Opera en Italia: Roma y Venecia, estilo Bel Canto

Antecedentes
musicales

En la última década del S. XVI, nuevamente
al igual que en el Renacimiento aparece Florencia como punto de
partida de experimentos innovadores, un grupo de intelectuales
Florentinos se reunían particularmente en las casas
aristócratas de los condes Bardi y Giovanni Battista Doni,
donde discutían sobre el arte musical, para tratar de
encontrar una forma de combinar música y el drama,
querían retomar la ¨idea¨ del teatro
clásico griego o tragedia griega: ¨La
Declamación¨. Lo que querían conseguir con
esta mezcla de música y declamación, era algo
más expresivo, más poderoso, más
emocional.

En la llamada Camerata Florentina, como se
hacían llamar dichos intelectuales, se teorizaron muchas
características del teatro musical. Los músicos de
la Camerata sostenían que la composición
contrapuntística, en las cuales todas las voces
tenían el mismo grado de importancia hacia que fuera
imposible entender la poesía, por lo cual intentando
reflotar la famosa Tragedia Griega, crearon el stile
rappresentativo o recitativo, por el cual se abandona la
composición contrapuntística.

El recitativo es una forma musical concebida
para la voz humana, se entonó con un patetismo realista y
con una violencia afectiva en la cual el cantante hacia muecas,
actuaba, e imitaba las inflexiones del habla corriente, como
llorar y quedarse sin aliento, en opinión de la Camerata
era precisamente la cualidad extremadamente afectiva del
recitativo lo que le daba su categoría de
distinción y lo hacía superior a la música
Renacentista.

El recitativo no se mide al cantar, tan solo el acento
dirige la lentitud o rapidez de los sonidos, así como su
elevación o descenso. Al ser un canto en el que se
expresan sentimientos, predominan las modulaciones para
manifestar con mayor exactitud las emociones expresadas por el
que recita.

Inspirado por las ideas de la Camerata Florentina,
Monteverdi uso el mito griego de Orfeo, y creo unas de las
primeras muestras de lo que llegaría a ser una nueva forma
artística "La Ópera" (termino que se usaría
más adelante).

El propio Orfeo era un músico tañedor de
lira y cantante, así que por supuesto la historia encajaba
perfectamente con la idea de hacer un drama totalmente cantado,
en la historia Orfeo usa sus poderes musicales a la entrada del
Hades para traer a su mujer de vuelta al mundo de los vivos. Pero
antes de que empiece la historia hay un prólogo de su
primer personaje llamado "música" o el "espíritu de
la música", el mismo muestra perfectamente esta
unión entre el discurso y la música, en dicho
prologo no hay una pausa real en la música, la misma fluye
libremente, en el encontramos solo unos cuantos acordes y el
texto casi hablado utilizando así el famoso
"recitativo".

La palabra "Ópera" como hoy la conocemos no
existía aún por lo cual el Orfeo de Monteverdi fue
llamado "Favola en Musica" (Fábula Musical).

Al referirnos a la Opera en Italia debemos fijar la
mirada en sus centros más importantes los cuales fueron,
Roma, Venecia y finalmente Nápoles, a continuación
solo haremos referencia y comparaciones de Roma y
Venecia.

Ópera en
Roma

En Roma la ópera conoce su período
más importante entre los años 1620 y 1660, lo que
lo ubica en finales del barroco temprano hasta mediados del
barroco medio. Si tomamos las óperas de esta época
se pueden distinguir fácilmente que los compositores
utilizaban con frecuencia 3 tipos de libretos:

• 1. Mitología

• 2. Historia Antigua

• 3. Poemas Épicos del
  Renacimiento

En los libretos de los Poemas Épicos del
Renacimiento era común que se tratasen con una gran
libertad. Una de las características de la escuela romana
era el empleo de temas religiosos alegóricos. La obra
más notable de este género es "San Alessio", de
Stefano Landi, sobre un libreto del cardenal Claudio Rospigliosi
y extraído de la vida de San Alexis del S. XV, y que fue
presentada en la inauguración del teatro ¨Le Quattre
Fontane¨ con capacidad para 3000 personas, ubicado en el
Palacio Barberini en Roma en 1632. El autor, aunque trata el tema
con respeto, da a la acción un marco contemporáneo
ya que los personajes secundarios son de tipo humano tomados de
la vida romana de la época. Con mayor frecuencia se
encuentran en Roma operas alegóricas en las que los
personajes eran abstracciones personificadas por ejemplo como la
virtud, la inocencia, la razón, el placer, etc, ya que
tenían por finalidad ser obras moralizantes. Una de las
paradojas graciosas de la historia de la opera es el hecho que la
opera BUFFA es originaria de Roma y que su creador era el
cardenal Rospigliosi, cuyas óperas principales son: "Chi
Soffri Speri" (1639) y "Dal Male Il. Bene" (1654), la primera con
música de Mazzochi y Marazzoli; la segunda celebraba el
retorno a Roma de la familia Barberini luego del exilio en Paris
bajo el papado de Inocencio X.

