Monografias.com > Arte y Cultura
Descargar Imprimir Comentar Ver trabajos relacionados

Historia del arte




Enviado por lluviadelv



    1. Conceptos
      básicos
    2. Origen del
      dibujo
    3. Concepto de dibujo
      artístico
    4. Instrumentos y soportes
      utilizados
    5. El arte en la
      historia

    1. CONCEPTOS
    BÁSICOS:

    ARTE:
    Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de
    lo visible, imita o expresa el hombre lo
    material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En
    sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda
    creación u obra que exprese lo que el hombre desea
    exteriorizar, obedeciendo a sus propios patrones de belleza y
    estética. El artista para crear, requiere
    ante todo estar dotado de imaginación, a través de
    la cual responde al vasto y multiforme mundo externo expresando
    sus sentimientos por medio de palabras, formas, colores y
    sonidos.

    ARQUITECTURA:
    En un sentido corriente, la Arquitectura es el arte de construir,
    de acuerdo con un programa y
    empleando los medios
    diversos de que se dispone en cada época; así
    podemos definirla como el arte de proyectar y construir estructuras.
    La misma tiene un sólido fundamento científico y
    obedece a una técnica compleja, por esta razón se
    dice que sólo es arte cuando la construcción es expresiva de la voluntad
    espiritual de una época y esa expresión
    arquitectónica es el resultado de todos los elementos
    constitutivos que emanan esencialmente de las relaciones que se
    entablan con el espacio que conforma la obra y el espacio que lo
    circunda. De allí cabe resaltar que la Arquitectura es el
    arte de conformar el espacio, transformándolo. En sus
    más acabadas manifestaciones, la Arquitectura logra unir
    la belleza y la utilidad, a tal
    punto que una depende de la otra, pues una obra no es hermosa si
    no se adapta al fin para el cual se destina.

    – ESCULTURA: La Escultura es el arte de crear
    formas expresivas de tres dimensiones reales, sean
    volúmenes, cuando se emplean materiales
    compactos, sean objetos en los que predomina el espacio, apenas
    delimitado o indicado mediante ejes que lo recorren, cuando se
    emplean materiales que pueden reducirse a hilos, cintas, cuerdas,
    etc. o materiales transparentes. La primera forma es la
    tradicional, la segunda se desprende del carácter
    que tiene la escultura de vanguardia,
    pero ambas afirman la tridimensionalidad. El escultor tradicional
    crea formas volumétricas modelando una sustancia dotada de
    cierta plasticidad, como la cera y la arcilla húmeda, o
    tallando materias duras como la piedra, el granito, la madera, el
    marfil, o bien haciendo moldes que le permiten reproducir en
    relieve lo que
    aquellos representan en hueco. El escultor moderno crea formas
    espaciales utilizando piezas de hiero fundido, hilos de alambre,
    cintas de acero, filamentos
    de madera, cuerdas de violín y materiales plásticos
    variados.

    PINTURA:
    Arte que representa en superficie plana cualquier objeto real o
    imaginario por medio del dibujo y el
    color. Los
    testimonios más antiguos del arte humano son dibujos y
    pinturas que los primitivos habitantes del planeta dejaron en
    cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas
    Rupestres. Desde el punto de vista técnico la
    pintura se dice que es al fresco cuando se aplica a
    paredes y techo usando colores disueltos en agua y cal; al
    óleo cuando ha sido elaborada con colores
    desleídos en aceite secante, por lo general sobre una
    tela. La pintura al pastel se efectúa con
    lápices blandos y pastosos; la acuarela emplea
    colores transparentes diluidos en agua; a la aguada se
    llama el procedimiento de
    emplear colores espesos, templados con agua de goma y miel;
    pintura al temple es la preparada con líquidos
    glutinosos y calientes, en ella se emplea entre otros productos,
    el agua de
    cola. En la llamada de porcelana se usan colores minerales
    endurecidos y unidos por medio del fuego.

    – ARTES VISUALES: En su sentido más
    general, son las que se relacionan con la impresión e
    ilustración, las que se expresan por medio
    de gráficos e imágenes;
    abarca todas las artes que se representan sobre una superficie
    plana. Las Artes Visuales tienen como función el
    comunicar lo que el artista desea expresar por medio de un
    lenguaje
    visual, atendiendo tanto a los elementos compositivos como a los
    principios
    compositivos, para que la obra en sí resulte agradable y
    de buen gusto para quien la observe.

