Artes visuales en el siglo XX

Problemática:

Escogí este tema de las artes visuales del siglo
XX para desarrollarlo como atracción de turismo en
México, porque fomenta la cultura, el turismo, la
educación y la convivencia, el cual también tiene
muchas ventajas para el progreso de la ecología, evitar el
narcotráfico y la delincuencia en el
país.

Las artes visuales se han desarrollado como una carrera
muy demandante para nuevos ingresos en universidades y
licenciaturas los cuales han llevado a crear nuevas tendencias en
arte, el cual también escojo este tema por interés
y gusto. Lo cual dedicare el tiempo necesario para sacar la
información necesaria para el lector interesado en este
tema y para mi conocimiento personal.

Este tema es de nuevas generaciones tanto para el
turismo para el interesado, esto está desarrollado desde
muchos ángulos y muchas clases de artes visuales. El tema
ha tomado mi atención desde hace mucho tiempo porque lo he
tomado como mi opción para mi carrera universitaria en el
futuro para algunos años y dedicarme a un arte que puede
dar muchos mensajes para quien lo vea, lo cual será un
tesis de punto final que abarcara muchas cosas desde el principio
de las artes visuales en el siglo XX, espero que les guste y les
deje un gran dato para quien pueda darse el tiempo de leer esta
tesis.

Ha sido común analizar el arte como un
fenómeno cuya inteligibilidad está dada
únicamente por el estudio de sus elementos formales. Esta
posición ha generado diversas teorías que
consideran al arte como algo cerrado en el mismo turismo, sin
vínculo alguno de sus orígenes como de sus
intenciones y atracciones en México. Arte por el arte,
arte desinteresado, juicios solamente estéticos,
estructura del arte, son algunos de los cuales se generó y
que en ocasiones la definen. Frente a ella, una corriente de
turismo más reciente piensa que el contexto social y
psicológico de México en que se desenvuelve el arte
es esencial para comprenderlo. Origina una sociología y
una psicología del arte que estudian esos factores sin
descuidar lo formal. Reconocemos en A. Hauser al iniciador de una
manera de analizar el arte ligada a la evolución
histórica de la producción artística y
turística en cierto sentido en la que se funden sus
aspectos formales, psicológicos y sociales. En efecto, su
sociología del arte, que comienza los estudios sobre el
público de arte y los intermediarios entre éste y
el artista, acepta la noción formal de estilo de H.
Wolfflin, sugiriendo que su evolución se encuentra en lo
social, en las interacciones y en los cambios de las razas
sociales que gustan del arte. Al mismo tiempo, sostiene que la
única manera en que los factores sociales pueden incidir
en lo formal, es a través de su paso por el psiquismo de
público y artistas. Lo psicológico media lo social
y lo formal.

Los tres elementos
que estructuran esta propuesta teórica se relacione con la
nuestra:

Social

El polo social toma cuerpo en las investigaciones sobre
el público a través de estudios históricos
que correlacionan las clases sociales con los distintos estilos.
Agregamos, el estudio de los intermediarios entre público
y productores, el estudio de los productores, de los
consumidores. Tres instancias que se proponen como elementos
constitutivos del campo artístico, subconjunto del campo
cultural que teoriza P. Bourdieu.

Psicológico

En Hauser la noción de ideología es el eje
psicológico que engarza lo social y lo artístico.
Se someterá a crítica este concepto, considerando
la psicología genética de J. Piaget.

Formal

Se trata de los rasgos estilísticos de la obra de
arte. Además, se extenderá el estudio de lo formal
a otros elementos presentes en la obra, como abstracción,
imagen manifiesta, contenido simbólico, equilibrios
formales, géneros.

La artes visuales se formas de arte que crean obras que
son principalmente visuales en la naturaleza, tales como
cerámica, dibujo, pintura, escultura, grabado, el
diseño, la artesanía, y las conocidas artes
visuales modernas (fotografía, video, Y cine) Y
arquitectura. Estas definiciones no deben ser tomadas seriamente
como muchas disciplinas artísticas (artes del
espectáculo, el arte conceptual, arte textil) Se refieren
a aspectos de las artes visuales, así como las artes de
otros tipos. También se incluyen dentro de las artes
visuales son los artes aplicadas tales como diseño
industrial, diseño gráfico, diseño de moda,
diseño de interiores y arte decorativo.

