La iluminación natural para los artistas, es
importante desde siempre.
La influencia de la luz, en la
visión de las obras y los efectos que podía causar
en la conservación de las mismas, influyó en la
historia del
arte, llevando
tal vez a interpretaciones erróneas del uso del color en algunos
artistas.
Ejemplo relevante fue la interpretación de los colores
utilizados por Miguel Ángel en el Juicio Universal
de la Capilla Sistina, en el Vaticano. Los colores obscuros
aplicados en el fresco, se pensaba ser utilizados para dramatizar
el momento representado, sólo después de haber
quitado la capa producida principalmente por el humo de las
velas, que iluminaban el ambiente, se
constató que los colores utilizados eran vivos y
brillantes.
Los pintores se han preocupado siempre de la evolución de los pigmentos en el tiempo, y
aplicaban las técnicas
del momento para garantizar la prevención de estos
fenómenos.
Los artistas pensaban en sus obras ya en un contexto, porque
pintaban por encargo, trataba de responder a las peticiones de
los mecenas y muchas de las pinturas estaban estudiadas
también según la perspectiva del observador y desde
el punto de vista lumínico, conociendo el sitio y su
colocación. Caravaggio fue un pintor
emblemático en su relación con la luz, la
mayoría de sus pinturas fueron comisionadas por
órdenes eclesiásticos y fueron colocadas en
iglesias, donde la iluminación cenital, exaltaba la
atmósfera
teatral de las telas. Inventa para la luz una función
estructural del todo nueva como si fuera un "tercer elemento "al
lado del dibujo y del
color.
Cuando se empezó a exponer obras de forma permanente en
palacios del siglo XVl, se cambio, el uso
de muchos edificios, convirtiéndolos, en lugares de
exposición públicas de colecciones
privadas.
Para adaptar los palacios al nuevo uso, se aportaron varia
modificaciones: dado la importancia fundamental a la
iluminación natural, se amplio, la altura, el volumen y el
numero de las ventanas, con cambios de fachadas.
En el siglo XVlll, las ventanas llegaron a ser franjas
corridas de cristal alcanzando el techo, (Gallería Gonzaga
en Florencia, Italia). Se
empezó en el tiempo, a buscar la forma de convertir la luz
directa en luz difusa.
Al principio de este siglo, muchos son los movimientos
pictóricos que enfatizaron, la luz natural como la mayor
fuente de inspiración. Claude Monet con su obra
"Impression, soleil levan", inspiró el nombre del
movimiento
pictórico francés en 1860, "Impresionismo",
que representó en sus pinturas, la sensación que
producía la evolución de la atmósfera creada
por la luz, a lo largo del día.
El comercio del
arte al final del siglo XIX, era muy variado, es fácil
pensar que los autores de las obras se sintiesen libres de no
pensar, en el momento de su creación, en la
colocación de la misma, aunque seguramente, motivado por
el periodo en que vivían, pensaban en la visión de
la obra en un ambiente iluminado principalmente en forma
natural.
Empezaron estudios específicos sobre la
conformación de los museos hasta que J.-N.-L.
Durand en el 1802, propuso en la publicación del
"las lecciones de arquitectura, de
los modelo
teóricos de Boullée" esquemas más
realizables de museos, inspirados al Panteón, a las
Basílicas, y las Termas. Los instrumentos compositivos
adoptados son; la galerías abovedadas en torno a patios,
con ventanas semicirculares, puestas en el alto de las paredes.
Recorrido circular, con zonas de descanso, y amplia columnata,
que definen los lados del cuadrado, donde se inscribe la
"rotonda" que es, el elemento ordenador de la composición,
iluminando de forma cenital.
El proyecto de
Durand, va modificándose en la interpretación del
tiempo, un ejemplo relevante de su evolución fue la
Dulwich Gallery en las afueras de Londres, UK (1811-1817), de
Sir John Soane"s.
Desde entonces se acrecentaron los modelos de
iluminación cenital, siempre más sofisticados,
llegando a ser la principal fuente, de iluminación
natural, en los lugares públicos.
Se emplea solo una mitad del modelo de Durand, en el
Altes Museum de Berlín, Alemania,
(1823), obra de Karl Friedrich Schinkel, se incluye una
rotonda con cúpula y columnas, que enfatiza su
monumentalidad, a través de una gran escalinata que a
partir de entonces será rasgo característico de
muchos museos.
En contraste, Joseph Paxton levanta en (1850), en
Londres, Inglaterra, una
gran estructura de
hierro y
vidrio para la
exhibición de objetos, esta obra representa el polo
opuesto del debate
museístico del tiempo: el Cristal Palace, es un espacio
transparente y neutro, "modelo innovador, de una nueva
Arquitectura".
La luz artificial fue mirada por los artistas como elemento
fascinante, inspiradora de nuevos temas de arte.
Emblemática en el movimiento surrealista, la pintura, del
artista belga René Magritte (1898-1967) que exalta
esta nueva invención, particularmente en su obra "Impero
de la luz". En Italia, el pintor futurista Balla, en 1909
expone su obra "Lampada ad arco" donde se muestra, en
primer plano sobre la entera superficie de la pintura, la
tecnología
con la lámpara a incandescencia y sólo en segundo
plano aparece una pequeña luna.
Los artistas exaltan el progreso técnico y
científico, y enfatizan la perspectiva que estos inventos
permiten, como el de la velocidad, la
iluminación. En el manifiesto" Voz de Movimiento
Futurista", el pintor Marinetti, habla de los museos como
"cementerio", pidiendo su destrucción; mientras en
Francia,
Jean Cocteau, califica el Louvre como depósito de
cadáveres".
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