    2. ORIGEN DEL
    DIBUJO

    Desde la prehistoria el
    hombre trató de reproducir en las paredes de las grutas
    las formas de los animales que
    había observado, logrando representar sus movimientos, la
    masa y la forma de los cuerpos; así, nace este arte que es
    uno de los primeros practicados por el ser humano, que siempre ha
    procurado representar los objetos como sus ojos los veían.
    El hombre a través del tiempo deja su
    huella traduciendo la impresión que le transmite un objeto
    reproduciendo su forma, su tamaño y su volumen, bien por
    medio de un trazo, como en el arte egipcio, griego y
    japonés, bien sugiriendo sobre todo el aspecto del relieve
    por el juego de las
    sombras y de la luz; este
    último modo de expresión es ya visible en los
    frescos de Pompeya y en los artistas del Renacimiento
    italiano, como Leonardo De Vinci. En términos generales,
    este arte se ha desarrollado en función de las condiciones
    de existencia de cada época, de cada cultura y de
    los progresos y conocimientos acerca de los instrumentos y
    técnicas utilizadas por los
    artistas.

    3. CONCEPTO DE
    DIBUJO ARTÍSTICO

    Es la representación de un objeto por medio de
    líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una
    abstracción de nuestro espíritu que permite fijar
    la apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo
    percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El
    dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una
    superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular,
    tienen tres. También, debemos tomar en cuenta que el
    dibujo es la base de toda creación plástica y es un
    medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un
    objeto por la línea, un trazo y juegos de
    sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la
    limitación de las formas mediante líneas; esto lo
    diferencia de la pintura, en la cual la estructura de
    los planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un
    elemento abstraído del complejo pictórico, que en
    virtud de su fuerza
    expresiva, se convierte en un arte independiente.

    4. INSTRUMENTOS Y
    SOPORTES UTILIZADOS

    Las técnicas del dibujo son diversas y han
    variado con el tiempo; en general, los instrumentos más
    utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o
    sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El
    hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o
    ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita
    utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos,
    alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con
    los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de
    plumas o de madera astillada. Los colores consistían en
    tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la
    pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre
    amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los
    pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera,
    piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con
    color rojo, para después trazar el contorno de la figura
    con negro; esta preparación permitía que al
    contacto de los óxidos de la materia colorante con el
    soporte, se operara una reacción química, dando como
    resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos
    emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple
    (en cuadros) y la encaústica en retratos. En el arte de la
    Edad Media se
    destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado,
    cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta
    el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía
    se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y
    mezclados con algún aglutinante; el agente más
    común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta
    donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado
    previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El
    fresco, es un método
    parecido que se aplicó para pintar el interior de las
    paredes y muros, fue muy utilizado. Las técnicas
    pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al
    temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La
    sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de las
    Rocas, de
    Leonardo, o en Mujer
    bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera
    logrado más que con el óleo; los pigmentos
    coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para
    darles la consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de
    linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck,
    usaron el método transparente, que consistía en
    aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco, la
    obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba
    secar el exceso de aceite.

    5. EL ARTE EN LA
    HISTORIA

    – PREHISTORIA

    ÉPOCA PALEOLÍTICA

    Las manifestaciones
    pictóricas de esta época son llamadas pinturas
    rupestres. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones
    del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas,
    alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la
    expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un
    carácter mágico – religioso porque se presume
    fueron realizadas como rituales para conseguir buena
    cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas
    primeras manifestaciones plásticas en el principio eran
    líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de
    las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y
    negros mayormente. A esta primera fase del arte rupestre se le ha
    denominado Auriñaciense, en esta fase las figuras aparecen
    hechas con trazos burdos, los animales los realizan de perfil y
    las figuras se presentan aisladas. Luego, hay una segunda fase,
    la Solutrense, en donde se observan ciertas figuras moldeadas,
    interviene el color y los perfiles aparecen paralelos;
    posteriormente, hay una tercera fase llamada Magdaleniense, en
    ella se presentan escenas de caza, de lucha, etc. y se observa
    una asociación de la figura humana con la figura animal en
    las representaciones, hay variada policromía y el empleo del
    claroscuro como elemento expresivo. Hacia finales del
    Paleolítico, la característica esencial de las pinturas es
    la esquematización de las formas, adquiriendo así
    mayor movimiento y
    dinamismo.

    PINTURA: Las primeras manifestaciones
    pictóricas provienen de la época paleolítica
    o de la Piedra Tallada, a esta se le denominó Pintura
    Rupestre. Estas pinturas se han localizado en diversas regiones
    del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas,
    alcanzando grandes dimensiones. Responden a la expresión
    de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter
    mágico-religioso porque se presume fueron realizadas como
    rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que
    pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones
    plásticas en el principio eran líneas trazadas con
    los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva,
    luego interviene el color, rojos y negros mayormente. Hacia
    finales del Paleolítico, la característica esencial
    de la pintura rupestre es la esquematización de las
    formas, adquiriendo así mayor movimiento y
    dinamismo.

    ESCULTURA: Del Auriñaciense datan las
    primeras esculturas de forma humana. Son figuras femeninas, en
    hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño,
    relacionadas con el culto a la fecundidad. Se las conoce con el
    nombre genérico de Venus. Entre las más conocidas
    tenemos a las Venus de Willendorf, Lespugue, Savignano y
    Grimaldi.

