En la
sensibilidad barroca se aprecia una tendencia espectacular hacia
lo decorativo, un abandono de las reglas de la estética
clásica, una búsqueda de originalidad a toda costa,
un predominio de la fantasia sobre la fiel representación
de la realidad, una exploración minuciosa de la psicologia
humana y un gusto desmesurado por la ampulosidad.
Tradicionalmente
se donimna "Barroco" al
período de transcurre desde 1600 a 1750. La especial
actitud
estilista que caracteriza al arte barroco
alcanzó su momento de madures en Italia hacia 1630
y se desarrollo en
los cuarenta años siguientes. A partir de este momento se
difundió por todas las naciones de Europa,
adquiriendo particular importancia en España y
en las ciudades hispanoamericanas.
El arte barroco
jugó un papel
importante en los conflictos
religiosos de este periodo. Frente a la tendencia protestante a
construir los edificios para el culto de una manera sobria y sin
decoración, la iglesia
católica usrá para sus fines litúrgicos la
grandiosidad y la ocmplejidad barrocas. En este sentido se puede
afirmar que le barroco es la
expresión estética de la
Contrarreforma.
Peter Paul
Rubens (1577-1640)
Rubens fue un destacado
exponente del estilo barroco y uno
de los mayores artistas del siglo XVII. Durante una estancia en
Italia
(1600-1608), se vio influido por el arteantiguo y el renacimiento
italiano y llegó a ser el pintor por excelencia de
retablos, de pintura
histórica, de decoraciones a gran escala y de
paisajes. Erudito, coleccionista y diplomático, fue
nombrado caballero por Felipe IV de España y
Carlos I de Inglaterra. De
padres flamencos, Rubens nació en Siegen, Alemania, y
hacia 1588 se trasladó a Amberes, Bélgica, donde se
formó con Otto van Veen.
Entre 1600 y 1608, Rubens estuvo en Italia; en Mantua
trabajó para los Gonzaga, pero pasó periodos en
Roma y
Génova. También estuvo en España. A
su regreso a Amberes realizó los dos fabulosos
trípticos de la Resurrección y el Descendimiento de
la Cruz. En 1609, Rubens fue nombrado pintor de corte del
archiduque Alberto y la infanta Isabel,gobernadores de los
Países Bajos bajo la corona española. En 1628-1630,
Rubens estuvo de nuevo en España,
donde conoció a Diego Velázquez, y desde donde
viajó a Inglaterra, como
intermediario para negociar una alianza entre los dos
países.
Carlos I encargó a Rubens la decoración del techo
de la Banqueting House de Whitehall. Rubens presentó al
rey su obra "La paz y la guerra". Tras
la muerte en
1626 de su primera esposa, Isabel Brant, Rubens contrajo matrimonio con
Helena Fourment en 1630. En 1635 adquirió la casa
solariega de Het Steen, donde pasó los últimos
años de su vida parcialmente retirado. Durante esta
última etapa pintó paisajes por diversión,
pero sus encargos (algunos para Felipe IV de España)
eran realizados en gran medida por sus discípulos, quienes
se basaban en los dibujos
preliminares del artista.
En rubens tanto la Iglesia como
el estado,
encontraron un artista soberanamente dotado para satisfacer sus
demandas de decoración y glorificación en gran
escala.
Rompió decididamente con la tradición septentrional
de las obras de reducidas proporciones; las suyas mostraron a sus
contemporáneos las inmensas posibilidaddes del arte
vigorosamente naturalista. Su arte tipifica el
barroco, en el se encuentran todas las caracteristicas que se
asocian con este estilo. Esta pleno de poder, de
gestos amplios y de movimiento
dinámico; el colorido es resplandeciente y radiante, las
pinceladas, libres y expresivas. Se funda en un intenso estudio
de la naturaleza y
recibe una exhuberante vitalidad de su percepción
de la belleza sensual de la superficie y textura de la carne, de
los ricos tejidos, de la
hierba y de l agua. Una gran
confianza en el vigor del cuerpo, una creencia en la
energía que expresa una gratitud religiosa por la vida, se
encuentran en el nucleo de su estilo y se ponene de manifiesto
tanto en el gozoso sentimiento festivo de sus retablos como en la
lustrosa y sedosa piel de sus
desnudos femeninos.
