El estilo Art Deco (página 2)

El círculo se ve especialmente en el diseño
de objetos y textiles. El medio círculo o el arco, en
cambio, se
aprecia más que nada en la arquitectura,
sobre aberturas o coronando el escalonado de edificios de gran
altura. También se ve en el diseño de interiores
sobre ventanas y puertas, y en otros objetos de diseño
industrial.

Junto con el medio círculo aparecen frecuentemente
triángulos que acompañan el movimiento
circunferencial a modo de sol, esto más que nada en la
arquitectura estadounidense y en el estilo Odeón, que se
ve en los cines y teatros de la época.

Las curvas se emplean particularmente en el extremo de las
líneas. Es notable el uso de este recurso en las
composiciones con varias lineas verticales paralelas, en donde
los extremos curvados dan la ilusión de un medio
círculo y la sensación de apertura espacial.

Cerámica Cooper

La geometría impera en los diseños
desde la arquitectura hasta todo aquello diseñable,
haciéndose riguroso uso de la simetría, incluso
cuando se estiliza la figura humana. En las construcciones, el
escalonado planteó un nuevo concepto
estructural: los edificios se formaban de varias partes que
sobresalían del cuerpo principal, más elevado,
sirviéndole de apoyo. Este manejo de la extrusión
se puede ver en todo el estilo Art Deco, al igual que la ya
mencionada verticalidad, representada por los edificios
típicos de este período, los rascacielos, que son
una clara muestra del gusto
por la altura.

Otras figuras geométricas de gran uso son el
hexágono y especialmente el octágono, presentes en
accesorios y sobre todo en los interiores y en artículos
de decoración. También aparecen repetidas veces
figuras geométricas yuxtapuestas, en general de colores
contrastantes.

El colorido participa audazmente en los textiles, cerámica y materiales
tales como la baquelita y el plástico
en los que se hace una imitación de jade, ámbar y
otras piedras. También lo hace en la decoración de
interiores y en el recubrimiento de exteriores, que en ocasiones
van ascendiendo sugerentemente hasta la cúspide de los
rascacielos, en los que se utilizaban aluminio y
otro tipo de metales que
reflectaban los rayos solares, creando un impresionante efecto
lumínico y la sensación de estar ante un templo.
Esto, junto con el uso de figuras de motivos solares y el
escalonado, permite la relación de estas construcciones
modernas con centros de adoración religiosa de las
culturas precolombinas, que fueron muy influyentes en el estilo
Art Deco que surgió en Estados Unidos,
donde se ven este tipo de edificaciones.

King"s Favourite, ilustración de Erte.

La obsesión del Art Deco por el diseño es
latente hasta en los más minimos detalles de la construcción, y en algunos casos de la
arquitectura se pone más atención en el efecto decorativo que en la
estructura en
sí. De los elementos más representativos, en este
sentido podemos citar la fuente, plasmada en bajorrelieves, en
herrería, en vitrales, gráfica y lámparas, o
bien la fuente misma como elemento del diseño
arquitectónico en edificios, jardines y parques. Las
descargas eléctricas sintetizadas, solas o en repeticiones
constantes aparecen para formar un diseño que igualmente
se encuentra en muchísimos elementos.

En el arte se distiguen
los trabajos de Tamara de Lempicka, quien representaba el rol de
la mujer en la
modernidad, su
independencia
y creciente protagonismo, asi como otras temáticas tomando
la figura femenina de soporte. En sus retratos se ven formas
angulosas y de contornos fuertes, con efectos superficiales
brillantes. Aunque utilizando la misma figura principal, Erte
expresaba la exhuberancia femenina, sin plantear
problemáticas sociales. Los elementos formales del Art
Deci se repiten en los trabajos de Erté, un artista y
diseñador que abarcó varias disciplinas y en cuyas
ilustraciones de moda se
podían ver figuras femeninas modernas conjuntamente con
objetos y rasgos de culturas antiguas, como la griega o la
romana, sobre todo en sus creaciones de vestuario teatral.

Estatua del Rockefeller Centre

Autorretrato. Tamara de Lempicka, 1925.

La figura humana aparece sobre todo en relieves, objetos
decorativos, arte-objeto o en la escultura y se hace representar
con dinamismo: la figura masculina es representada por titanes,
atletas ú obreros. En cuanto a la figura femenina,
predomina la estilización de las líneas y se la
muestra generalmente en una actitud de
omnipotencia, diferente a la fragilidad con que el Art Nouveau
representó a la mujer. Esto nos
hace pensar en la emancipación femenina de la
modernidad.

El sol con sus rayos geométricos, en medio de colores
con sentido étnico, viene a ser con frecuencia el centro
decorativo, así como en las culturas arcaicas era el
centro de adoración religiosa. Las nubes trazadas con
curvas rígidas, son un elemento decorativo, asimismo las
repetidas ondulaciones, representan el agua que
fluye o que vierten las estilizadas fuentes.