    ARQUITECTURA: En el Neolítico o Edad de
    Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden importancia
    y en cambio se
    desarrolla al final del período una arquitectura de
    enormes piedras que recibe el nombre de Arquitectura
    Megalítica, formados por bloques inmensos de piedras,
    estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y
    Cromlech.

    – ARTE EGIPCIO

    La pintura egipcia posee una sensibilidad
    artística innata; resulta ser un medio excelente para
    transmitir un mensaje estético, creando un ambiente
    cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la
    línea, la armonía de las formas, el equilibrio
    compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva,
    mágica, natural y contemplativa. Con respecto a la
    representación de la figura humana, esta se caracteriza
    por los siguientes rasgos: Ley de
    Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil;
    hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de
    la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme.
    Superposición de figuras y gran colorido, logrando
    diversos tipos de armonías. Representación de
    escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es empleada en las
    paredes de templos, tumbas y palacios.

    ARQUITECTURA: Una de las grandes creaciones del
    genio egipcio es la arquitectura, arte en que dejaron monumentos
    que asombran por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los
    ingenieros constructores. Entre sus obras se destacan los
    Monumentos Funerarios: Mastabas, Hipogeos y Pirámides, y
    los Monumentos de Culto: Speos y Templos.

    PINTURA: La pintura egipcia posee una
    sensibilidad artística innata; resulta ser un medio
    excelente para transmitir un mensaje estético, creando un
    ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de
    la línea, la armonía de las formas, el equilibrio
    compositivo y una gran gama de colores que la hacen atractiva,
    mágica, natural y contemplativa. La representación
    de la figura humana se caracterizó por los siguientes
    rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y
    piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de frente. Se
    destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo
    seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido,
    logrando diversos tipos de armonías. Representación
    de escenas de la vida real. Carácter decorativo en
    atención a que ella es empleada en las paredes de templos,
    tumbas y palacios.

    ESCULTURA: A lo largo de su historia, la escultura
    egipcia pasó por distintas etapas en cada una, por causas
    políticas y religiosas cambió de
    dirección, desde la inspiración
    naturalista a la construcción idealizada de la figura. Se
    destacan: el Cheik-el-Beled, el Escriba Sentado, Rahotep y
    Nefret, la cabeza de Nefertiti, los Colosos de Memmón y la
    gran Esfinge de Gizeh, entre muchos otros.

    – ARTE GRIEGO

    Floreció entre los siglos VII y II antes de C.,
    en Grecia y otros
    territorios del Mediterráneo habitados por los griegos. Se
    caracteriza por su idealismo
    estético, proporcionalidad, equilibrio de los elementos y
    su interés
    por reflejar la expresividad genuina en la figura humana; por
    ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El
    atletismo, tan
    cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus
    mejores modelos. La
    sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus
    formas artísticas; así, los griegos alcanzaron sus
    mayores logros en la cerámica, la escultura y la
    arquitectura.

    El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V
    y IV. Se caracterizó por darle a sus obras el mayor
    sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y
    equilibrio de elementos y por reflejar una genuina
    expresión de humanismo.
    Grecia, es una pequeña península situada al sureste
    de Europa. Pero en
    este pequeño país nacieron las primeras ideas que
    dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros
    conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la
    filosofía, la ciencia y
    el arte de los griegos.

    ARQUITECTURA: En la arquitectura griega no se
    empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento
    sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El
    sistema de
    construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por
    orden jerárquico, los templos como exponentes principales,
    luego, los teatros, las acrópolis, los propileos, los
    estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los
    monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas
    dieron origen a los famosos órdenes arquitectónicos
    griegos: Dórico, Jónico y Corintio.

    MATERIALES UTILIZADOS: Los griegos usaron de
    manera preferente el mármol, el cual pulían de
    forma cuidadosa; también emplearon la piedra.

    ESCULTURA: La escultura griega no está
    sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El escultor tiene
    libertad de
    expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la
    perfección humana, por tanto es una escultura dedicada a
    exaltar la fuerza física, la
    perfección de los rasgos, el movimiento y la
    expresión de la divinidad. Su tema central gira en
    torno a la
    figura humana. La escultura griega pasa por 3 períodos
    épocas o fases evolutivas, con características
    propias en cada una de ellas. Estas son:

    Arcaica: Se caracterizó por ser una
    época en donde los escultores buscan un estilo y una
    técnica propios. En ella aparece la figura femenina y
    masculina, al inicio estas figuras eran de tipo hierático,
    sin movimiento, pero luego surgieron ideas de movimiento, los
    brazos se despegan del cuerpo y el rostro expresa una curiosa
    sonrisa. Las esculturas eran hechas como ofrenda a los
    deportistas. Son de esta época: El Kouros de Anavyssos
    (atleta), la Dama de Auxirre o Xoana (doncella vestida), la
    cabeza del caballero Rampios, etc.