En la obra de Rubens se pueden observar características como la simplicidad, que en
realidad con este término no se refiere al modo en que se
organizan la riqueza de significación y forma en una
estructura
total que define claramente al lugar y la función de cada
uno de los detalles en conjunto. Kurt Badt dice de Rubens, que es
uno de los artistas más simples, lo cual parecería
paradojico. Explica: "Claro que para captar su simpliicidad es
necesario entender un orden que domina un enorme mundo de fuerzas
activas". Badt defina la simplicidad artistica como "el
ordenamiento más habil de los medios basado
en la comprensión de lo esencial, a lo cual todo lo
demás debe subordinarse". En cuanto a la
iluminación, Goethe hizo notar la incohorencia de un
grabado de Rubens. La mayor parte de los objetos que se veian en
el paisajeaparecian como iluminados desde adelante y, por lo
tanto, su cara mas brillante era la que daba al observador. En
particular la luz brillante que
descendia sobre un grupo de
trabajadores en el primer termino, se destacaba eficazmente de un
fondo oscuro. Este contraste se lograba, no obstante, por medio
de una gran sombra que avanzaba desde un grupo de
árboles hacia el observador, lo que contradecía los
otros efectos luminosos de la imagen. "La doble
iluminación", comenta goethe "es por cierto forzada y,
podria uno decir, contra natura. Pero si es contra natura,
diré que, a la vez es mas elevada que natura…"
Venus y cupido
Primero entre los pintores flamencos,
recibe influencias de Miguel Angel en sus figuras y de Tiziano en
el señalamiento espacial por medio del color. Este
cuadro es una de las copias que hace de Tiziano. Aparece el tema
del espejo, que mira a Venus mientras ella mira a Cupido. Se
pueden observar brazos y piernas fuertes El intenso erotismo que
despliega Rubens en su obra tiene una manifestación en
esta obra.
La adoracion de los magos
Esta pintura es una
de las mayores que guarda el Museo del Prado. Originalmente
más pequeña, el propio Rubens la amplió -por
arriba y por la derecha- veinte años después de
haberla pintado. La había hecho para el Ayuntamiento de su
ciudad -Amberes-; a través de las manos del gobernador
español llegó a las de Felipe IV, que
encargó a Rubens su ampliación durante la segunda
estancia del pintor en la corte madrileña. En la parte
añadida de la derecha incluyó Rubens su
autorretrato -es el caballero vestido de morado que vuelve su
mirada al espectador-. Todo el lienzo es una fiesta de color, movimiento y
lujo. Es una de sus obras más aparatosas y desbordadas,
aunque bien organizada sobre un eje diagonal que parte de la
figura del Niño y vertebra la composición del
cuadro hasta el ángulo opuesto.
Las tres gracias
Esta obra, ya de los últimos años de Rubens,
permaneció siempre en su colección, y fue subastada
junto con otras propiedades suyas a la muerte del
pintor; entonces la compró un representante de Felipe IV.
Durante buena parte del siglo XVIII estuvo guardada, con otros
cuadros de desnudos -considerados pecaminosos por Carlos III-, en
una galería secreta de la Academia de Bellas Artes. Las
Gracias eran tres de las hijas de Zeus, a las que se consideraba
en la mitología como diosas de la alegría y los
festejos, al servicio de
Afrodita, diosa del amor. Rubens
retrató en la figura de la izquierda a su segunda esposa,
una joven con la que se había casado teniendo ella
dieciséis años y estando él cercano a los
sesenta. Las formas opulentas de Elena Fourment le sirvieron en
muchas ocasiones como modelo para
sus figuras femeninas.
Harmenszoon Van
Rijn, Rembrandt (1606-1669)
Hijo de un molinero,
nació en Leiden, en cuya universidad
ingresó, pero la dejo para hacerse pintor. En 1631,
pasó a Amsterdam, donde consiguió con rapidez
reputación internacional y prosperidad material. Sin
embargo, tras el fallecimiento de su primera esposa, Saskia, en
1642, se vio asediado por dificultades financieras y personales.
Despues de 1645, vivió con Hendrickje Stoffels, pero tanto
ella como los hijos murieron antes que él.
Rembrandt dibujo,
pintó y grabó incesantemente. Apuró al
máximo los recursos de estos
tres medios de
arte. Sus dibuos solinan ser estudios impulsivos, directos de la
naturaleza,
que servía de estímulo a su imaginación.