Como se indicó anteriormente, el uso actual del
término "artes visuales" incluye obras de arte así
como la aplicada, artes decorativas y artesanías, Pero
esto no siempre fue así. Antes de la Movimiento Arts and
Crafts en Gran Bretaña y en otros lugares a finales del
siglo 20, el artista plazo se limitó a menudo a una
persona que trabaja en las bellas artes (por ejemplo, pintura,
escultura o grabado) Y no artesanía, embarcaciones, Ni
aplicado los medios de comunicación del arte. La
distinción fue destacada por los artistas de la Movimiento
Arts and Crafts que valoraba las formas vernáculas de arte
tanto como las formas de alta. Escuelas de arte hizo una
distinción entre las bellas artes y las artesanías
sosteniendo que un artesano no podía ser considerado un
profesional del arte.

La creciente tendencia a la pintura privilegio, y una
escultura en menor medida, por encima de otras artes ha sido una
característica del arte occidental, así como Asia
oriental arte. En ambas regiones la pintura se ha considerado que
confía en el grado más alto en la
imaginación del artista, y lo más alejadas posible
de la mano de obra – en pintura china los estilos más
valorados fueron los de "académico-pintura", al menos en
teoría practicado por aficionados caballero. El Occidental
jerarquía de los géneros refleja actitudes
similares.

Educación y
formación

La formación en las artes visuales en general ha
sido a través de las variaciones del aprendiz y el taller
del sistema. En Europa, la Renacimiento movimiento para aumentar
el prestigio del artista llevó a la academia sistema para
la formación de artistas, y hoy en día la
mayoría de tren en escuelas de arte a un nivel superior.
Las artes visuales se han convertido en una asignatura optativa
en la mayoría de los sistemas de
educación.

Dibujo

Dibujo es un medio de hacer una imagen, Usando
cualquiera de una amplia variedad de herramientas y
técnicas. Por lo general, implica la realización de
marcas en una superficie mediante la aplicación de la
presión de una herramienta, o mover una herramienta a
través de una superficie seca usando los medios de
comunicación tales como grafito lápices, pluma y
tinta, entintado cepillos, Cera lápices de colores,
lápices de colores, carboncillos, pasteles, Y marcadores.
Las herramientas digitales que simulan los efectos de que se
siguen utilizando. Las principales técnicas utilizadas en
la elaboración son: dibujo lineal, incubar, Cruce de
líneas, para incubar al azar, garabatos, punteado y
mezcla. Un artista que destaca en el dibujo que se conoce como un
ponente o ponente de opinión ".

Principios de la historia

Dibujo se remonta por lo menos 16.000 años
Paleolítico las representaciones rupestres de animales
como las Lascaux en Francia y Altamira en España. En el
antiguo Egipto, Dibujos de tinta sobre papiro, La gente que
representa, se utilizaron como modelos para la pintura o la
escultura. Dibujos en vasos griegos, Geométricas
inicialmente, más tarde se convirtió a la forma
humana con negro de la figura de cerámica durante el siglo
séptimo antes de Cristo.

Renacimiento

Con el papel cada vez más común en Europa
en el siglo 15, el dibujo ha sido aprobado por maestros como
Sandro Botticelli, Raphael, Miguel Ángel, Y Leonardo da
Vinci que a veces tratan de dibujo como un arte por derecho
propio en lugar de una fase preparatoria para la pintura o la
escultura.

Pintura

Pintura tomado literalmente es la práctica de la
aplicación pigmento suspendidas en un soporte (o medio) Y
un agente de enlace (un pegamento) A una superficie (De apoyo)
como de papel, lienzo o una pared. Sin embargo, cuando se utiliza
en un sentido artístico que significa el uso de esta
actividad en combinación con dibujo, composición y
otras consideraciones estéticas con el fin de manifestar
la intención expresiva y conceptual del practicante. La
pintura es también utilizado para expresar los motivos
espirituales y las ideas; sitios de este tipo de pintura gama de
obras de arte que representan figuras mitológicas en la
cerámica de La Capilla Sixtina el propio cuerpo
humano.

Orígenes e historia
temprana

Como el dibujo, la pintura tiene su origen en las cuevas
y en las paredes rocosas. Los mejores ejemplos, algunos creen que
de 32.000 años de antigüedad, están en el
Chauvet y Lascaux cuevas en el sur de Francia. En tonos de rojo,
marrón, amarillo y negro, las pinturas en las paredes y
los techos son de bisontes, vacas, caballos y ciervos. Raphael:
Transfiguración (1520)

Las pinturas de figuras humanas se pueden encontrar en
las tumbas del antiguo Egipto. En el gran templo de Ramsés
II, Nefertari, Su reina, se representa dirigido por Isis. Los
griegos contribuyeron al desarrollo de la pintura pero gran parte
de su trabajo se ha perdido. Una de las mejores representaciones
que queda es el mosaico de la Batalla de Issos que se encuentran
en Pompeya que probablemente se basó en una pintura
griega. El arte griego y romano contribuyó a el arte
bizantino en el siglo cuarto antes de Cristo, que inició
una tradición en la pintura de iconos.