    – Clásica: esta época
    significó el período de mayor auge en todas las
    manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores
    logran la perfección de sus técnicas, así
    como las mejores piezas escultóricas, en donde se observa
    la magnificencia de la figura humana. Esta época tiene 2
    períodos: el estilo Sublime, en el que se destacan
    escultores como Mirón, Fidias y Polícleto, y el
    estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles y Lisipo,
    ambos estilos tenían características
    propias.

    – Helenísta: esta época corresponde
    al fin del arte griego, las obras de esta época toma
    modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando
    una gran capacidad de realización, entra la figura del
    niño como tema. La escultura adquiere caracteres de
    monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo
    episódico, etc. El retrato pasa a un primer plano. En este
    período surgen diferentes escuelas, entre las más
    importantes: las Escuela de
    Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.

    PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los
    pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento
    la maestría que se manifestaba en los increíbles
    efectos de realismo que
    sabían producir por descripciones de algunas pinturas.
    Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son
    copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era
    aquella pintura. Se destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas,
    Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y Apeles.

    CERÁMICA: Esta constituye en las artes
    menores la mejor y más variada expresión en lo que
    a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una muy
    completa evolución de su cultura. Con un estilo y
    técnicas propias, se caracteriza por tener formas variadas
    y originales, predominan los elementos geométricos
    dispuestos en franjas, las tonalidades del barro, desde el
    amarillo hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo
    sobre fondo negro o rojo el fondo y figuras negras, predominan
    formas animales y humanas.

    – ARTE ROMANO

    Resulta de las influencias etruscas y griegas,
    alcanzó su mayor esplendor en la época del Imperio.
    Se desarrolló en Italia desde el
    año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de
    C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en
    realidad fue más variado, más flexible y en ciertos
    aspectos se acerca más al arte moderno; así, su
    influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue
    notable. Sus mayores logros los presenta en el desarrollo de
    la arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a
    servicio de
    esta, predominando los murales. Los temas eran asuntos
    bélicos, eróticos, leyendas
    heroicas, paisajes, marinas, naturaleza muerta
    y el retrato. A partir del siglo I, se observan dos corrientes
    pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se
    preocupa por la forma humana, resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el estilo
    Helenístico – Alejandrino, que pone de manifiesto la
    preocupación por la pintura rural, se cultivan el paisaje
    y las marinas. Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra
    época (pintura en Pompeya), se observan cuatro estilos: de
    incrustación, alejandrino o arquitectónico,
    ornamental y fantástico.

    Roma fue un pueblo de labradores, de
    comerciantes, de guerreros. Los romanos mostraron mayor
    interés por las cosas prácticas y sus obras
    artísticas llevan siempre un sello utilitario. Pueblo
    dominador, fundador de un vasto imperio, el romano tuvo por
    preocupación fundamental mantener el dominio sobre los
    territorios colonizados, para lo cual movilizó poderosos
    ejércitos, dio vida a un denso cuerpo de leyes que
    apretó los lazos entre la metrópoli y las
    provincias, y desarrolló una gigantesca labor constructiva
    con un variado repertorio de formas arquitectónicas
    perfectamente adaptadas a sus fines. Sus dos grandes
    realizaciones fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su
    mérito principal es haber extendido la civilización
    grecolatina por una vasta parte del mundo conocido.

    ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria,
    está concebida en función de las necesidades
    privadas y públicas. Expresa la voluntad de poder y de
    mando del Estado romano,
    que se erige como rector de la vida privada y pública de
    sus ciudadanos. Es monumental, hecha pensando en la
    glorificación de Roma y para
    resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza
    busca la majestad y la robustez, por lo que se muestra en
    grandes masas sólidas y pesadas. Expresa el ideal de
    uniformidad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos
    sujetos a su dominio asuman una fisonomía material a
    imagen y
    semejanza de la Urbe. Alterna dos sistemas
    conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los griegos), y
    el arco y bóveda (tomado de los etruscos). Sus principales
    monumentos fueron: el templo, la basílica, las termas, los
    teatros, los anfiteatros, los circos, etc.

    LA ESCULTURA: Se mueve entre los polos contrarios
    de idealismo y realismo y su tema casi central es el retrato. En
    sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos
    bronces, luego la influencia griega a través de los
    escultores helénicos que vivían en Roma o en la
    Magna Grecia, así como de las obras descubiertas en
    suelo griego y
    llevadas a Roma, impulsa la corriente idealista. El
    enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del
    período republicano.

    PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: Creada con un
    destino utilitario que se cumple en su función narrativa,
    honoraria o descriptiva. Más que un arte es una
    artesanía supeditada a exigencias religiosas
    honoríficas o conmemorativas. Cultiva con preferencia el
    retrato llevándolo a su máxima
    identificación con el modelo. Es un
    arte naturalista. Es una obra anónima.