De la flora y de la fauna se escogen
ciertos ejemplares, siendo los más habituales las gacelas
y los galgos que por su ligereza y elegancia de movimiento y
línea son ad-hoc para el estilo (En el Art Deco del
noreste argentino se observa el uso de ñandúes en
la decoración de fachadas). Los diseños florales y
botánicos se hacen por la facilidad de la
estilización geométrica y los girasoles aparecen
triunfantes rodeados de helechos simétricos, o bien se
utilizan las palmeras y los cactus que dan idea de un exotismo
remoto que estaba de moda en esa época.

Vitral con motivos florales

El gusto por lo exótico que caracteriza al Art Deco, ya
se observa en la exposición
de 1925, pero no fue un tema propuesto deliberadamente: en 1922
Howard Carter exhuma la tumba de Tutankamon y cobra fuerza la
maldición de los faraones por la repentina muerte del
descubridor y los motivos decorativos del antiguo Egipto se
ponen de moda; además, las ruinas teotihuacanas, mayas y objetos
de la cultura mexica
se vuelven a revalorar sobre todo después del
extravío del coronel Fawcett en 1925 en las tierras
peruanas de Machu-Pichu y posteriormente la expedición al
mando de Peter Fleming en su búsqueda. Las culturas
prehispánicas sudamericanas y mesoamericanas cobran
importancia, inundando los ambientes de la decoración e
inclusive de la moda: zigzags, soles radiantes, cactus
hiératicos, figuras de perfil, mujeres cleopatrizadas,
templos escalonados, atuendos indígenas mesoamericanos e
incas, se
ritualizan junto con los zigurats mesopotámicos y
bailarinas indúes o balinesas que se rescatan del olvido
occidental en un intento de voltear hacia culturas
exóticas y encantadamente fantásticas.
También es de gran importancia el surgimiento en Francia de un
replanteo de la mirada hacia la población de las colonias y una
revalorización de éstas, influenciada por las
nuevas corrientes antropológicas, que, además de
influenciar a los diseñadores y artistas, introdujeron
cambios en toda la sociedad
francesa.

Los materiales utilizados en el Art Deco fueron muy variados.
En la decoración, sobre todo, se emplearon materiales
exóticos, incluyendo maderas de distintos tipos. La
madera era
contrastada con tiras de metal pulido. Las superficies estaban
veteadas con incrustaciones de marfil y decoradas con ornamentos.
Los gustos exuberantes del momento incluían también
la piel de
tiburón teñida de verde, conocida como
"chagrín". Para adornar los paneles de muebles y
accesorios también se usaba la laca con gran efecto.

En los años "20 se revivió en París la
técnica oriental del lacado. Los equipamientos interiores
como puertas, paneles, biombos, muebles y accesorios
pequeños, se adornaban con gruesas capas de laca
brillante, predominando los tonos negros, pardos, rojos y
dorados. Las superficies se decoraban con escenas pintadas o
talladas, utilizando a veces fragmentos de cáscara de
huevo para realzar bases lisas o de textura granular.
También se utilizaron otros materiales como el corcho, el
cuero, las
pieles, el cromo y el aluminio. Estas últimas formaron
parte del diseño exterior de muchas construcciones de
vanguardia.

Tanto en los interiores como en la arquitectura predominan
elementos de gran solidez y pureza como el concreto,
vidrio, bronce,
mármoles de diferentes colores y procedencias, aluminio,
estaño,
mármol y granito.

Traje depor-tivo de Jean Patou

En la indumentaria se optó por el uso de tejidos de punto
y telas livianas, antes utilizadas únicamente en la
confección de ropa deportiva. Este cambio
acompañó la casi supresión del corsè
en el vestuario femenino y la nueva estructura de la vestimenta
en general (faldas más cortas, pinzas o ceñiduras a
la altura de las caderas, hombreras, etc.), otorgándole a
la mujer libertad de
movimientos. Sin embargo, los vestidos de fiesta expresaban el
lujo de la época con el agregado de pedrería en las
telas. Se utilizaban mostacillas o pequeñas piedras que
brillaban y resaltaban la figura de la usuaria. Estas prendas
acostumbraban a ser pesadas, dejando de lado la comodidad en pos
de la elegancia.

La indumentaria utiliza elementos que se repiten con
frecuencia en todas las expresiones del Art Deco, y se encuentran
tanto en el diseño textil como en el corte de las telas,
como el zigzag, los triángulos, las líneas
verticales paralelas, el cículo, el escalonado, y todo
tipo de figuras geométricas en diferentes escalas y
operaciones
formales.

En la joyería se utilizaron tanto piedras preciosas
como metales. Los más distintivos fueron el jade, el
ónice, los diamantes, el oro blanco, la
plata, la baquelita, el níquel y el platino. La moda de
los años veinte introdujo una gran cantidad de
artículos de joyería creados por grandes firmas
como Cartier, Paul Poiret y Coco Chanel. El pelo corto de las
mujeres contrastaba con largos pendientes, los broches se
imponían en los vestidos y abrigos, y los collares de
varias vueltas realzaban los escotes bajos y las cinturas
caídas, adornadas por cinturones con lujosas hevillas.