El Renacimiento

Aparte de los manuscritos iluminados producido por los
monjes durante la Media Edad, La próxima
contribución significativa al arte europeo era de pintores
italianos del renacimiento. Desde Giotto en el siglo 13 al
Leonardo da Vinci y Raphael a principios del siglo 16, este fue
el periodo más rico en el arte italiano como el claroscuro
técnico se utilizó para crear la ilusión del
espacio 3-D. Rembrandt: La ronda de noche

Pintores en el norte de Europa también se vieron
influidos por la escuela italiana. Jan van Eyck de
Bélgica, Pieter Bruegel el Viejo de los Países
Bajos y Hans Holbein el Joven de Alemania se encuentran entre los
pintores de más éxito del momento. Utilizaron el
técnica de acristalamiento con aceites para lograr la
profundidad y la luminosidad. Claude Monet: Déjeuner sur
l"herbe (1866)

Maestros holandeses

El siglo 17 vio el surgimiento de los grandes maestros
holandeses como el versátil Rembrandt que es especialmente
recordado por sus retratos y escenas de la Biblia, y Vermeer que
se especializó en escenas interiores de la vida
holandesa.

Impresionismo

Impresionismo se inició en Francia en el siglo
IXX con una asociación libre de artistas como Claude
Monet, Pierre-Auguste Renoir y Paul Cézanne que trajo un
nuevo estilo libremente cepillado a la pintura, a menudo eligen
pintar escenas realistas de la vida moderna fuera de lugar que en
el estudio. Alcanzaron una intensa vibración del color
mediante el uso de colores puros, sin mezclar y movimientos
cortos pincel. Paul Gauguin: La visión después del
sermón (1888) Edvard Munch: El grito (1893)

Post-impresionismo

Hacia el final del siglo IXX, varios jóvenes
pintores del impresionismo tuvo un paso más, usando las
formas geométricas y el color natural para representar las
emociones mientras se esfuerza para una mayor simbolismo. De
particular interés son Paul Gauguin, Que fue fuertemente
influenciado por el arte asiático, africano y
japonés, Vincent van Gogh, Un holandés que se
trasladó a Francia, donde se basó en la fuerte luz
del sol del sur, y Toulouse-Lautrec, Recordado por sus
vívidas pinturas de la vida nocturna en el distrito de
París Montmartre. El simbolismo, el expresionismo y el
cubismo Artículo principal: Arte moderno

Edvard Munch, Un artista noruego, desarrolló su
enfoque simbolista al final del siglo IXX, inspirada por el
impresionista francés Manet. El grito (1893), su obra
más famosa, es ampliamente interpretado como la
representación de la angustia universal del hombre
moderno. En parte como resultado de la influencia de Munch, el
alemán expresionista el movimiento se originó en
Alemania a principios del siglo XX como artistas como Ernst
Kirschner y Erich Heckel comenzó a distorsionar la
realidad de un efecto emocional. Al mismo tiempo, el estilo
conocido como cubismo desarrollado en Francia como artistas se
centró en el volumen y el espacio de las estructuras de
fuerte dentro de una composición. Pablo Picasso y Georges
Braque fueron los principales defensores del movimiento. Los
objetos se rompen, analizar y volver a montarse en una forma
abstracta. En la década de 1920, el estilo se había
convertido en el surrealismo con Dalí y
Magritte.

Grabado

Grabado está creando para los propósitos
artísticos de una imagen en una matriz que se transfiere a
una de dos dimensiones (planas) la superficie por medio de tinta
(o cualquier otra forma de pigmentación). Salvo en el caso
de un monotipia, La misma matriz se puede utilizar para producir
muchos ejemplos de la impresión. Históricamente,
las técnicas más importantes (también
llamados medios de comunicación) están involucrados
xilografía, línea de grabado, aguafuerte,
litografía, Y la serigrafía (serigrafía,
serigrafía), pero hay muchos otros, incluyendo
técnicas digitales modernas. Normalmente, la superficie
sobre la cual está impresa la huella es de papel, Pero hay
excepciones, a partir de tejido y vitela a los materiales
modernos. Imprime en la tradición occidental producidos
antes de 1830 se conocen como viejo maestro imprime. Hay otras
tradiciones grabado importante, especialmente la de
Japón

Origen chino

En China, El arte del grabado desarrolló hace
unos 1.100 años como ilustraciones junto al texto cortado
en bloques de madera para la impresión en papel. En un
principio las imágenes eran principalmente religiosos,
pero en el Dinastía Song, Los artistas empezaron a cortar
los paisajes. Durante el Ming (1368–1644) y Qing
(1616–1911) dinastías, la técnica se
perfeccionó tanto para grabados religiosos y
artísticos.