    PINTURA: La conocemos a través de los
    frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que suelen ser copias
    griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como cupidos,
    pájaros, cintas, flores, etc. Los temas son
    históricos, mitológicos paisajísticos y
    marineros. También en ciertos períodos se hizo una
    pintura arquitectónica, que imita a los elementos
    constructivos. Lo interesante de la pintura romana es la
    técnica de manchas de color al temple, aplicadas con
    brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con
    efectistas toques de sombra y luz. También en la pintura
    domina el gusto realista por lo que los temas preferidos, son el
    retrato, la caricatura y el paisaje.

    – ARTE ROMÁNICO

    Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el
    período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en
    Europa un arte al que se le da el nombre de Románico. Este
    nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que es
    el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de edificios
    y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha
    denominado románico, por la semejanza con el vocablo
    romance, el cual designa los idiomas derivados del
    latín.

    ARQUITECTURA: Es una arquitectura religiosa, de
    creación monástica, porque son los monasterios y
    los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la
    Iglesia.
    Expresa el ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y
    penitencia. Desde el punto de vista técnico, pertenece al
    grupo de
    arquitecturas de arco y bóveda, por ser estos sus
    elementos funcionales básicos. Tiene una apariencia
    robusta y pesada. El principio de sustentación es
    estático, pues enfrenta masa contra peso. Presenta un
    exterior sobrio, de muros desnudos y lisos, interrumpidos nada
    más que por los elementos de refuerzo, que van
    incorporados a la estructura. Otros elementos constructivos:
    contrafuerte, columnas, pilares, cúpulas.

    ESCULTURA: Está subordinada a la
    arquitectura, que determina los lugares y espacios que deben
    cubrirse con relieves o estatuas. Su finalidad no es
    artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las
    figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa.
    Estilización y desproporción: las figuras no
    guardan las proporciones naturales. Tampoco guardan la debida
    perspectiva ni la relación de tamaños que se debe a
    la diferente profundidad a que están las figuras. En los
    relieves, la diferencia de tamaño significa la importancia
    del personaje. Composición simétrica: las escenas
    se componen, guardando una relación simétrica. En
    los tímpanos, la composición tiene siempre como eje
    la figura de Cristo.

    PINTURA: La pintura románica tiene un
    desarrollo notable, pues las vastas extensiones de pared lisa
    eran apropiadas a la decoración pictórica; por
    ello, también la pintura era un arte subordinada a la
    construcción. La falta de perspectiva, los colores planos,
    la composición simétrica, la rigidez de las figuras
    y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su
    mirada asombrada, prueban una indudable influencia oriental a
    través del arte de Bizancio. La técnica empleada es
    la del Fresco, notables ejemplos son las iglesias
    románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos
    abstractos de significado simbólico; y las iglesias
    italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya
    cierto empeño en copiar la naturaleza con
    fidelidad.

    – ÉPOCA MEDIEVAL

    El arte de la Edad Media es esencialmente religioso,
    aunque haya producido obras maestras de carácter profano;
    la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue
    un largo período en las que se produjeron distintos
    estilos de arte; el primero fue llamado Paleocristiano, cuya
    pintura se inicia en las catacumbas, está llena de
    simbolismo y cabe destacar la realización de los muy
    famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas
    eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la
    cruz, etc. Luego, nace el arte Bizantino en la época de
    Constantino; en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere
    características propias, los artistas realizaban
    excelentes mosaicos centrados en la representación de
    acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que las
    figuras representadas poseen un hieratismo bastante acentuado que
    siempre están colocadas de frente. El Románico,
    denominado así por la semejanza con el vocablo "romance"
    que designa a los idiomas derivados del latín, se
    encargó de decorar el interior de muchas basílicas
    e iglesias. Durante este período se pinta sobre
    ábsides y bóvedas figuras estilizadas, llenas de
    incesante movimiento y colorido; la pintura románica
    empleó las técnicas pictóricas al fresco y
    al temple; los temas solían ser figuras de ángeles,
    santos, apóstoles, corderos, etc., también
    realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas
    ilustraciones de biblias y evangelios. Por último, aparece
    el arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres connotados
    fenómenos de la Edad Media: la formación de la
    clase burguesa, el desarrollo comercial y la
    industrialización. La pintura gótica fue expresiva
    y realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El
    paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los
    dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas.
    Esta pintura casi desaparece por completo de las catedrales,
    puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta
    manera queda reducida a miniaturas de libros,
    tapices y retablos.