Las piezas eran de corte geométrico, inspiradas en el
cubismo, y
presentan la clásica estructura de las líneas del
Art Deco. También se distingue el uso de elementos de
culturas exóticas, plasmados, por ejemplo, en borches que
imitaban máscaras orientales. A su vez, ciertos
diseñadores como Gerard Sandoz, se abocaron a un estilo
más mecanizado, cuyos broches y colgantes de piedras
preciosas imitaban las intrincadas estructuras y
pulidas superficies de las máquinas.

Poster francés de la década del "20

Dadas las características recién mencionadas de
los elementos del Art Deco, se podría decir, en
líneas generales, que el Art Deco termina cuando se
elimina la intención decorativa. Todos los patrones y
ornamentos buscan resaltar las piezas arquitectónicas o de
diseño, imponiendo una nueva estética que se puede dividir en dos
períodos: el Zigzag y el Stream Line.

El primero va de 1920 a 1929 y se dio principalmente en
Europa. Este
período se ve en todo su esplendor en la Exposition
Internationale de Arts Décoratifs et Industriels. Se
basó en la creación de un nuevo concepto de
diseño en donde el lujo y la decoración
influenciaron tanto al diseño, como al arte y a la
arquitectura y sentó las bases de nuevos patrones (figuras
geométricas mencionadas anteriormente) que se repitieron
en el período siguiente.

Relieve sobre piedra.

Este de Estados Unidos.

La referencia de culturas exóticas y movimientos
artísticos como el cubismo, son de vital importancia
ya que le otorga al estilo nuevos elementos formales y de
color. El
gusto por lo exótico y lo lujoso, lo moderno y
vanguardista, el brillo y el confort, son los aspectos más
importantes de este período.

El segundo abarcó la década del "30 y se
desarrolló básicamente en Estados Unidos. Si en
Francia el Art Deco fue la expresión del resurgir tras la
Primer Guerra Mundial,
en Norteamérica representó la era de la
recuperación económica después del "crack"
bursátil del "29. Aquí predomina la
construcción de rascacielos, cines y teatros, en los que
se utilizaban materiales que reflejaban la luz y elementos
decorativos de colores brillantes, muchas veces con motivos
solares. Las imágenes
de hombres fuertes y desnudos que controlaban máquinas de
diversa índole y vislumbraban un futuro prometedor
tecnológico, adornan paneles en edificios institucionales
y eran la caracterización del nuevo espíritu
estadounidense que resurgía económicamente. Los
principales patrones decorativos son las líneas curvas
aerodinámicas (de aquí su nombre), las
líneas horizontales aplicadas, las abstracciones de la
velocidad y la
representación de medios de
transporte, a
los que cada vez más personas podían acceder. El
humo que parece salir de una pipa de opio, es ahora el humo de
las fábricas, de las locomotoras, de los
trasnsatlánticos, de los aviones, de los
automóviles y, en general, el humo devastador del progreso
técnico. El Art Deco ilustra, en este período, el
lugar del hombre en el
cosmos y su seguro control de las
máquinas que había de desembocar en el amanecer de
una nueva era.

La era de la máquina y de un mundo industrial provoca
la producción a gran escala que da por
consecuencia los intercambios comerciales mundiales y los
negocios
internacionales que se desplazan a la velocidad del
ferrocarril o en la comodidad y lujo de los monumentales
transatlánticos. Surge la visión "poética"
de la máquina, del mundo moderno, mecanizado, en el que el
robot algún día tomará el mando de la
civilización.

Los "años Locos" y la "Belle Epoque" europeos se
hermanan con los años del Fox-Trot, del Charleston, de la
música
negra del Jazz, de la crisis del 29,
del "New Deale" de los Estados Unidos. Bailes, salas de
espectáculos, iluminados con líneas de luz
geométricas, ritman con las grandes bandas y orquestas de
los nuevos estilos, rápidos e improvisados que hacen
vibrar los cuerpos en inéditos bailoteos.

El auge del cine impone
las nuevas tenendencias a millones de espectadores. Tiempos de
los veinte y treinta, donde el hombre, el
"dandy" de bigote recortado, pelo engomado, vestido con esmoquin,
que merodea en clubes y coctailes, frivoliza con cierta
naturalidad y pose ante las mujeres de boca menuda, peinadas a la
"garzón", con sombreros encasquetados, que usan
corsé y hombreras, engalanadas con telas ligeras, vestidos
"chic" que muestran las piernas, alcanzando así una
expresión de mujer dinámica y flexible, que, al igual que el
hombre, fuma y bebe en la nueva vida social.

Todos esto se incorporará con las emisiones del
diseño, el arte, la artesanía y la industria de
la época de entreguerras y es lo que se conocerá
más tarde como Art Déco.

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Gössel-Leuthäuser-Sembach.
Diseño del mueble en el siglo XX.

BUSH, Donald. The Streamline decade.