La historia de Europa

En Europa, desde alrededor de 1400 D.C
xilografía, Se utilizó para maestro de impresiones
en papel mediante el uso de técnicas para la
impresión sobre tela que se había desarrollado en
los mundos bizantino e islámico. Michael Wolgemut mejora
de grabado en madera alemán de cerca de 1475, y Erhard
Reuwich, Un holandés, fue el primero en utilizar
esgrafiado. Al final del siglo Alberto Durero trajo la
xilografía occidental a un nivel que nunca ha sido
superado, aumentando el estado de la xilografía de una
hoja.

Fotografía

Fotografía es el proceso de toma de
imágenes por medio de la acción de la luz. Luz
patrones reflejados o emitidos por los objetos se registran en un
medio sensible o un chip de almacenamiento a través de un
tiempo la exposición. El proceso se realiza a
través mecánica, químicos o digitales
dispositivos conocidos como cámaras.

La palabra proviene de las palabras griegas
("Luz"),"Lápiz", "pincel" o Así que significa
"dibujar con luz" o "la representación por medio de
líneas" o "dibujo". Tradicionalmente, el producto de la
fotografía ha sido llamado un fotografía. El
término foto es una abreviatura, muchas personas
también los llaman imágenes. En fotografía
digital, el término imagen ha comenzado a reemplazar
fotografía. (El término imagen es tradicional en
geométrica óptica.)

Cine

El cine es el proceso de hacer un movimiento de la
imagen, desde una concepción inicial y la
investigación, a través de escritura de guiones,
rodaje y grabación, animación y otros efectos
especiales, montaje, sonido y trabajar la música y la
distribución por último a una audiencia, se refiere
ampliamente a la creación de todo tipo de
películas, documentales que abarca, las cepas del teatro y
la literatura en el cine, y las prácticas poéticas
o experimental, y se utiliza a menudo para referirse a los
procesos basados en vídeo, también.

Equipo de arte

Los artistas visuales ya no se limitan a los medios
tradicionales del arte. Las computadoras han sido utilizadas como
una herramienta cada vez más comunes en el arte visual
desde la década de 1960. Utilización de ordenadores
en las artes visuales incluyen el la captura de o la
creación de imágenes y formas, la edición de
las imágenes y las formas (incluyendo la
exploración de múltiples composiciones) Y luego la
final prestación y / o impresión (Incluyendo
impresión en 3D).

Equipo de arte es cualquier el arte en el que
computadoras desempeñado un papel en la producción
o exhibición de la obra de arte. Este arte puede ser una
imagen, sonido, animación, video, CD-ROM, DVD,
videojuegos, página web, algoritmo, rendimiento o la
galería de la instalación. Muchas disciplinas
tradicionales son la integración de digitales
tecnologías y, en consecuencia, las líneas entre
las obras tradicionales del arte y nuevos medios de
comunicación las obras creadas usando las computadoras se
han desdibujado. Por ejemplo, un artista puede combinar la
tradicional pintura con arte algorítmico y técnicas
digitales. Como resultado, la definición de arte de la
computadora por su producto final lo que puede ser
difícil. Sin embargo, este tipo de arte está
comenzando a aparecer en piezas de museo de arte, aunque
todavía tiene que demostrar su legitimidad como á
la forma misma y de esta tecnología es ampliamente visto
en el arte contemporáneo más como una herramienta
más que una forma como con la pintura.

uso de la computadora ha desdibujado las distinciones
entre ilustradores, fotógrafos, editores de
fotografía, modeladores en 3-DY artistas de
artesanía. prestación sofisticado y software de
edición ha llevado a los desarrolladores de imagen de
múltiples talentos. Fotógrafos puede llegar a ser
artistas digitales. Ilustradores pueden llegar a ser animadores.
Artesanía puede ser asistido por ordenador o el uso
imágenes generadas por ordenador como una plantilla.
Equipo clipart uso también ha hecho una clara
distinción entre las artes visuales y diseño de la
página menos evidente debido a la facilidad de acceso y
edición de imágenes prediseñadas en el
proceso de paginar un documento, sobre todo para el observador
inexperto.

Escultura

Escultura es tres dimensiones obras de arte creadas por
la configuración o combinación de materiales duros
– normalmente piedra – O mármol, Metal, vidrio o madera.
Más suave ("plástico") materiales también se
pueden utilizar, por ejemplo arcilla, textiles, Plásticos,
polímeros y los metales más blandos.

El término se ha extendido a las obras del
sonido, de texto y la luz.