    – ARTE GÓTICO

    Entre los siglos XII y XV, florece en Europa un arte
    poderosamente original, que fue llamado, un tanto despectivamente
    Gótico, en el sentido de bárbaro, por suponerse que
    sus creadores habían sido los pueblos germánicos
    que ocupaban el centro de Europa, y a los cuales se les designaba
    con el nombre de Godos. También se conoce este arte como
    Ojival, por la forma apuntada (en ojiva) de sus arcos y
    bóvedas, que recuerdan una punta de lanza de filos curvos.
    Los primeros monumentos góticos se levantaron cerca de
    París, en la región llamada Isla de Francia.
    Aquí se construye en el año 1140 el coro de la
    abadía de Saint Denis, y en el 1163, se da comienzo a la
    catedral de Nuestra Señora de París, obras en las
    que se resaltan los elementos propios del estilo. De Francia
    pasó a todos los demás países de Europa, en
    cada uno de los cuales adoptó variantes locales, pero con
    mantenimiento
    de sus rasgos esenciales.

    FASES DEL GÓTICO

    – LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII)

    Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro
    paños de perfil en punta de lanza.

    – RADIANTE (siglos XVIII y XIV)

    Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas,
    bóvedas de varios paños y formas.

    FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo
    XV)

    Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy delgadas.
    Gran altura de naves y torres. Ornamentación
    escultórica apretada. Uso del arco conopial y de la
    bóveda en forma de estrella.

    ARQUITECTURA: El arte gótico se
    manifestó magníficamente en la arquitectura, se
    construyeron casas particulares, palacios, edificios
    públicos, castillos, puentes, fortalezas e iglesias. Pero
    en realidad, la obra máxima de estos siglos fue la
    catedral, arquitectura extraordinaria que nunca deja de asombrar
    a quien la contempla. Los elementos constructivos esenciales son
    el arco apuntado, la bóveda de crucería ojival y el
    contrafuerte con su arbotante. Esta arquitectura es de equilibrio
    dinámico y domina en ella la línea vertical, lo que
    produce una impresión de impulso ascendente, acentuado por
    las formas agudas de los arcos y la abundancia de elementos
    puntiagudos.

    ESCULTURA: Las características de la
    escultura se pueden observar en los santos, vírgenes,
    ángeles, reyes, profetas y figuras alegóricas que
    llenan el interior y exterior de la construcción, haciendo
    de remate en pináculos, cubriendo los frisos y las
    arquivoltas, los tímpanos y todos los espacios posibles.
    Para dar idea de la decoración escultórica,
    bastará saber que la decoración escultórica
    de la catedral de Chartres cuenta con más de ocho mil
    figuras. Se destacan como escultores: Giovanni Pisano, Nicola
    Pisano, Andrea Pisano, Klaus Sluter, Gil de Siloe y William
    Torell.

    PINTURA: En aquellos países donde el
    estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura
    mural fue perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y
    a partir del siglo XIV aparece la pintura sobre tabla,
    consistente en pequeños altares portátiles y
    retablos, formados por uno o varios paneles. Tratan temas
    religiosos, con gran finura de detalles en la figura humana, pero
    sin profundidad. Los pintores se esfuerzan por lograr la
    naturalidad y reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco
    exagerado hacia lo dramático. Lo más hermoso de
    estas tablas góticas es el colorido, que brilla con
    intensidad de esmalte. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck,
    Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.

    – ARTE BIZANTINO

    Bizancio, pequeña ciudad griega que había
    sido cabeza de una provincia romana, asciende de repente
    (año 330), por decisión de Constantino el Grande,
    al rango de capital
    imperial con el nombre de Constantinopla. Medio siglo
    después, el emperador Teodosio divide su reino entre sus
    dos hijos, y crea dos Estados Independientes: el Imperio de
    Occidente, con Roma como capital, y el Imperio de Oriente, con
    centro en Bizancio. La caída del Imperio de Occidente
    (año 476) echa sobre Bizancio la herencia
    espiritual de Roma y acrecienta su importancia como poder
    político y artístico, que le llegará a su
    cúspide con el glorioso Justiniano. Pero la
    situación geográfica de Bizancio, en las puertas de
    Asia; su
    alejamiento de las fuentes
    latinas y el contacto estrecho y continuo con los reinos de
    oriente, influyen sobre ella en forma que si, por una parte,
    mantiene su título de hija y continuadora de la cultura
    clásica, por otra, Bizancio ofrece los rasgos de una
    monarquía exótica, teocrática
    y despótica; fastuosa y bárbara, cuyas costumbres,
    gustos y estructuras pertenecen más al mundo
    asiático que al grecolatino, lo cual se refleja en su
    arte.

    ARQUITECTURA: Está inspirada en las
    arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo
    más en contacto o que formaban parte de su misma
    tradición histórica y cultural. Por eso en sus
    construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos, de
    los griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su
    propia invención. Entre los más importantes
    tenemos:la cúpula, las trompas y pechinas, la
    bóveda, el arco, los contrafuertes, las columnas y las
    torres. La construcción más importante de la
    arquitectura bizantina es la Iglesia.