Abordaje
Semiológico

En nuestro primer abordaje semiológico realizado sobre
el estilo Art Deco, encontramos una serie de signos que son
propios de este sistema y que se
repiten en todas sus variaciones y disciplinas. Los signos que
describen al Art Deco son:

– Lineas ascendentes, paralelas, simétricas.

– Linea pura y sin adornos.

– Lineas zigzag, lineas combinadas con circunferencias..

– Formas geométricas simples: cubo, esfera y linea
recta.

– Yuxtaposiciónes geométricas
dinámicas.

– Figuras estilizadas.

– Mezcla de materiales exóticos.

– Rayo solares esquematizados con formas
geométricas.

– Uso de figuras animalescas: gacelas, galgos, leopardos y
panteras. También de aves: palomas
y garzas.

– Flores (ornamentos) trabajadas con delineaciones
geométricas.

– Inspiración en la estética de culturas
exóticas, desconocidas, como la oriental o la
indígena.

El Signo

¿No es acaso la linea parte de la estructura de
diversos estilos y movimientos? ¿Cómo diferenciar
entonces un signo que se repite en corrientes tan
antagónicas como lo son el Rococó y el Art Deco?
Esta diferencia se hace evidente bajo el uso y la
significación de dicha linea. ¿Cuál es la
característica principal de la linea Art Deco que se opone
con la de otros estilos? Para empezar, se encuentra la
operación de repetición: no se utiliza una sola
línea, sino varias y todas paralelas entre sì. La
orientación es vertical, estilizando las figuras y
construcciones.

Ebonyand White de Erte

El zigzag, resultado del empleo de
líneas trabajadas con operaciones de rotación y
traslación, también acentúa el aspecto
vertical de los objetos y participa activamente en el
diseño de exteriores e interiores, asi como también
en la indumentaria y textiles del período. En el
escalonado la rotación es menos drástica,
utilizando ángulos rectos, y la verticalidad se muestra en
el empleo de este elemento que, como en la arquitectura, sirve
para jerarquizar los espacios o construcciones que están a
mayor altura.

La recta se sigue encontrando en la continua repetición
de formas geométricas simples. Pero vale resaltar que son
los aspectos antes mencionados los que le dan la identidad al
signo dentro del movimiento artístico estudiado.

El uso de la línea llamada "ascendente" es muy
significado, porque con ella se valoriza más el aspecto
vertical de las piezas de diseño que el horizontal, y se
lo resalta. También rescataremos la estilización de
las lineas y elementos logrados con operaciones de aumento y
reducción de escalas, propias de los ilustradores de
indumentaria del período, como observamos en la imagen.

Partiendo del análisis semiológico que aborda
Guiraud, definimos que un signo es la marca de una
intención de comunicar un sentido. Al evaluar el momento
histórico de este período: en Francia, luego de la
Primer Guerra
Mundial, y en Estados Unidos, después del crack de la
bolsa, es evidente la intención de los artistas de
demostrar con sus objetos espíritu de progreso y
resurgimiento.

Decimos que es evidente porque en todas las manifestaciones
artísticas o de diseño se encuentran elementos
lujosos en donde las temáticas y el uso de materiales
innovadores conlleva al abandono de todo aquello que se relaciona
con las antiguas estructuras estéticas que,
particularmente en Francia, se habían utilizado en
décadas anteriores.

La idea de progreso se evoca de la mano de patrones que
remiten a la luminosidad, la velocidad, las máquinas y el
lujo, entre otras; y la
motivación de los diseñadores fue remarcar
estas ideas y provocar en el espectador una sensación de
esplendor, insentivando el sentimiento popular que veía en
el futuro un nuevo mundo de oportunidades y porvenir. Por lo
tanto los signos no fueron creados al azar, sino que se basaban
en aquellas ideas que toda la sociedad tenía
internalizadas.

La transmisión y el abordaje de un tema, un sentido,
plasmado en un objeto u obra de arte, evoca sensaciones, ideas
que son generalmente las que el emisor (creador del objeto)
quiere comunicarle al receptor. Esto es lo que Roman Jackobson
define como "función
connotativa" o "conminativa". El mensaje puede estar dirigido a
la inteligencia o
a la afectividad del receptor, ubicando al Art Deco, en este
caso, como un estilo que se aboca a la reacción emocional
de los consumidores de los objetos que le son propios.

El consumidor no
consume sólo el objeto, consume la idea que el objeto
representa. La forma de manifestar estas ideas fue a
través de típicos patrones en los que frecuentan
el sol,
remitiendo a la luminosidad, el esplendor y el progreso; las
gacelas o galgos, caracterizando la velocidad; figuras
atléticas en contraposición de máquinas,
transmitiendo el poderío
del hombre sobre sus creaciones tecnológicas. La idea de
progreso se ve también representada en la arquitectura de
la mano de los cada vez más desafiantes rascacielos, por
su imponente altura, demostrando la capacidad de los
constructores de la época, resaltándose a
través de estos edificios, las inminentes posibilidades de
un avance técnico y cultural en toda la sociedad. La
extravagancia y el lujo se vieron en todo su esplendor
especialmente en la moda con el uso de elementos incorporados a
las telas, que brillaban y destacaban la figura de la usuaria.
¿Qué expresa la moda, sino lo que está en
voga, lo moderno? La portadora de una pieza de estas
características demostraba tanto el poderío
económico como la opulencia, reflejando la idea de
porvenir y de modernidad, que obligaba el desprecio por lo
antiguo local.

