en la arquitectura
renacentista.

Siglo XV.

• Felipe Brunelleschi (1377-1446):

Florentino, fue el arquitecto iniciador del Renacimiento
Italiano. Su obra maestra es la cúpula de Santa
María de la Flor, la Catedral de Florencia. Ésta
Catedral, de estilo gótico, había quedado
inconclusa. Faltada cubrir el crucero y se había
proyectado una cúpula; pero ningún arquitecto se
sentía capaz de construirla por sus enormes dimensiones
(más de 40 metro de diámetro). Que ejercía
un empuje muy difícil de contrarrestar. Brunelleschi
resolvió la dificultad de un modo muy hábil. Sobre
un tambor octogonal levantó una cúpula doble
encajada una en la otra. La cúpula interna más
baja, en forma de casquete esférico y la externa, en forma
de perfil de ovija. En esas cúpulas, debido a sus diversas
formas, la interior ejerce presión hacia fuera y la
exterior hacia adentro. Al encajarlas, se anulan las presiones,
disminuye el empuje y queda asegurada la estabilidad.

Entre otras varias obras y proyectos de Brunelleschi se
pueden citar: La Capilla de los Pazzi, del Palacio Pitti, todas
en Florencia.

• León Bautista Alberti
  (1402-1472)

Es el segundo de los grandes arquitectos renacentistas
del quattrocento. Escribió un tratado sobre la
arquitectura con teorías y normas prácticas. De
él es la idea de que el proyecto más que la
realización es la esencia de una obra de arte y que al
arquitecto corresponde sólo el proyecto de
construcción. Fue también él quien
llevó el nuevo estilo del Renacimiento fuera de
Florencia.

• Principales obras:

-El Palacio Ruccellai, en Florencia.

– La Iglesia de San Andrés, en Mantua.

– El Templo de Malatesta, en Rimini.

Siglo XVI.

• Donato Bramante (1444-1514).

Trabajó primero en Milán, donde
levantó la cúpula de "Santa María de las
Gracias". El Papa Julio II lo llamó a Roma para que se
encargara de la nueva construcción de la "Basílica
de San Pedro".

Bramante la proyecta con plata de cruz griega y, en cada
uno de los brazos, señala ábsides semicirculares
terminados en pórticos exteriores. En el centro, una gran
cúpula, y otras cuatro menores en los ángulos
formados por las naves; más el exterior, cuatro
torres.

Este proyecto fue modificado por los varios arquitectos
que se encargaron de la obra.

Otra obra de Bramante en Roma fue el "Templete circular
de San Pietro in Montorio". Es una iglesia pequeña, pero
de gran armonía.

• Miguel Angel Buonarroti
  (1475-1564).

Es uno de los grandes genios del Renacimiento. Sobresale
como arquitecto, escultor y pintor. Aunque protesta cuando el
Papa Paulo III le encarga la obra de la Basílica de San
Bramante, para darle mayor desarrollo a la cúpula central.
Es ésta su obra maestra como arquitecto. La grandiosa
cúpula es similar a la de Brunelleschi. Se levanta sobre
un tambor, con doble cúpula y linterna; y mide 42 metros
de diámetro. El cambio está en la
decoración: la rodean ventanas con tímpanos,
columnas dobles y un friso con guirnaldas. Además, se
eleva a mayor altura, hasta 131 metros (la de Florencia llega a
114 metros).

A Miguel Ángel, como arquitecto, se deben
también, al menos, otras siente obras y proyectos, entre
los cuales están: la escalera de la Biblioteca
Laurenciana, la Sacristía Nueva de San Lorenzo, ambas en
Florencia y el proyecto para la plaza de Capitolio en
Roma.

Características generales de la
escultura renacentista

La transición de la escultura gótica a la
del Renacimiento fue menos brusca que la de la arquitectura; se
continúa la búsqueda del naturalismo. Los aspectos
nuevos son los propios del Renacimiento. Se muestra un
interés especial por el hombre, por la forma de su cuerpo,
por su expresión. Se estudia la anatomía, el cuerpo
humano como conjunto de huesos y músculos, el
desnudo.