    PINTURA: Presenta dos modalidades muy
    interesantes: la mural, destinada a la decoración del
    interior del templo; y la de caballete, que produce
    pequeñas piezas sobre tablas de madera, llamadas Iconos,
    es decir, imágenes. La primera se pintaba al óleo o
    al temple, y eran grandes composiciones de tema religioso, con un
    carácter simbólico que agradaba mucho a la
    mentalidad abstracta del oriental. En los grandes espacios
    formados por bóvedas y cúpulas se representaban
    escenas alegóricas en las que entraban la Virgen o el
    Cristo: la Resurrección, el Juicio Final, la Gloria,
    etc.

    LOS MOSAICOS: No es posible hablar del arte mural
    bizantino sin referirnos a una de sus más hermosas
    creaciones: el mosaico. Consistía en la composición
    de grandes escenas, generalmente religiosas, pero no pintadas
    sino hechas con pequeñas piezas de cerámica o de
    mármol de colores (llamadas teselas), que se iban pegando
    a una base debidamente preparada, sobre la que se había
    hecho el dibujo previo de las figuras que se querían
    representar. La gran diversidad de colores y matices de estas
    teselas permitía dar a las figuras todos los efectos de la
    pintura, en lo que se refiere a tonalidades, sombras, formas,
    etc.

    ESCULTURA: En los primeros tiempos, la escultura
    bizantina es una prolongación del arte helenístico
    que produce retratos de gran vigor. Pero después de la
    revolución
    de los iconoclastas, que acabaron con todas las imágenes
    religiosas de bulto y prohibieron el culto de las mismas, la
    escultura perdió importancia y quedó reducida a las
    artes menores del marfil, el esmalte, el bronce y el oro,
    materiales en los que se trabaja el bajo relieve con gran
    maestría.

    – RENACIMIENTO

    El Renacimiento comenzó como un movimiento
    orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo
    del Humanismo; es un renacer de las artes donde los asuntos
    representados, desde el punto de vista ético y
    estético se liberaron de los vínculos del concepto
    de vida cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio
    anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno
    personal en
    alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se
    utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue
    Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida
    de la influencia gótica, pero gradualmente
    evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En el
    dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven
    plásticos; se procura destacar la expresión facial,
    que algunas veces revela los grandes conflictos del
    alma, un ejemplo de ello es la expresión de
    desesperación que Masaccio le dio a Eva en su cuadro
    Expulsión de Adán y Eva del paraíso. En el
    siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas
    pudientes les gusta retratarse de busto o en medallón, y
    por tanto surge multitud de personas cuyos rasgos quedan labrados
    en madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión
    de vírgenes y santos, sólo con suma
    discreción se insinúa la mundana sensualidad en
    ciertas representaciones del arte eclesiástico, por
    ejemplo, las referentes a mártires y pecadores. Al
    principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la
    carne pecadora se situaban en la periferia de grandes escenas
    decorativas, donde el artista tenía más libertad de
    expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar
    estos temas por medio del desnudo femenino. Entre los
    representantes más significativos del Renacimiento,
    podemos destacar por sus majestuosas obras pictóricas a
    Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero,
    Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de
    ellos, algunos como Leonardo de Vinci, por ejemplo,
    destacó más como dibujante, ya que a través
    del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos; sus
    dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes,
    destacando las expresiones humanas y también se puede
    apreciar que están envueltos en una sutil y fina aureola
    de luz difusa.

    Se llama Renacimiento al gran movimiento
    artístico y filosófico que se produce en Europa, en
    Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como
    principal característica, que se manifiesta
    particularmente en las artes, su admiración por la
    antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre
    de Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un
    renacer o volver a nacer de la cultura grecolatina.
    Comenzó como un movimiento orientado por artistas e
    intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un
    renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el
    punto de vista ético y estético se liberaron de los
    vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el
    arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la
    iglesia, sino un himno personal en alabanza a la
    belleza.

    La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la
    pintura no se liberó en seguida de la influencia
    gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo
    concepto de la belleza. La cultura greco-romana había sido
    desplazada durante la Edad Media. En esta época lo
    novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma,
    estas nuevas concepciones artísticas, enmarcadas en el
    acto religioso no tienen mayor auge, debido a los recelos de los
    sabios humanistas orientales que emigran a esta ciudad
    después de la caída de Constantinopla; es
    así como al ser rechazado el estilo gótico y
    bizantino, y puestas en un primer plano las antiguas formas
    greco-romanas, surge el arte del renacimiento, que se expande por
    toda Europa (Francia, Inglaterra,
    Alemania y la
    Península Ibérica, especialmente).

    PRINCIPALES CAUSAS DEL RENACIMIENTO

    – Conservación en universidades y conventos
    medievales de valiosos manuscritos de autores griegos y
    romanos.