Todos estos elementos, que bien podrían formar parte de
otros movimientos o estilos, con otras connotaciones, no lo son
así pues en todos ellos se encuentran los rasgos formales
característicos del Art Deco en el tratamiento de las
líneas, asi como en las formas geométricas, los
materiales y las consecuentes operaciones formales del
período estudiado. Con estas argumentaciones llegamos a la
conclusión de que, no tanto las figuras o temas, sino la
manera de plasmarlas son las que definen el aspecto e identidad
de este estilo. Las líneas se ven en todas las
expresiones, desde la arquitectura imponente, pasando por la moda
de siluetas esbeltas, hasta los artículos de
decoración de inspiración cubista.

Al basar nuestro trabajo de
análisis en un signo tan abaracativo como lo es la linea,
nos vimos imposibilitadas de continuar con una temática en
la que no podríamos describir el sistema en su totalidad.
Dada la problemática decidimos tomar un signo más
carcaterístico, planteando un nuevo sistema.

A partir de este momento planteamos el análisis de dos
signos diferentes: el "sol" y el "destello".

Signo en la arquitectura:

Chrysler Building

Ambos, en líneas generales, se repiten en todo el
sistema del Art Deco que anterioremente habíamos armado.
El primero, el sol, se caracteriza por la traslación
circunferencial de triángulos amplificados gradualmente de
forma vertical, estando los más elevados en el eje central
de la figura, aunque esta particularidad se omite cuando la
figura del sol es encuadrada. A esto se le agrega, con
frecuencia, el uso de líneas verticales que se orientan en
la misma dirección que el eje de los
triángulos.

El empleo de este signo, su función emotiva,
difirió en las intenciones de los diseñadores para
connotar diversas sensaciones en los receptores o espectadores de
los objetos o construcciones.

Detalle de alfombra

Friso

Aunque el referente, el sol, y las características
formales del signo sean las mismas, se distinguen dos objetivos: el
primero es frecuente en el diseño de interiores, en donde
este signo cumple la función de jerarquizar, generalmente,
aberturas como puertas y ventanas, ubicándose sobre las
mismas y abarcando todo su ancho. En este caso, los soportes del
signo son elementos de metal como el aluminio, o las paredes,
encontrándose en numerosos relieves. El mismo se observa
también jerarquizanto aberturas desde el suelo, utilizando
como soporte alfombras o valdosas coloridas, en donde los
triángulos se unen, formando un zigzag continuo que
enmarca el elemento que se quiere hacer resaltar.

La experiencia lógica,
objetiva, ve en el signo un sol; la experiencia afectiva, en
cambio, lo percibe como instrumento jerarquizante y lo codifica
de esta manera en toda la sociedad, incentivando su empleo cada
vez que se quiera hacer resaltar algún aspecto del
diseño interior.

Esto mismo, en el contexto de la arquitectura, nos habla de
otra función del signo: la de la representación de
los deseos del emisor, en este caso diseñador o
arquitecto, en cuanto a una mejora y resurgimiento de la sociedad
norteamericana (en donde se aprecia el uso del sol de manera
constante en numerosas construcciones). El signo se ubica
intencionalmente en la cúpula de rascacielos y promueve la
necesidad de un nuevo amanecer, protagonizando el espacio
aéreo de la ciudad. Por medio de sus creaciones, los
diseñadores se significaban a sí mismos, adhiriendo
en sus mensajes-objeto, las imágenes de la realidad que
los conmovían, e inventando signos para expresar sus
inquietudes, arraigadas en códigos que estaban
implícitos en la sociedad y de los cuales extraían
sus valores que
más tarde explicitaban en los objetos creados, formando,
consencuentemente, parte del sistema estético.

Vestido de Paul Poiret

El otro signo que forma parte de nuestro sistema es el
"destello", el resplandor vivo y efímero que encontramos
básicamente en todo el estilo Art Deco.

Hemos escogido este signo, no sólo por su
repetición, sino también porque connota ideas del
mismo orden que el signo "sol". Aunque se ven relacionados por su
aspecto de luminosidad, las intenciones con que se utilizan ambos
signos difieren en cuanto al medio y soportes en los que se ven y
las disciplinas que abarcan, encontrándose el destello
mayormente en la indumentaria.

En este caso podemos observar el uso riguroso de este signo en
la figura femenina bajo la implementación de piedras,
lentejuelas, canutillos y otros materiales en las telas de los
vestidos de fiesta. Estos elementos eran adoptados
únicamente dentro de un estrato social determinado,
delimitaba una distinción de clases que se hacía
notoria ya que muy pocas personas podían acceder a tales
prendas. Entonces, a modo de uniforme, constituían la
marca de este grupo, su
signo de identidad.