Objetos encontrados se pueden presentar como esculturas.
Los materiales pueden ser trabajados por el retiro, tales como
tallado, O pueden montarse como por soldadura, Endurecido como
por disparo o moldeado o reparto. Superficie de
decoración, tales como pintura se puede aplicar. La
escultura ha sido descrita como uno de los artes plásticas
ya que puede implicar el uso de materiales que se puede moldear o
modulada.

La escultura es una importante forma de arte
público. Una colección de escultura en un
jardín ajuste puede ser contemplado como un Jardín
de Esculturas.

Así, incluso la definición más
restringida podría incluir Arquitectura, Cerámica,
Collage, Arte conceptual, Dibujo, Arte en vidrio, Land Art,
Industria del metal, Mosaico, Pintura, Papel de arte, El uso de
plásticos dentro de la artes o como una forma de arte en
sí, Grabado, Escultura, Arte Textil, Soldadura, Para
trabajar la madera, Cine, Fotografía En Película,
Los nuevos medios de arte.

Las artes
visuales.

Historia de las artes visuales en
México.

Tipos de artes visuales.

Artes visuales como turismo.

Durante el siglo XX se producen importantes
descubrimientos científicos y la creación de
múltiples recursos tecnológicos. En el
ámbito social ocurren cambios significativos en la
dinámica de las relaciones humanas, económicas y
laborales de producción y distribución de bienes,
etc. Todo esto enlaza un período de gran complejidad del
cual da cuenta la producción artística.

Producto de los cambios socioculturales comienzan a
adquirir mayor presencia las mujeres artistas y
creadoras.

Este tema, así también, en relación
a otros importantes fenómenos socio cultural que han
marcado el período y que se reflejan en las Artes
Visuales, tales como la conservación de los recursos
naturales, reciclaje y respeto por el medio ambiente.

La realización de esta unidad busca sensibilizar
a los interesados para que aprendan a observar y reconocer los
tipos de estilos y lo que cada artista pretende manifestar, a
través de su obra.

Artes visuales.

El concepto de las Artes Visuales se plasmo a fines de
la Segunda Guerra Mundial, donde los artistas que se encontraban
en diferentes zonas del mundo emigraron a New York, donde sus
obras y trabajos plasmaban cada vez más la libertad de
expresión sobre ciertas tendencia vanguardista a fines del
siglo XIX, uno de los cuales plasmaron una de sus obras es Marcel
Duchamp.

Alrededor de 1980 cuando el término "Artes
Visuales" empieza a predominar en el vocabulario, pues es
más adecuado para el arte contemporáneo que la
denominación "Artes Plásticas".

En las artes plásticas se comprende que cada una
de las disciplinas, ya sea dibujo, grabado, escultura, pintura o
fotografía, es un ámbito cerrado en sí
mismo, con sus métodos y fronteras bien
definidas.

En cambio, el arte desde la segunda mitad del Siglo. XX
en adelante, propone una interacción; en principio esto se
lleva a cabo integrando a la pintura o escultura, otros recursos
y lenguajes diversos, tales como sonidos, escritura,
imágenes en movimiento, etc.

Esto naturalmente genera una amplia cantidad de formas
posibles de hacer arte, ya que los criterios de producción
y clasificación son más abiertos e
integrados.

Los artistas visuales normalmente circulan por diversas
áreas creativas: diseñan ambientes o instalaciones,
crean actos teatrales efímeros o performances, luego se
interesan en utilizar videos, imágenes de TV y medios
digitales, experimentan integrando la escultura con la pintura o
con la imagen en movimiento, recogen objetos y los utilizan
estéticamente, intervienen fotografías, recurren a
la música o a la luz, se alimentan del cómic, del
imaginario popular y los medios de masas, o toman prestado
elementos de la publicidad y el diseño.

Y muchas veces, crean y diseñan la obra, pero
otras personas las hacen.

Las ideas que definen el Arte Visual son:

Apropiación, por parte del artista, de una
cantidad ilimitada de recursos así como de estilos,
incluso de siglos pasados (Renacimiento o Quattrocento, Barroco,
Neoclasicismo, Romanticismo), los que son incorporados de modo
innovador al interior de las composiciones.

Circulación y Experimentación, puesto que
la gran mayoría de los artistas cuenta con una disciplina
base, por ejemplo, pintura o fotografía, pero investiga
otras disciplinas que puedan potenciar estéticamente su
producción; ésta es vista entonces como una
continuidad (basada en conceptos) que se presenta a través
de diferentes soportes y materias.

Pluralismo y Globalización: tiene que ver con la
fluida comunicación entre artistas de distintos
países y continentes, facilitada por medios de
comunicación como Internet, o por las cada vez más
óptimas condiciones de viaje, traspaso de fronteras y
emigración. El fenómeno de la globalización
permite un enriquecimiento del lenguaje artístico, puesto
que ingresan a la "escena internacional" artistas tercermundistas
que aportan elementos estéticos de sus propias culturas;
así mismo, se produce una suerte de similitud general en
el estilo: ya no se distingue una obra como característica
de un país, y tampoco es relevante que así
sea.

