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El Pop Art y el Estilo Internacional (página 2)

Enviado por Ariel Winiar



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Estilo Internacional

Se conoce como Estilo Internacional a la corriente arquitectónica, enclavada dentro de la arquitectura moderna, que velaba por una forma de proyectación universalizante y desprovista de rasgos regionales. Comenzó a tomar forma en Europa en la década de 1920 a 1930, en el período de entreguerras. Esta corriente es fuente del posterior Movimiento Moderno.

El Estilo Internacional se caracterizó, en lo formal, por su énfasis en la ortogonalidad (ángulo recto), el empleo de superficies lisas, pulidas, desprovistas de toda aplicación ornamental, y el efecto visual de ligereza que permitía la construcción en voladizo, para entonces novedosa.

El Estilo Internacional fue el resultado de la evolución de la industrialización, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los materiales. El empleo de las nuevas técnicas y materiales, como el hormigón armado, permitían también la amplitud espacial que caracterizó a los interiores de los edificios de este movimiento.

La industrialización acelerada de las sociedades europeas y norteamericanas comenzó a crear la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces desconocidos; entre ellos, el edificio de oficinas, el bloque de departamentos, las nuevas fábricas, preparadas para albergar novedosas maquinarias y gran cantidad de obreros.

La invención del hormigón armado y el mejoramiento de las aleaciones de acero, como parte del estudio evolutivo de la ciencia de los materiales, sumado al desarrollo de la ingeniería y la mecánica, como vimos, todo eso conllevaría nuevas posibilidades estructurales que harían realidad edificios más altos, más resistentes, más espaciosos y más funcionales.

La corriente, cuyos notables exponentes son Van der Rohe, Gropius y Le Corbusier, viene a romper con el eclecticismo no funcional que caracterizó al siglo XIX; pues se fusionaban distintos estilos, pero sin considerar la relación armónica necesaria entre forma y utilidad.

POP ART: Autores

Robert Rauschenberg (1925 – actual)

A finales de la de la década de 1950, Robert Rauschenberg protagonizó junto a Jasper Johns la recuperación del espíritu dadá en Estados Unidos.
Es considerado como el padre del Pop Art, influenciado por el dadaísmo.

En los ´50 utiliza la técnica del frottage, un trabajo que tuvo fuerte influencia en el Pop Art de la década siguiente. Experimentó además son la serigrafía, primero en blanco y negro y, luego en color. Hacia la mitad de esa década, comenzó a producir sus combine paintings, una mezcla de pintura, assemblages y collages donde incluye objetos reales como fotografías, y objetos encontrados (agujas oxidadas, trozos de periódicos, etc.), generalmente desechos de la sociedad de consumo. A través de su pintura, hace una representación de la vida cotidiana de su tiempo.

Aunque Rauschenberg mantuvo siempre algo del expresionismo abstracto, a la vez se rebelaba contra él. Por otra parte, su encuentro con Marcel Duchamp fue decisivo para la recuperación de los métodos dadaístas y la incorporación del collage en su obra.

Rauschenberg no da al espectador ninguna referencia a la hora de interpretar un cuadro. La mirada no está guiada mediante ningún tipo de composición determinada, sino que se va a abriendo camino por la superficie del cuadro en busca de un punto para orientarse.

Jasper Johns (1930 – actual)

Pintor, escultor y artista gráfico estadounidense que ha integrado a su expresión pictórica una serie de elementos del Arte Pop, se lo considera, junto a Rauschenberg, uno de los mayores exponentes del neodadaísmo, corriente que surge en estos años en el ámbito de la vanguardia neoyorquina.

Comienza su actividad artística en los años 50, alejado del expresionismo abstracto que en ese momento estaba en auge. Utiliza en sus obras objetos cotidianos tales como banderas, números, mapas, letras o reglas y compases, no tanto como representaciones, sino para crear la idea de pintura como objeto en sí mismo, por medio de gruesas superficies pictóricas y grandes riquezas cromáticas. En sus cuadros de banderas escarba en la identidad de las cosas en sí. Esta idea de "arte-objeto" se convirtió en una poderosa influencia en la escultura y la pintura posteriores, especialmente en el Pop Art.

En los años 70 abandona esta práctica volviendo a una búsqueda puramente pictórica. A principios de 1987 volvió a abrir una nueva senda al exponer en la ciudad de Nueva York un ciclo de cuatro obras tituladas Las Estaciones. Se considera que estas pinturas han sido muy significativas para la historia del arte estadounidense.

ESTILO INTERNACIONAL

Ludwig Mies Van Der Rohe (1886 – 1969)

Arquitecto y diseñador, trabajó en el despacho de Peter Behrens, bajo cuya influencia Mies desarrolló un estilo arquitectónico basado en técnicas estructurales avanzadas y en el clasicismo prusiano. Ha sido uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna y el máximo exponente del siglo XX en la construcción de acero y vidrio.

Luego de la Primera Guerra Mundial, realiza un proyecto de viviendas con diseños de Le Corbusier y Gropius. De esta manera, intenta resolver la cruda crisis de posguerra, ante una Europa devastada, a través de un plan arquitectónico integral de recuperación. Siempre mediante el método de "estilo internacional" inaugurado por el mismo Van der Rohe. El estilo internacional es racionalista, pues adopta una modalidad expeditiva y funcional a las necesidades imperantes.