Se profundizan y perfeccionan los conocimientos y medios
técnicos. Los artistas emplean cualquier material:
mármol, piedra, bronce, madera, terracota y con excelentes
resultados.

Ya las esculturas no se destinan a completar un marco
arquitectónico sino que adquieren interés por
sí mismas.

Principales escultores de la escultura
Renacentista

Siglo XV

• Lorenzo Ghiberti (1378-1455):

Fue quien introdujo el bajorrelieve pictórico en
la escultura que consiste en la disposición de las figuras
en diversos planos de perspectiva; y fondos
arquitectónicos y paisajísticos. Sus obras
más importante fueron: La Puerta Norte del Baptisterio de
Florencia y la Puerta Este del mismo Baptisterio. Estas puertas
de bronce están divididas en panales con relieves, en los
cuales hay escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento. Las del
Este son llamadas "Las puertas del Paraíso" quizá
por una frase atribuida a Miguel Ángel: "Son tan hermosas
que serían apropiadas para la entrada del
Paraíso).

• Donatello (1386-1466)

Escultor Florentino. Su principal mérito es el
haber sabido unir la grandiosidad del clasicismo con la
expresión del naturalismo. Entre sus obras principales se
destacan: "San Jorge", "David", "La Cantoría ecuestre de
Erasmo Gattamelata" en la plaza de Papua, la primera estatua
ecuestre del Renacimiento.

• Lucca Della Robbia (1400-1482.

Escultor y ceramista florentino. Esculpió, como
Donatello una cantoría o tribuna de cantores para la
Catedral de Florencia. Pero su mayor notoriedad se debe a sus
terracotas policromas barnizadas. Sus terracotas de fondo azul,
adornan numerosas iglesias.

Su sobrino Andrea Della Robbia continuó la
producción de terracota. La decoración de la "logia
de los Inocentes" es su obra más conocida.

• Andrea del Cerrocchio (1435-1488)

Alumno y ayudante de Donatello: al igual que él
realiza una estatua de David adolescente y una escultura
ecuestre: la del "Bartolomeo Colleoni", en Venecia. Se las
comparamos, sus esculturas del mismo tema expresan más
movimientos y energía que las de Donatello.

Siglo XVI

• Miguel Angel Buonarroti (1475-1564).

Es el más grande escultor del Cinquencento y uno
de los más grandes escultores de todos los tiempos.
Refleja, en su escultura, toda su recia personalidad y su
profunda de cristiana. Su estilo es personal y dramático.
Gran arquitecto y pintor, sin embargo, se firmaba y protestaba no
ser más que escultor.

Miguel Ángel, desde muy joven, frecuentó
el jardín del Palacio de los Médicis donde
éstos habían reunido estatuas y fragmentos de
mármoles antiguos y los jóvenes se ejercitaban en
las artes.

A los 20 años va a Roma. De esta época es
la "Pietá del Vaticano" en la que la nota trágica
está expresada con clásica elegancia y
compostura.

Regresa a Florencia y esculpe la gigantesca estatua (5
metros) del "David" en un trozo de mármol abandonado por
otro escultor.

El Papa Julio II lo llama a Roma y le encarga la obra
que será una ilusión y al mismo tiempo, una
tragedia en su vida: "La Tumba del Papa Julio II", que no pudo
realizar por completo. Del grandioso proyecto solo acabó
enteramente "El moisés", ejemplo típico de la
terribilidad de Miguel Ángel.

Para los Médicis, Julián y Lorenzo,
ejecuta los "Monumentos Sepulcrales". A los pies de Julián
yacen reclinadas dos escultoras alegóricas del
"Día" y de la "Noche", y a los pies de Lorenzo "La Aurora"
y "El Crepúsculo".

En sus últimos años esculpe otros tres
grupos escultóricos de la Pietá, esta vez de
expresión atormentada; la "Pietá de Palestrina", la
del "Palacio Rondanini" y la de la "Catedral de Florencia".
Éstas dos últimas inconclusas.

Otros escultores.

Si bien la escultura del Renacimiento Italiano en el
Siglo XVI gira alrededor del gran genio Miguel Ángel, no
faltaron otros extraordinarios escultores dignos de citarse, como
Benvenuto Cellini y Giambologna.