A medida que los libretos de las operas en Roma fueron
sufriendo diversas transformaciones, los mismo fueron
acompañados de una evolución paralela en las
diversas formas musicales, de las cuales podemos destacar como
las mas importantes a la diferenciación progresiva del
estilo entre los recitativos y arias, y a su vez dentro de las
arias los diferentes tipos y formas de las mismas

Debido a su relativa brevedad, y por el interés
que despertaba el método nuevo entonces (la
declamación monódica del texto), la necesidad de
una diferencia de estilos entre las partes solistas no se
habían hecho sentir en las primeras obras de Peri y
Caccini, pero a medida que las operas se hicieron más
largas, se reprochaba el aburrimiento que producían los
recitativos.

El problema se encontraba principalmente en hallar una
manera de asegurar un desenvolvimiento tan rápido como
fuera posible de aquellas partes del libreto en las que la
acción se desarrolla por medio del dialogo, a los fines de
dejar a la música en otras partes la libertad de explotar
los recursos de expresión que le son propios. Para esto el
dialogo de la acción recibía un mínimo de
tratamiento musical, limitándose de hecho a una
recitación rápida del texto sin melodía,
acompañadas de pocos acordes mientras que los pasajes
liricos se desarrollaban para convertirse en unidades musicales
completas de largas expansiones vocales sobre algunas
líneas de texto cuya forma musical estaba construida de
manera más o menos simétrica por medio de
relaciones entre los sonidos, de repeticiones, de variaciones y
de contrastes entre motivos y temas. La separación
completa de los dos estilos era el rasgo característico
que se dio progresivamente en la ópera Italiana.
Después de 1640 se empiezan a encontrar arias de grandes
dimensiones, de estilo característico y de forma musical
significativa y variada. El Orfeo de Luigi Rossi es muy rico en
este sentido. Las arias van desde simples melodías
estróficas, pasando por todo tipo de formas
simétricas. El desarrollo del estilo recitativo progresa
más rápidamente en las operas buffas: la
declamación rápida que se designaría luego
con la expresión "recitativo secco", ya existía en
1639 en el dialogo cómico de "Chi Soffri Speri". Sin
embargo en la ópera seria, el recitativo conservo a el
carácter melódico y expresivo del periodo anterior
uniéndose libremente con los pasajes arioso. Uno de los
rasgos notables de la opera romana sería el coro. Los
coros de la opera romana eran en el conjunto, los pasajes que
recibían los tratamientos más elaborados y los
más sofisticados desde el punto de vista artístico.
Las escenas pastorales se presentaban para coros idílicos
de ninfas y pastores. Era costumbre terminar cada acto con un
coro, por lo cual poetas y compositores aunaban esfuerzos para
sacar partido de esa costumbre. Para ello escribían
finales dramáticos y musicales bien construidos para esos
grandes momentos de la acción.

En la opera romana del S. SXVII la formación de
la orquesta era la misma que se mantendría por casi 100
años sin cambios, la misma se concentraba en las cuerdas a
las que se le agregaba un bajo continuo.

La escuela romana de opera desapareció
después de 1660, esto se explica en parte por el hecho de
que en ese momento el nuevo estilo veneciano comenzaba a eclipsar
los otros tipos de ópera italiana. A partir de ese momento
los compositores romanos consagraron sus talentos
dramáticos sobre todo a la cantata y el
oratorio.

Ópera en
Venecia

En Venecia se hacen cargo del mecenazgo las familias que
habían adquirido riquezas a través del comercio.
Las producciones de acontecimientos musicales comenzaron a ser
empresas cooperativas, de esta manera se hace comercial y a la
vez popular, y se mantienen los teatros por medio de los
alquileres o arrendamientos de palcos y venta de
entradas.

Se contrataba a un empresario de una
compañía para poner en funcionamiento una obra que
satisficiera al público. Este sistema funciono de tal
manera que para 1700 había 16 teatros construidos y se
habían puesto en escena 388 operas.

El primer teatro fue el "San Cassiano", reconstruido por
la familia Tron y se inauguro en 1637 con la opera
"Andrómeda" producida por Ferrari (poeta y compositor) y
Manelli (cantante y compositor), quien canto con su esposa, fue
entonces cuando la palabra "Ópera" que literalmente quiere
decir "obra" u "opus" se empezó a utilizar para designar
el nuevo género.