En 1929 Mies recibe el encargo de proyectar el Pabellón nacional de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, el cual consistía básicamente en un salón protocolar y para el que hizo un diseño que lo convertiría no sólo en la atracción del evento, sino en una de las obras de arquitectura más innovadoras que se han hecho por la extrema simpleza de sus elementos y composición espacial.

Fue director de la famosa Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, uno de los focos principales para la evolución del movimiento moderno, entre 1930 y 1933, fecha en que fue clausurada por el partido nazi. En 1937 emigró a Estados Unidos, ante la catástrofe que anunciaba el nazismo, donde ejerció el cargo de director de la Escuela de Arquitectura del Illinois Institute of Technology, estableciéndose como arquitecto y diseñador influyente.

A partir de 1945, Mies se inclina hacia el Movimiento Moderno. En 1958, construyó el edificio Seagram en Nueva York, que se consideró la máxima expresión de la arquitectura internacional. Se trata de un edifico de fachadas acristaladas, de líneas claras y sobrias, construido según la técnica del "muro cortina" desarrollada por él mismo, que consiste en un fachada sin función de sustentación, la cual recae en pilares situados detrás de ésta.

Mies recibió numerosos encargos para diseñar edificios de todo tipo, incluidos algunos rascacielos que siguen siendo totalmente actuales en su diseño a pesar de los años transcurridos. A lo largo de su vida profesional Mies luchó por conseguir una arquitectura de carácter universal y simple, y que fuese honesta en el empleo de los materiales y en las estructuras. Fue así como hizo célebre la frase "less is more" ("menos es más"), la cual se convirtió en el lema de la arquitectura de vanguardia de la primera mitad del Siglo XX, y al mismo tiempo en uno de los conceptos más discutidos en la teoría Arquitectónica.

También, como diseñador, Ludwig Mies Van der Rohe creó la muy famosa línea de muebles "Barcelona", que son, hoy en día, considerados hitos del diseño. Un ejemplo de ello es la Silla Barcelona.

En esta etapa, el autor impone un diseño radicalmente moderno: utiliza líneas rectas y poco color. Las construcciones, simples y funcionales, se basan en hierro, cristal, "muro cortina", bronce y ventanas de vidrio. Hacia 1960, el estilo estricto y reductivo de Van der Rohe se había convertido en el gusto arquitectónico predominante.

Conclusiones

Las obras de Johns y Rauschenberg, desde el neodadaísmo que desemboca en el Pop Art, así como el trabajo arquitectónico de Van der Rohe, se circunscriben al periodo moderno de posguerra. Es un momento histórico de fractura, pero también de transiciones que determinaron el rumbo de nuestros días. A mediados del siglo XX, se agilizó profundamente el proceso de industrialización de las sociedades occidentales. Este "progreso" fue escenario propicio para una serie de prácticas dadas en las grandes ciudades, donde la relación máquina-hombre rige lo cotidiano. Es aquí donde el arte juega un rol fundamental en la producción de sentido que trae aparejado este proceso.

La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear obras figurativas con una temática absolutamente directa que las haga accesibles al público en general. El arte pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie.

En este contexto, Johns y Rauschenberg pintaban con objetividad y precisión, aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto en sí mismo y no sólo en la representación de objetos reconocibles. Instalan así la pregunta sobre la jerarquía de los materiales: cuáles corresponden al Arte y cuáles no, y por qué está presente en los dos casos, planteando uno de los temas cruciales en el arte de la segunda mitad del siglo.

Por su parte, Van der Rohe explota la realidad Moderna instaurando un estilo original, con diseños innovadores (sobre todo de acero y vidrio), que pregona un equilibrio entre forma y espacio, y le otorga relevancia a la Función que la obra va a cumplir. Su modelo universalizante, que se gestara en una Europa fragmentada por la Guerra, se expandió rápida y exitosamente hasta otros países desarrollados como Estados Unidos.

Estos artistas tuvieron gran relevancia en el siglo XX, cada uno en su campo de acción, tanto en pintura, arquitectura y diseño. Artistas que diseñaban ideas, formas de vida y pensamientos, involucrados en el quehacer de las grandes ciudades modernas.

Bibliografía

  • Bazin, Germain. Historia del Arte, de la Prehistoria a nuestros días. Barcelona, Omega, 1994.
  • Espasa. Historia Universal del Arte. Madrid, Espasa Calpe, 2000. Tomo VI, VIII.
  • Gombrich, E. H. La Historia del Arte. Buenos Aires, Sudamericana, 1999.
  • Guasch, Ana María. El Arte del Siglo XX en sus exposiciones: 1945-1995. Barcelona, Serbal, 1997.
  • Gympel, Jan. Historia de la Arquitectura, de la antigüedad a nuestros días. Hong Kong, Konemann, 1996.
  • Kraube, Ana Karola. Historia de la Pintura, del Renacimiento a nuestros días. Hong Kong, Könemann, 1995.

 

Ariel Winiar


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