Estrategias Expositivas: tanto los artistas como los
curadores buscan nuevas estrategias expositivas acordes a la
naturaleza de las obras, creando exposiciones innovadoras en
ideas, montaje y formatos. Experimentan con la ocupación
de espacios públicos o sitios abandonados, la
instalación de la muestra exclusivamente en Internet o en
periódicos, y también con variaciones en la
duración de la misma: desde pocas horas, hasta el
clásico período de varias semanas o meses de
exhibición.

CONCEPTOS BÁSICOS:

– ARTE:
Acto mediante el cual, valiéndose de la materia
o de lo visible, imita o expresa
el hombre lo material o lo invisible, y crea copiando o
fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a
toda creación u obra que exprese lo que el
hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones
de belleza y estética.
El artista para crear, requiere ante todo estar dotado de
imaginación, a través de la cual responde al vasto
y multiforme mundo externo expresando sus sentimientos por medio
de palabras, formas, colores
y sonidos.

ARQUITECTURA: En un sentido corriente, la
Arquitectura es el arte de construir, de acuerdo con un programa
y empleando los medios diversos de que se dispone en cada
época; así podemos definirla como el arte de
proyectar y construir estructuras. La misma tiene un
sólido fundamento científico y obedece a una
técnica compleja, por esta razón se dice que
sólo es arte cuando la construcción es expresiva de
la voluntad espiritual de una época y esa expresión
arquitectónica es el resultado de todos los elementos
constitutivos que emanan esencialmente de las relaciones que se
entablan con el espacio que conforma la obra y el espacio que lo
circunda. De allí cabe resaltar que la Arquitectura es el
arte de conformar el espacio, transformándolo. En sus
más acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra unir
la belleza y la utilidad, a tal punto que una depende de la otra,
pues una obra no es hermosa si no se adapta al fin para el cual
se destina.

ESCULTURA: La Escultura es el arte de crear
formas expresivas de tres dimensiones reales, sean
volúmenes, cuando se emplean materiales compactos, sean
objetos en los que predomina el espacio, apenas delimitado o
indicado mediante ejes que lo recorren, cuando se emplean
materiales que pueden reducirse a hilos, cintas, cuerdas, etc. o
materiales transparentes. La primera forma es la tradicional, la
segunda se desprende del carácter que tiene la escultura
de vanguardia, pero ambas afirman la tridimensionalidad. El
escultor tradicional crea formas volumétricas modelando
una sustancia dotada de cierta plasticidad, como la cera y la
arcilla húmeda, o tallando materias duras como la piedra,
el granito, la madera, el marfil, o bien haciendo moldes que le
permiten reproducir en relieve lo que aquellos representan en
hueco. El escultor moderno crea formas espaciales utilizando
piezas de hiero fundido, hilos de alambre, cintas de acero,
filamentos de madera, cuerdas de violín y materiales
plásticos variados.

PINTURA: Arte que representa en superficie plana
cualquier objeto real o imaginario por medio del dibujo y el
color. Los testimonios más antiguos del arte humano son
dibujos y pinturas que los primitivos habitantes del planeta
dejaron en cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron
llamadas Rupestres. Desde el punto de vista técnico la
pintura se dice que es al fresco cuando se aplica a paredes y
techo usando colores disueltos en agua y cal; al óleo
cuando ha sido elaborada con colores desleídos en aceite
secante, por lo general sobre una tela. La pintura al pastel se
efectúa con lápices blandos y pastosos; la acuarela
emplea colores transparentes diluidos en agua; a la aguada se
llama el procedimiento de emplear colores espesos, templados con
agua de goma y miel; pintura al temple es la preparada con
líquidos glutinosos y calientes, en ella se emplea entre
otros productos, el agua de cola. En la llamada de porcelana se
usan colores minerales endurecidos y unidos por medio del
fuego.

DISEÑO INDUSTRIAL: El diseño
industrial (considerado como el desarrollo de objetos
funcionales para el uso humano) existe desde que el hombre
creó sus primeros utensilios. Pero el verdadero avance en
este campo se dio con la Revolución Industrial a fines del
siglo XIX que originó la producción en
serie.

CINE: El cine es el arte del siglo XX por
excelencia. La creación de este nuevo arte fue una especie
revolución social y creativa que posibilitó un
universo de ideas nuevas y a su vez la difusión masiva de
estas. Su éxito fue inmediato y poco a poco se
agregó sonido a las películas y luego color. Las
capacidades expresivas del séptimo arte parecen ilimitadas
ya que es una fusión entre, fotografía,
escenografía, vestuario, música, actuación,
iluminación, literatura, etc.