Era tal la diferencia que, como suele suceder con las modas,
nadie quería quedar excluido de este grupo. Esto
llevó a las mujeres de clases más humildes, a
imitar el lujoso estilo, incorporando brillo en sus atuendos y
mediante el uso de la gomina en los peinados. Así, las
carencias de estos estratos se veían medianamente
complacidas, ya que nunca podrían igualar el lujo excesivo
que requería de una cómoda posición
económica.

El destello que aparace en la indumentaria de la época
connotaba un lujo que se hacía inminente también en
los accesorios y en muchos casos, al igual que los flecos, su
función era la de resalatar los movimientos en los bailes
típicos de la época. Eran una extensión del
cuerpo, que brillaba al ritmo de la música.

El uso de este signo se puede relacionar, en cuanto a su
motivación, con la del signo "sol", ya que
en ambos se refleja la idea de los diseñadores de resaltar
el espíritu progresista de la época, abandonando la
figuras comunes de décadas pasadas. El consumidor de estos
productos,
compraba entónces la idea de lujo y de progreso,
significándose dentro de la sociedad como portador de
estos valores.

Empire State

En la arquiectura, en cambio, el signo "destello" se ve en su
soporte. Metales como el aluminio, cristales y espejos
cubrían las fachadas de los edificios más
representativos de la época, como lo es el Chrysler, el de
la RCA Corporation y el Empire State. En este útlimo su
vistoso revestimiento de metal blanco, brillaba y reflejaba la
luz como si fuera platino, el metal favorito de los joyeros de
entónces. Sus patrones radiantes de curvas y lineas
superpuestas acentuaban el efecto, creando la sensación de
gigantescos rayos de sol.

También aquí encontramos un paralelismo con el
signo "sol" en cuanto a la función, basada en la
representación del progreso que querían connotar
los diseñadores y arquitectos.

Estos edificios contrastaban con el resto, no sólo por
su elevada altura, sino también por el uso de estos
novedosos materiales, que formaron parte de estos "monumentos" al
progreso, con los que muchas personas se veìan
indentificadas.

Academy Theatre, 1931

En el caso de los cines, no es tanto la idea de progreso, como
la exaltación del lujo lo que se observa en sus
interiores. En estos "palacios de los sueños" se
desarrolló una arquitectura de estilo Hollywood, con
fachadas llamativas e interiores de lujoso diseño,
siguiendo los gustos exóticos del Art deco. En Inglaterra, por
ejemplo, la cadena de Cines Odeón prodigó en sus
salas y vestíbulos los espejos y los efectos
equívocos. Una crónica de la época
describía el grandioso interior del cine New Victorian
como "un palacio bajo el mar", con sus lámparas en forma
de concha y sus techos iluminados.

El "destello" se ve tanto en los soportes espejados como en el
uso del color dorado que resplandecía bajo las luces y
predominaba en el diseño de estos interiores. El
público que concurría al cine, se veía
envuelta en esta atmósfera de lujo y,
de alguna manera, podía formar parte de aquello tan
intangible.

Accesorio para hogares

En el diseño de mobiliarios se ve el signo escogido,
más que nada, en el uso de espejos que se incorporan a
todo tipo de superficies. Este soporte está
íntimamente relacionado con la idea de modernidad, por
sobre la de lujo, no llegando a connotar en absoluto la
repetitiva idea de progreso, que sì hacen estas
superficies en la arquitectura. En este caso la motivación del diseñador es la de
crear una pieza moderna, innovadora y vanguardista,
incorporándose así a este estilo. Esas son las
ideas que va a consumir el público, adquiriendo, junto con
los objetos, la relaciòn de pertenencia al estilo
glamoroso y moderno que se vendìa.

No vemos una ideología que quiera ser transmitida, ni
tampoco figuras que remitan a un concepto como lo son las gacelas
trabajadas linealmente y la velocidad. En el caso de los muebles,
podemos generalizar que la esencia, su intención
decorativa, es lo único que se percibe, además del
código
en común que relaciona al emisor con el receptor del
objeto con un código en el que la modernidad lo es
todo.

Diseñadores

Quizás lo mas relevante de este periodo fue ese cambio
de actitud que, de la mano de Paul Poiret y otros
diseñadores, logró suprimir casi por completo el
corsé, que tanto tiempo
había constituido una parte fundamental del guardarropas
femenino.

Boceto de Chanel, 1926

Corsé, 1900

Ni los vestidos ampulosos, ni los penachos de plumas, ni las
largas colas estaban ya de moda. La figura se estilizó, se
acortaron las faldas y las formas se volvieron más
lineales. Con el corsé dejado de lado se llegó a
una indumentaria más holgada y una nueva forma exaltar la
femeneidad que había estado
relegada a la cintura estrecha y un busto saliente, cambiando el
punto erógeno de la mujer hacia otras zonas como el cuello
y las piernas. Las formas femeninas habían cambiado por
completo. Las siguientes imágenes dan cuenta de ello.