Aunque usaba el buril con una inusitada espontaneidad, sus
grabados solían estar tan elaboradamente trabajados como
sus pinturas. Las primeras pinturas de Rembrandt eran de
pequeñas proporciones con escenas dramáticamente
pobladas. En la decada de 1630 atravesó por una fase
ostentosamente barroca, quizá con la intención
deliberada de emular a Rubens; a veces se inspiraron en la de
este último, y sus formas tenían un sentido del
peso y del volumen que
sugieren la influencia de aquel.
Las pinturas temáticas de este período son
dramáticas, llenas de gestos y expresiones violentas y
exageradas. Mostró un gusto romántico por los
materiales
exóticos y los metales preciosos. Su
autorretrato y los retratos de su familia revelan
una confianza propia en sí mismo casi jactanciosa. La
ronda nocturna de 1642, que muestra el
desfile de una compañía de la guardia, resume una
fase barroca. Los jefes de la compañía parcen
querer salirse del cuadro; movimientos diagonales zigzaguean
hacia el fondo, la luz tiene un
encanto teatral. Los dos personajes principales, los que se
encuentran en el centro de la obra, poseen algunas características con respecto a la sombra.
Es factible observar sobre el uniforme del teniente, la sombra de
una mano. No resulta dificil determinar qeue es proyectada por la
mano gesticulante del capitán, pero a los ojos la relacion
no resulta evidente en absoluto. La sombra de l amno no tien
ninguna relación significativa con el objeto sobre el que
aparece. Puede considerarse como una aparición surgida de
cualquier parte, pues sólo adquiere significación
cuando se la relaciona con la mano del capitán, que
está algo alejada, no directamente relacionada con la
sombra, y es de forma totalmente distinta.
En la década de 1640, el estilo de Rembrandt se hizo
más parco y retrído. Rechazó el despliegue
barroco a favor de una sencillez clásica, e intentó
comunicar un sentido de vida interior. Con el objeto de lograr
una mayor simplicidad en sus obras, abandonó el empleo del
azul porque no se ajustaba a la armonia que lograba con el
castaño dorado, el rojo, el ocre y el verde oliva.
Con frecuencia pintaba escenas de la Sagrada familia o de la
juventud de
Jesucristo, tiernas y liricas en su sentimiento y se intereso
más por el paisaje. Desde 1648, la profundidad de la
comprensión de Rembrandt de la sutileza y complejidad de
los sentimientos humanos, y su habilidad excepcional para
comunicar la sensación de la vida espiritual del hombre, como
contraposición a su vida activa o mundana, creció
cada vez más. La base del arte de Rembrandt fue, desde un
comienzo, el claroscuro. Para fines de la década de 1640
se había convertido en un medio de crear tono y
emoción y de sugerir valores
espirituales. En el retrato de una Mujer con un abanico de
plumas de avestruz, es el intangible juego de la
luz y de la
sombra lo que crea un aire de vigilante
intorspeccion. El lado izquierdo del rostro percibe la
máxima cantidad de luz, mientras que
profundas sombras lo velan todo, menos el ojo en el lado derecho.
La retratada aparece apartada del espectador, hundida en un mundo
privado de ensoñacion interna. Rembrandt no muestra nada de
interes del artista barroco en el pareceido exacto. Rembrandt
colocaba la luz en el espacio
pictórico que mejor el cuadraba. Desde esta base penetra
el espacio un gradiente de claridad creciente, no solo hacia
atrás y a adelnate, sino tambien a los lados.. la luz
produce un gradiente seférico que se expande en todas
direcciones desde una base elegida en el espacio. UNa de las
condiciones, en general de la sensacion de luminosidad, consiste
en que el objeto debe poseer una claridad muy por encima de la
esclaa que estbalece el resto del campo. Su claridad absoluta
puede ser muy baja, y esto se advierte en los tonos dorados que
utilizaba rembrandt, que resplandecen a través del polvo
de tres centurias.
Como pintor de
escenas biblicas, Rembrandt creó una nueva clase de arte
gracias a su intensa afinidad y capacidad de captación de
la esencia de la circunstancia humana. En el último
período, sus obras se fueron haciendo cada vez más
sombrias. Con frecuencia solia elegir temas tragicos, su Jacob
bendiciendo a los hijos de José, de 1656, muestra hasta que
punto se habia apartado del barroco. No hay acción alguna,
ni movimiento
externo. En vez de esto, Rembrandt se concentra en las delicadas
relaciones existentes entre las figuras y en la expresión
de su importancia para cada uno de los participantes. El ambiente,
intensamente espiritual, está logrado gracias al
resplandor de la luz, que parece surgir de las mismas
figuras.