Otras nuevas artes

La lista de nuevas artes es extensa y cada día
surgen más formas de expresión, muchas de ellas no
gozan aún de aceptación o de reconocimiento
oficial. Podemos destacar algunas como: arte
conceptual, happening,
grafiti, entre otras.

ARTES VISUALES: En su sentido más general,
son las que se relacionan con la impresión e
ilustración, las que se expresan por medio de
gráficos e imágenes; abarca todas las artes que se
representan sobre una superficie plana. Las Artes Visuales tienen
como función el comunicar lo que el artista desea expresar
por medio de un lenguaje visual, atendiendo tanto a los elementos
compositivos como a los principios compositivos, para que la obra
en sí resulte agradable y de buen gusto para quien la
observe.

Las artes visuales son formas de arte que se enfocan en
la creación de trabajos que son principalmente visuales
por naturaleza, como la pintura, y más tarde,
fotografía, impresión y
el cine.

Aquellas que implican objetos tridimensionales, como la
escultura y la arquitectura, son llamadas artes
plásticas.

Muchas disciplinas consideradas artísticas como
las artes escénicas, presentan aspectos de las artes
visuales, por lo que estas definiciones no son
estrictas.

Los así llamados "grafitis" pueden ser
considerados ejemplos de artes visuales solamente si su
elaboración es considerada artística.

PRINCIPIOS DEL ARTE
TRADICIONAL

En las consideraciones que seguirán, partimos de
la idea fundamental de que todo oficio puede ser el soporte de
una realización espiritual, y ello gracias a su
simbolismo, que refleja, en el plano terrestre, una
función universal determinada; en otras palabras, el arte
o el oficio -que tradicionalmente no son sino uno- debe
simbólicamente corresponder a una actividad divina, y por
ello mismo se vincula con el ángel que es su agente
cósmico, lo cual se halla explícitamente formulado
en el siguiente pasaje del Aitareya-Brâhmana. Es por la
imitación de las obras de arte angélicas que toda
obra de arte se cumple aquí abajo, ya se trate de un
elefante de barro cocido, de un objeto de bronce o de oro, de un
vestido o de un carro de mulas. Todo oficio tradicional
refleja entonces, según un modo particular, la
producción del mundo, y es precisamente en virtud de esta
analogía entre el proceso cosmogónico y la apertura
espiritual -que necesariamente se incorpora a una substancia
micro cósmico- que el arte o el oficio se presta, por
así decir, muy naturalmente, a servir de vehículo
al trabajo iniciático.

Debemos aquí prevenir un error debido a una falsa
generalización: si bien es cierto que toda actividad
terrestre, sea cual sea, tiene su razón de ser en el
correspondiente prototipo universal, y que nada podría
estar separado de su principio trascendente -y, bajo este
aspecto, toda obra humana se presenta forzosamente como un
reflejo micro cósmico de la producción del mundo-,
hay no obstante una diferencia radical entre un acto ritual -es
decir, un acto directamente determinado por un prototipo celeste-
y las actividades no rituales, tales como las que predominan en
los oficios modernos. Esta diferencia es análoga a la que
existe entre una figura geométrica, luego regular y
fundamental, tal como el círculo, el triángulo
equilátero o el cuadrado, y la multitud indefinida de los
trazados irregulares. Las figuras geométricas regulares,
fundamentales o centrales son, en el espacio, las representantes
más directas de los prototipos universales; la diferencia
que las separa de otras formas espaciales igualmente posibles es
casi absoluta, es decir, es tan grande como pueda serlo una
diferencia en este dominio, y ello precisamente porque es de
orden cualitativo. Ahora bien, es sólo en el interior de
un dominio determinado de la manifestación que la
diferencia entre lo que es el principio y lo que deriva de este
último puede verdaderamente manifestarse, pues fuera de
este marco la manifestación debe anularse ante su
principio, o bien reducirse a él. Como estos dos puntos de
vista son incompatibles, es absurdo recurrir al argumento de la
relatividad de toda manifestación a fin de hacer
desaparecer las diferencias que ésta implica, tal como por
ejemplo la diferencia entre los actos rituales y los
profanos.