• Cellini se destacó también como orfebre
  y a él se debe el célebre "Salero de Francisco I"
  trabajando el oro y esmalte. Su obra maestra como escultor fue
  el "Perseo", estatua monumental colocada en la "Logia del
  Lanzi" frente al Palacio Municipal de Florencia.
• Giambologna, de origen Francés, se forma y
  trabaja como escultor en Italia. Una de sus obras más
  famosas es el "Rapto de las Sabinas", grupo escultórico
  formado por tres figuras que se encuentran cerca del Perseo de
  Cellini en la Logia del Lanzi".

Análisis
crítico

No es de extrañar que sea en Italia donde se
produce tal proceso pues el impresionante legado del viejo
imperio romano estuvo presente incluso en plena época
medieval y el mundo italiano nunca se llegó a desapegar
del todo, como demuestra, incluso, su arte

En pleno período gótico, aparece en Italia
un movimiento pictórico que se polariza en dos ciudades:
Florencia y Siena, cada una de las cuales preside un ideal
plástico diferente. Florencia se inclina por la forma, y
su estilo será eminentemente dibujístico o
plástico; Siena se muestra afecta al color, y su pintura
será visual o cromática. Por lo mismo, mientras la
pintura florentina es más racional y constructiva, la de
Siena es más lírica y sentimental.

No obstante, es importante señalar que las
primeras manifestaciones de arquitectura renacentista surgen en
Florencia, ciudad que, por su prosperidad material y gustos
refinados, ofrecen condiciones al desarrollo brillantes de las
artes.

La arquitectura del Renacimiento se caracterizó,
naturalmente, por el empleo de los elementos constructivos
grecorromanos:

Desde sus inicios, la arquitectura renacentista tuvo un
carácter profano, corrompido, o libertino, y,
lógicamente, surgió en una ciudad en donde el
Gótico apenas había penetrado, Florencia; en la
Europa de las grandes catedrales, se implantó con
dificultades, debido a las características anteriormente
señaladas

El auge religioso que manejaba la iglesia en ese
entonces (que abarcaba todo el campo social), fue el ente que
impulsó a realizar estas maravillas de artes, ya que, los
Papas invertían capital solo y exclusivamente para las
mejoras de infraestructura y pinturas que fuecen lo
suficientemente representativas para dar la talla.

Si nos ponemos a observar, todo era en base a la fe de
las personas, y, por ser creyentes, la realización de
todas las obras ya expuestas debieron ser de gran magnitud,
siempre siendo los artistas los buscadores de la
perfección.

En reiteradas ocasiones hemos escuchado o visto estas
obras espectaculares, que no sólo impresionan a cualquier
individuo por ser transcendentales, sino también por su
valor educativo. Son majestuosas e increíblemente
trabajadas. Estudiarlas alimenta la cultura general del
estudiante, vivimos en un mundo donde la mano humana ha hecho
obras extraordinarias que se plasmaron a través de los
años y se volvieron historia.

Conclusión

Renacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de
revitalización cultural que se produjo en Europa
Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se
hallan en el campo de las artes aunque también se produjo
la renovación en la literatura y las ciencias, tanto
naturales como humanas.

El nombre Renacimiento se utilizó porque
éste retomó los elementos de la cultura
clásica. Además este término simboliza la
reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de
estancamiento causado por la mentalidad dogmática
establecida en la Europa de la Edad Media. El Renacimiento
planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano,
el interés por las artes, la política y las
ciencias, cambiando el teocentrismo medieval, por el
antropocentrismo renacentista.

El Renacimiento, (como su mismo nombre lo describe) fue
un gran paso para la civilización mundial. Si bien es
cierto que compete describir acerca arte pintoresco y
arquitectónico, no se debe pasar por alto que, este avance
cultural también fue impulsado por la sociedad, de acuerdo
a su política. Digamos que, fue un avance conjunto, que
una materia ayudo al adelanto de otra.

Estas construcciones, tal vez caduquen y se extingan por
causa de los años, pero siempre existirán en la
Historia mundial como una de las obras más importantes,
antiguas y bonitas que ha existido en el mundo, obras que, nunca
podrán ser plajeadas por poseer tan gran valor
significativo.