La obra de Rembrandt refleja las viscitudes de su vida. En
efecto, despues de lograr el exito y de
casarse, pierde su riqueza y su clientela, viviendo cada vez
más estrechamente. Sin embargo, tiene discipulos toda su
vida.
A pesar de su evolución constante, la abundante obra de
Rembrandt conserva unidad gracias a su pasión por un
claroscuro dramático y una tendencia muy marcada al
monocromatismo. No favorece ningun tipo de composición,
puede distribuir la luz en forma sorprendente, cuida los matices
de color, manifiesta
siempre vitalidad y, claramente, la expresión le importa
más que el respeto de
normas.
Conforme avanza en la vida cuida más y más el
análisis psicológico, revelando cada
vez mayor empatía con sus modelos.
Cuatro le son favoritos:
- Su esposa
Saskia - Su hijo Titus
(eventualmente su familia) - Su compañera
Hendrickje - El mismo, en una
larga serie de autoretratos
introspectivos.
Con respecto al analisis
psicológico de su obra, autores como Grodeeck, da ejemplos
de cómo se puede entender la simbología de algunas
de sus obras. En la actitud de las
figuras de Anatomía , consideradas de derecha a
izquierda constituyen representaciones del organo genital
masculino en las etapas de excitación y aflojamiento.. La
objeción más comun a esta interpretación, se
dirige a su unilateralidad, es decir, a la presuposición
de que el sexo es la
experiencia humana maás fundamental e importante, ala que
se refiere todo lo demas. Los psicologos han probado que esta
suposición no está probada. A lo más la
teoria vale para ciertaa personas psiconeuroticas o aun para
peridos culturales en los que " una sexualidad
sobrecargada se acumula tras una represa" de severas
restricciones morales.
Rembrandt
pintó un cáncer de piel hace tres
siglos
SYDNEY.- Un cancerólogo australiano jubilado
diagnosticó el ejemplo perfecto de un cáncer de
piel, pintado
hace más de tres siglos por Rembrandt, en el cuadro
Hombre con traje oriental.
En una carta publicada
en la edición de enero del Medical Journal of Australia,
el doctor Robert Bourne explica cómo identificó un
tumor canceroso glandular (carcinoma) en el rostro del hombre
retratado, informó AFP.
"La pintura es de
tal precisión que equivale a una fotografía
médica, lo que demuestra el talento del gran maestro
holandés, que pintaba realmente lo que veía",
escribió el médico.
La causa principal del carcinoma es una exposición
excesiva a sol o a radiaciones. El Hombre en traje
oriental fue pintado en 1635.
Comparacion entre los dos autores
Claramente se puede observar, que hubo una notable influencia de
Ruibens en Rembrandt, ya que varias de las características utilizadas por el primero
fueron tambien utilizadas por Rembrandt, aunque existió un
gran diferencia entre las obras de ambos en la técnica
utilizada, el color, la
lumninosidad, etc. En sus obras, las formas que utiliza
tenían un sentido del peso y del volumen que
sugieren la influencia de aquel.
En ambos se
muestran los rasgos típicos del barroco, aunque estos
estan mas marcados en Rubens, que practicamente caracteriza
estosd rasgos en sus obras completamente.
Rembrandt utiliza
en forma frecuente la técnica del claroscuro, tomada de
leonardo Da
Vinci, la cual no es utilizada por Rubens. En las obras de
este último se puede observar mayor colorido en
comparación con las de rembrandt, que como dije antes
sólo utilizaba una gama de colores que
podian variar según las obras, pero en su mayoria eran los
mismos.
Es factible
observar tambien, que en las obras de Rubens existe una mayor
luminosidad, no obstante las obras de Rembrandt tambien poseen
luminosidad pero en menor medida y se muestran mas sombrias.
Bibliografía
- "Enciclopedia
Autodidáctica Océano", Tomo VII, Editorial
Océano, Barcelona, España - "Historia
Universal del Arte", Tomo 6, Editorial Sarpe, Madrid,
España, 1984 - http://www.tam.itesm.mx/~jdorante/art/barroco.html
- "Galeria nacional de
Praga" El mundo de los Museos, editorial Codex, S.A., Madrid,
1966. - "Arte y percepción visual", Rudolf Arnheim,
Editorial Universitaria de Buenos Aires,
Argentina,
1972
Trabajo enviado por:
Lisa Wantz
lisa_violeta[arroba]hotmail.com