El carácter ritual o central de los oficios
tradicionales es por lo demás inseparable del hecho de que
actualicen posibilidades inmediatas y necesarias de la actividad
humana, y esto es conforme al origen primordial que las
civilizaciones tradicionales les reconocen

La analogía entre la producción del mundo
y el proceder del artesano tradicional se revela con particular
evidencia en la construcción de los templos, pues todo
templo es una imagen del cosmos, al que refleja de acuerdo con un
lenguaje espiritual determinado; y, siendo una imagen del cosmos,
será a fortiori una imagen del Ser y de sus posibilidades,
que están como exteriorizadas o cristalizadas en el
edificio cósmico; según esta perspectiva, la
inmovilidad del templo será como el reflejo de la
inmutabilidad de las leyes cósmicas, y a fortiori
del Ser. El proceso de la construcción imita el de la
producción del mundo a partir del caos primordial, y
existe por ello una semejanza y relaciones fijas entre el templo
y el mundo corporal en su conjunto, lo que se expresa por la
orientación del edificio según las direcciones
astronómicas. Pero mientras que el conjunto del mundo
planetario está regido por el movimiento de los astros,
que evolucionan a la vez en el espacio y en el tiempo, el
edificio sagrado traslada estas mismas medidas sólo en el
espacio, por la fijación de sus ejes rectores; por lo
demás, la imagen escultórica debe, también,
obedecer a estas mismas leyes de transposición.

El arte de la construcción de los templos engloba
al de la escultura, ya que, en la construcción de los
templos en piedra y especialmente de las catedrales, cada piedra
era tallada por el cantero antes de su colocación; el
escultor era ante todo un tallador de piedra, y el propio
arquitecto no era sino el primero de entre los talladores, aquel
que, por su visión de conjunto, sabía discernir la
justa talla de cada pieza. La formación del cosmos a
partir del caos, trazada en la construcción del edificio
sagrado, se repite entonces en menor escala en la talla regular
de la piedra bruta, que representa así la materia prima de
la obra.

Para mejor dar cuenta del sentido espiritual del oficio,
es preciso ante todo lanzar una mirada sobre los instrumentos: se
comprenderá, al respecto de la analogía entre la
actividad artesanal y las funciones universales o
angélicas, que los instrumentos empleados por el artesano
son la imagen de lo que podría ser denominado los
instrumentos macro cósmicos; y recordemos a este
propósito que, en el simbolismo de las distintas
mitologías, a menudo los instrumentos son identificados
con atributos divinos; lo cual explica fácilmente el hecho
de que la transmisión iniciática estuviera
estrechamente ligada, en las iniciaciones artesanales, a la
entrega de los instrumentos del oficio; se podría decir
entonces que el instrumento es más que el artista, en el
sentido de que su simbolismo desborda al individuo como
tal.

Los instrumentos del escultor, el martillo y el cincel,
son la imagen de los agentes cósmicos que diferencian la
materia primera, representada aquí por la piedra bruta.
Este complementarismo entre el cincel y la piedra se encuentra
necesariamente, por lo demás, en distintas formas, en la
mayor parte de los oficios tradicionales, si no en todos;
así, el arado desbroza la tierra como el cincel trabaja la
piedra, y es también de la misma manera, principalmente
hablando, que la pluma transforma el papel; el instrumento que
corta o que moldea aparece siempre como el agente de un principio
masculino que determina a una materia femenina. El cincel
corresponde evidentemente a una facultad de distinción o
de discriminación; activo con respecto a la tierra, se
hace pasivo a su vez cuando se lo considera en su conexión
con el martillo, del que por así decir sufre el impulso.
En su aplicación iniciática, operativa, el cincel
simboliza un conocimiento distintivo, y el martillo la voluntad
espiritual que actualiza o estimula este conocimiento; la
facultad cognitiva se halla así situada por debajo de la
facultad volitiva, lo que a primera vista parece contrario a la
jerarquía normal, pero esta aparente contradicción
se explica por la inversión metafísicamente
necesaria que sufre, en el dominio práctico, la
relación principal según la cual el conocimiento
precede a la voluntad. Así, el elemento espiritual o supra
individual, que por definición es del orden de la
contemplación, se manifiesta como el elemento
dinámico sobre el plano del trabajo espiritual, mientras
que el elemento volitivo o individual adopta, en el mismo plano,
la forma de una contemplación; el conocimiento espiritual
se hace voluntad, y la voluntad deviene discernimiento;
recordemos, por otra parte, a propósito de ello, que es la
mano derecha la que maneja el martillo, y la mano izquierda la
que guía al cincel. El conocimiento principal puro,
doctrinal si se quiere -del que el discernimiento en
cuestión no es sino su aplicación micro
cósmica práctica, metódica no interviene
activamente, o mejor dicho directamente, en el trabajo de
realización espiritual, sino que lo ordena conforme a las
verdades inmutables; este conocimiento trascendente se halla
simbolizado, en el método espiritual del tallador de
piedra, por los diversos instrumentos de medida, tales como el
hilo de plomo, el nivel, la escuadra y el compás,
imágenes de los arquetipos inmutables que rigen todas las
fases de la obra.