En cuanto a textiles, las fibras artificiales habían
dado lugar a nuevas telas que fueron aplicadas por los
diseñadores más audaces. En este ámbito se
repite el uso de figuras geométricas y del uso de motivos
de antiguas culturas.

En los años veinte esa tendencia hacia lo recto y
sencillo evolucionò hasta convertirse en un estilo
propio. El apogeo de la moda de Poiret se produjo entre 1908
y 1914. Este diseñador suprimió definitivamente el
corsé mediante sus diseños y defendía que la
belleza natural del cuerpo femenino solo requería un
sujetador y una faja. Sus vestidos caían sobre el cuerpo
de la mujer de tal modo que le proporcionaban libertad de
movimiento.

Se especializó en el agregado de detalles de otras
culturas, característica fundamental de Art Deco, y en el
uso de colores brillantes, dejando la sobriedad de otros tiempos
y asumiendo estos rasgos característicos del estilo Art
Deco. El influjo oriental en sus diseños es inconfundible:
designaba un conjunto de influencias  indias, egipcias,
árabes, chinas e incluso las rusas y mongoles.

Vestidos de Poiret, de inspiración árabe

Poiret. Prin-cipios del "20.

Los vestidos de Poiret son una verdadera explosión de
color; rojos luminosos, verdes, amarillos y marrones intensos,
que combinaba temerariamente.

Los pantalones de odalisca, la falda trabada, el corte quimono
en abrigos y chaquetas, son algunos de sus diseños
preferidos. Anticipó muchos elementos para adornar la
cabeza que serían habituales a lo largo del siglo XX, como
por ejemplo el turbante.

El estallido de la primera guerra
mundial detuvo el desarrollo de
muchas actividades comerciales, por lo tanto la moda se
dejó de lado y fue retomada luego, en tiempos de paz. Sin
embargo, las ideas que Poiret había plasmado en sus
creaciones, sirvieron de base para los nuevos diseñadores,
tomando sus elementos constitucionales y transformándolos
para crear la moda del siglo XX. Por esto mismo podemos afirmar,
habiendo encontrado rasgos del Art Deco en sus diseños,
que Poiret pertence, sino impulsa, este período de
vanguardia y modernidad.

Tras la guerra se produjo el boom de la industria del
espectáculo, promoviendo con las actrices, figuras
estilizadas y materiales nunca vistos. Tanto la industria
cultural como el sector de la moda descubrieron las grandes masas
como consumidoras, aumentando la producción, imitando los elementos de los
trajes de las mujeres adineradas y las artistas que en las
pelìculas deslumbraban con un lujo insusual y dictaban los
adelantos y tendencias en la indumentaria.

La moda de los años 20 alteró todas las modas
posteriores: lineas rectas y precisas, estructuras visibles,
funcionalidad vinculada a un valor
estético propio, se encargan de que esta moda perdure en
la vestimenta actual. Las mujeres ya no debían destacar
sus curvas y, en cambio, debían parecer altas y delgadas.
Estaban a la moda las caderas estrechas, una cabeza y pecho
pequeños, así como las piernas largas, llegando de
cierta forma a masculinizarse.

Coco Chanel vestida con sus diseños

Coco Chanel adoptó ciertas prendas masculinas para la
mujer, como los blazers, boinas, incluyendo pantalones de pernera
ancha y creo un estilo cómodo, fresco, deportivo y sobre
todo liberador para la mujer de aquella época
convirtiéndola en una mujer moderna, sin resignar el lujo
y el "buen gusto" que la caracterizaban como a una
diseñadora progresista y fina.

Chanel ejerció gran influencia en la joyería.
Los collares de piedras artificiales con cuentas
irregulares y multicolores, brazaletes de esmalte, joyas de
diamantes (las cuales tienen una relación con los astros,
constelaciones y las iluminaciones nocturnas de los Champs
Elysees), son algunos de sus creaciones en el area. Emprende la
fabricación de joyas de estrás y piedras falsas de
Bohemia, que a veces mezclaba con piedras
autènticas.  Utilizaba motivos de hojas y flores por
su belleza material y valor simbólico. Las joyas
contrastaban con la sencillez de su ropa siempre cómoda y
elegante. Las fuentes de su inspiración eran orientales y
egipcias, recordando el descubrimiento de a tumba de Tutankamon,
donde se hallaron joyas maravillosas en 1923.

Su aporte a la moda fue de liberación y de
rebeldía, de atrevimiento y de investigación, que
fue también el reflejo de su gran personalidad.
La decoración se vislumbra màs en sus accesorios
que en su piezas de indumentaria, y es por esto y por el uso de
las lìneas fundamentales del estilo, que podemos ubicarla
dentro del Art Deco, como una más de los
diseñadores que se caracterizaron por buscar el aspecto de
la modernidad.