Los teatros de Venecia eran celebres en toda Europa por
el esplendor de sus efectos escénicos, con numerosos
cambios de cuadros que producían contrastes
fantásticos, y maquinarias ingeniosas para la puesta en
escena de batallas, naufragios, sucesos sobrenaturales y
espectáculos de todo tipo. El coro a diferencia de la
opera romana, prácticamente ha desaparecido, salvo en
algunas grandes operas escritas para fiestas brillantes, esto se
debía a dos razones: por un lado lo económico y,
por el otro el público se inclinaba mas por los efectos de
escenas complicadas y los solos cantados, así las arias,
los pasajes ariosos, los dúos a la manera de madrigales y
las ariettas cómicas ocupaban gran proporción de la
música vocal, junto con los recitativos.

A los 46 años Monteverdi se muda a Venecia,
allí consigue el puesto musical de mayor prestigio en toda
Italia, "Director Musical de la Basílica de San Marcos",
en el cual trabajo durante unos 30 años. Fue la riqueza
comercial de Venecia la que llevó a la Opera al siguiente
gran paso en su desarrollo.

Monteverdi compuso cuatro operas para los teatros
venecianos de las cuales solo se conserva la música de las
dos últimas: "el regreso de Ulises a su patria" y "la
Coronación de Poppea".

Monteverdi escribió su última obra maestra
"La Coronación de Poppea" en 1643 para el teatro
comercial. En la obra, el papel de Nerón debido a la
prohibición de la presentación de las mujeres en
los teatros era interpretado por un castrato, un varón con
aptitudes para el canto que había sido castrado antes de
la pubertad, lo que le daba una voz aguda natural y poderosa, y
el cual era el sonido de moda en aquella época.

La orquesta estaba formada principalmente por la familia
de las cuerdas, a la que después se le agrego instrumentos
de viento de madera y bronce. Monteverdi logra en Poppea una real
unión entre las necesidades del texto, la escena y la
música, empleando a veces efectos como el "stile
concitato" (estilo agitado) que el utilizaba para describir
galope de caballos y furia del combate, por medio de figuras
rítmicas reiteradas (nota repetidas rápidas). La
música para complacer a un público popular
más que aristocrático, busca grandes efectos,
contraste de atmosfera, liricas muy melodiosas, ritmos
fuertemente marcados; estas características se ven en las
cuatro operas de Cavalli (quien fue el primer compositor de opera
para publico popular) que fueron representadas en varios teatros
venecianos entre 1639 y 1669. Su obra más conocida fue
"Giasone", Cavalli aun se apoya en el recitativo, igual que
Monteverdi, en el cual recae el peso del drama. El aria suele
estar en lugares importantes como al comienzo o al final de una
escena.

La fuerte tendencia hacia la expresividad
melódica y la integración de las voces e
instrumentos se vio en la obra de Cesti "Orontea", la misma fue
su opera más conocida que se estreno en 1649 y se
repitió durante cuarenta años con pequeñas
adaptaciones en distinto lugares de Europa. Esta vigencia muestra
la solución que Cesti le da al problema de la unidad entre
poesía, música y drama. Esta solución
consistió en utilizar el estilo recitativo para las
narraciones, el dialogo y, situaciones dramáticas entre
los personajes mientras que las arias quedan reservadas a
expresiones de tipo emocional, situaciones cómicas, etc.
Para lograr esto se requirió una gran colaboración
entre Cesti y el libretista Cicognini, ya que tal esquema es
evidente tanto en el texto como en la música.

La opera mas celebre de Cesti es "Il. Pomo d´oro",
fue compuesta para la boda del emperador Leopoldo I y la infanta
Margarita de España. Tenía más de
veinticuatro cambios de decorados, la mayoría con maquinas
muy complicadas.

Durante el S. XVII gran parte de la ornamentación
vocal e instrumental era obra de los intérpretes. En las
operas Romanas y Venecianas de Monteverdi y Cavalli, los pasajes
de coloratura (escritos) no son de gran amplitud y a menudo no
tienen una fuerza expresiva apropiada, en Cesti y otros
compositores, se encuentra una creciente proporción de
arias cuya finalidad es poner en relieve la agilidad de los
cantantes y los "trucos" del virtuosismo.

En estas obras al igual que en ¨La coronación
de Poppea", la mayoría de los papeles importantes
están escritos para voces agudas, las arias para contralto
eran escasas, y la voz del bajo se empleaba solo en las arias
buffas. Los papeles de sopranos estaban destinados a los
"castrati", recién en 1671 la iglesia levanto la
prohibición de que las mujeres actuaran en los teatros,
pero debido al prejuicio existente aún entre el
público, la mayor cantidad de los papeles principales
continuaban siendo interpretados por los castrados. A Ferri, el
más famoso en la segunda mitad del siglo, se le atribuye
la introducción del "aria da capo". Su estructura era
tripartita (A-B-A), proporcionaba una esfera de acción
mayor que la estrófica y era más simple y corta que
la rondó.