El Art Deco es quizás la etapa más recordada de
la trayectoria de Cartier, ya sea por la simbología
adoptada, como también por el esplendor de un gusto que no
sólo se concebía a las residencias y a las mujeres
como obras de arte, sino que veía en el lujo la
máxima justificación de la convivencia.

Desde mediados del siglo XIX la casa fundada por Cartier,
atrae la atención y decide su singularidad gracias al
despliegue del diseño innovador. Para Cartier "el lujo que
vale la pena es el enemigo de lo hecho en serie".

Anillos de la firma

Las joyas de este diseñador se distinguen por la
utilización de la luz, manejando estos efectos con
discreción. El platino fue impuesto por
Cartier en las joyas de la época y elegido por otros
diseñadores debido a las  posibilidades que brindaba
este metal precioso, fácilmente moldeable. Con él
consiguió crear monturas más ligeras y conseguir
nuevas formas; además de la montura invisible,
acompañada por el uso de diamantes.

Cartier también se conmovió con el mundo de las
máquinas y la tecnología y
plasmó en sus creaciones aspectos de la mecánica como un símbolo de la
modernidad, refinándolos y adaptándolos para su
exquisita clientela.

Colgante de baquelita

La moda del "Estilo Guirnalda" de Cartier, que prefiere el
orden al desorden, la simetría a la frondosidad; logra su
prolongación natural en el Art Deco de 1925, perteneciendo
a este estilo decorativo por sus influencias y concepciones
estéticas que hacían de la estricta geometría,
un lugar común dentro de todas las expresiones del
período.

Las alhajas, los brazaletes, los broches, y todo tipo de
accesorios femeninos, en la continuidad del espíritu
luminoso del "Estilo Guirnalda", se sirvieron de materiales
novedosos y modernizaron la figura femenina de la alta sociedad,
que acudía a Cartier en busca de ostentación y
elegancia. Las estrellas de cine, las divas, se servìan de
estos diseñadores, requeridas de los complementos de su
suerte portentosa o de su fama exhaustiva. Para ellas las joyas
resultaban como trámite de presentación, mientras
que Cartier iba más allá: el brillo generaba
belleza.

Las piezas, como diademas, alhajas, broches y perfumeros,
asumen la identidad de aves, palmeras, plantas y 
lirios de los valles; formando parte la joyería del
inmenso mundo recreado por el Art Deco, que resalta el aspecto
estético, frecuentando elementos y temáticas que le
son comunes a todas las diferentes areas englobadas por este
estilo.

Conclusión

Nuestro trabajo se dividió en varias etapas. La primera
fue la
investigación de las distintas disciplinas del Art
Deco. Era tanta la información reunida que se nos hizo muy
difícil resumirla y abarcar en la introducción todos los aspectos de este
estilo de forma sintética. De esta manera quedaron
aspectos sin profundizar.

Cuando creíamos estar encaminadas en el abordaje
semiológico, decidimos exponer nuestras inquietudes a toda
la clase mediante
una evaluación
grupal en la que abundaron las correcciones, haciéndonos
retroceder, para retomar luego el trabajo
desde otro punto de vista, en el que nos vimos obligadas a
reducir el sistema, que era muy abarcativo y no concordaba con
los límites de
tiempo y espacio requeridos.

En este momento, revimos el sistema que habíamos
planteado intentando encontrar uno más sintético,
pudiendo de esta manera ejercitar los conceptos
semiológicos del libro de
Pierre Guiraud, "La Semiología", cumpliendo con los
objetivos de la cátedra.

Nuestro mayor inconveniente se dio en este ámbito, ya
que no encontramos suficientes ejemplos de este tema y surgieron
muchas dudas con respecto a la semiología de la imagen,
que luego fueron aclaradas mediante los apuntes de las clases
teóricas.

Admitimos que nuestro trabajo es reiterativo en ciertos
aspectos, sobre todo cuando abordamos la idea de progreso, del
resurgir económico, de la modernidad y del lujo. Esto, sin
embargo, se debe a que le dimos más importancia a las
connotaciones de las figuras y objetos, que al aspecto formal de
los mismos porque nos parecía que las motivaciones de los
diseñadores eran fundamentadas en un momento
histórico muy relevante que activó la
aceptación a lo diferente, tanto en lo artístico
como en lo social.

La consigna del trabajo fue muy interesante porque nos
permitió conocer a fondo un estilo, que nos era casi
desconocido, comparándolo con otros y, además,
brindándonos herramientas
de análisis muy útiles y un vocabulario
específico, acorde con la carrera que estamos
estudiando.

Autor:

Gisele Bulacio

Alejandra Burin

María de las Mercedes Cruz

Johanna Dzikowsky

Verónica Natalia García

Marina Bernadette Pons

María Lucía Ramos

Introducción a los Fundamentos del
Diseño

Cátedra Macchi

Universidad de Buenos Aires

Facultad de Arquitectura, Diseño y
Urbanismo

Diseño de Indumentaria y Textil

– 24 de Octubre de 2003 –