El aria propiamente dicha marca emociones generales y
estados anímicos primarios. Desde este punto de vista,
podemos diferenciar 3 tipos de arias:

• 1. Aria di Bravura: Rápida
  virtuosita, para caracterizar las emociones de la ira, la
  venganza, la pasión, etc.

• 2. Aria di Mezzo Carattere: aria de
  carácter medio, para estados anímicos como la
  intimidad, el amor, el dolor, etc.

• 3. Aria Parlante: consistía en
  una declamación rápida

La función de la Orquesta era de acompañar
a los cantantes y la mayoría de las arias eran
acompañadas con bajo continuo (viola o violoncelo) y uno o
varios instrumentos que producían acordes como el clave,
alud, órgano o guitarra.

Los principales compositores posteriores a Cavalli y
Cesti fueron Stredella, Palavicino, Legrenzi. Con ellos la
polifonía y el contrapunto comienzan a reaparecer, los
bajos son más característicos en su melodía,
las voces se muestran más independientes y a la orquesta
se le da una participación más sustancial en la
obra.

Estilo del Bel
Canto

Si bien el estilo del Bel Canto podemos encontrarlo
inmerso dentro de la opera romana así como en la
veneciana, es bastante amplio y complejo por lo cual debe
describirse por separado para así comprenderlo
mejor.

El estilo del Bel Canto surge entre 1630 y 1640, este
estilo representa la reacción de los músicos frente
a los dictados de los poetas: con él la música se
coordino en lugar de subordinarse a las letras.

El Bel Canto fue en escénica música vocal
plasmada en la cantata, oratorio y la opera. A partir de ellas su
influencia se extendió también a la música
instrumental.

En el estilo del bel canto, la melodía
asumió una fluidez animada y no interrumpida por las
coloraturas exuberantes de los cantantes, aunque se siguieron
usando secciones floridas para plasmar determinadas letras. Se
abandono el virtuosismo a favor de un idioma vocal más
moderado, basado fundamentalmente en el volumen mantenido y
penetrante de la voz del castrato.

La organización de la melodía se basaba en
pautas de danzas estilizadas, en especial la de la zarabanda y el
courante, las ideas melódicas eran breves y se
veían limitadas por cadencias que anticipaban de manera
estereotipada la nota final. Otra característica
importante del bel canto radica en la integración del bajo
y la melodía. El bajo se movía, al igual que la
melodía en un ritmo de danza estilizado y, a menudo
dependía también melódicamente del perfil de
la línea vocal. Esta equivalencia contrapuntística
de las partes cobro cada vez mayor importancia y finalmente dio
pie a la imitación, con carácter anticipatorio de
la melodía por el continuo al comienzo del aria. La
armonía del bel canto difería de la del primer
barroco por su notable sencillez. Los acordes del nuevo estilo
servían para perfilar una tonalidad rudimentaria mediante
repeticiones insistentes en la cadencia de IV-V-I ó
II6-V-I, con notas muy relacionadas entre sí.

Unido a una simplificación armónica,
surgió un desarrollo formal importante: la
diferenciación gradual entre el recitativo y el aria. Las
características mencionadas anteriormente eran referentes
al aria o arietta. Sin embargo, el recitativo, se hizo más
moderado y menos afectivo y dio paso al "parlando" rápido
para expresar los pasajes muy afectivos: ¨el
arioso¨, que empleo efectos de "gorgia", bajos
estáticos y experimentos armónicos; el arioso no es
más que un nuevo nombre del antiguo recitativo florentino
que abarcaba tanto el aria como el recitativo italiano
secco.

Conclusiones

Si bien los estilos operísticos de Roma y Venecia
tienen en común el ser italianos, poseen
características y aportes al género
operístico los cuales los diferencia.

Lucas Lillo – San Juan, Marzo de
2014

Bibliografía

BUKOFZER, M. La Música en la era
barroca. Madrid, Alianza, 1993.

DELLA CORTE Y PANNAIN. Historia de la
música. Madrid, Labor, 1950.

ULRICH, M. Atlas de música, 2.
Parte histórica: del Barroco hasta hoy. Madrid,
Alianza, 1992.

GROUT, J. DONALD. ¨La Opera
después de Monteverdi¨, Histoire de La Musique,
vol. I, Enciclopedia de la Pléiade, 1960, Pág. 1458
– 1473, Traducción. Documento de Cátedra de
Historia de la Música de la U.N.S.J. N°31

ROBERTSON Y STEVENS. Historia General
de la Música. Vol 2.

Autor:

Lucas Lillo

San Juan, Marzo de 2014