    – Uso del latín como lengua culta,
    que hacía posible la lectura de
    las obras clásicas.

    – La presencia en tierra
    Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en los
    curiosos el deseo de conocer la civilización que
    había levantado tales monumentos.

    – La invención de la imprenta, que
    contribuyó a la difusión de los escritos de los
    poetas, filósofos y sabios de la antigüedad y
    de los modernos.

    – Los descubrimientos geográficos, el avance de
    las ciencias
    naturales y el progreso de las técnicas que inspiran
    una confianza ilimitada en el poder de la inteligencia
    humana y estimulan a la acción.

    CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE
    RENACENTISTA

    – Imitación de la arquitectura y la escultura de
    Grecia y Roma.

    – Realización de una belleza ideal, ajustada a
    cánones dictados por la razón.

    – Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que
    proceden de la armonía del todo.

    – Creación de obras, cuya claridad y
    perfección, atributos exigidos por la razón
    universal, les dan una validez permanente.

    ETAPAS DEL RENACIMIENTO

    – PRERRENACIMIENTO O TRECENTO: siglos XIII y XIV.
    Coincide con el período gótico europeo.

    – QUATROCENTO: llega hasta finales del siglo XV y
    su centro cultural es la ciudad.

    – CINQUECENTO: llena todo el siglo XVI y su
    cabeza es Roma.

    ARQUITECTURA

    La arquitectura del renacimiento empleó los
    órdenes clásicos (jónico, corintio y
    dórico), combinándolos entre sí en un mismo
    tipo de construcción, pero no tal y como aparecen en la
    arquitectura grecorromana sino al amparo de la
    inventiva y originalidad del arquitecto renacentista, de esta
    manera surge el estílo "colosal" propio de esta
    arquitectura.

    En este nuevo acontecer arquitectónico se le da
    mucha importancia a la arquitectura civil, construyéndose
    los Palacios Municipales, que presentan un aspecto de fortaleza,
    el Palacio de Habitación, que es de inventiva renacentista
    y presenta en su exterior forma de cubo con tres pisos, que
    culmina en una cornisa; y las Villas, que fueron construidas en
    las afueras de Roma, tenían grandes pabellones con
    terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y
    parques.

    La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus
    inicios la planta de la basílica cristiana, sin embargo,
    el centro adquiere mayor importancia por el empleo de la
    Cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y presenta
    los famosos Ojos de Buey (aberturas circulares). En
    relación con los elementos constructivos, tenemos que los
    muros son de ladrillo o sillería, con apariencia robusta,
    las bóvedas usadas fueron: las de "cañón
    seguido", "rincón de claustro", "de arista" y la
    "cúpula"; se usan arcos de medio punto; las ventanas
    suelen ser de varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos
    de medio punto subdividido en otros dos), con alfeizar saliente,
    o en forma de tabernáculo.

    En lo que respecta a la decoración de las obras
    arquitectónicas, se observa que se emplearon varios
    elementos, estos son:

    – La Escultura: cubre toda la superficie de los
    monumentos como un sutil manto, en sus inicios; luego se realizan
    esculturas en bulto que adornan el conjunto
    arquitectónico, posteriormente hay una gran
    profusión de ésta envolviendo por completo el
    conjunto lineal arquitectónico.

    – La Policromía Natural: consiste en el
    empleo de diversos materiales naturales, los cuales al ser
    combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo,
    combinaron el mármol blanco de las paredes con la piedra
    de los muros.

    – El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las
    paredes finos relieves pintados con dos colores.

    – Los Frescos y Mosaicos: llenan las
    cúpulas y paredes interiores de la construcción, se
    empleó una diversidad de tonos, los cuales los
    hacía muy llamativos.

    – Los Frontones: son de inventiva romana,
    colocados casi siempre sobre puertas y ventanas, generalmente son
    rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser triangulares o
    curvilíneos.

    – Las Pilastras: son columnas que se colocan
    contiguas a una pared. Las pilastras tienen sus orígenes
    en la arquitectura romana.

    ARQUITECTOS RENACENTISTAS

    – ITALIA: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante da
    Urbino, Rafael Sanzio, Miguel Ángel Buonarroti.

    ESPAÑA:
    Diego de Siloé, Juan Herrera.

    – FRANCIA: Salomón de Brosse.

    ESCULTURA

    El origen de la escultura renacentista se remonta al
    siglo XIII, en Toscana, con el escultor Incola Pisano, quien se
    encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio de la
    catedral. Este escultor es el que se atreve a exteriorizar la
    ruptura con la severidad bizantina y con las ideas
    artísticas del arte gótico, pero su obra queda
    aislada.

    Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la
    época de mayor furor de la escultura renacentista. En esta
    época se advierte:

    1. Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado
      o natural.
    2. Expresión de los sentidos y
      pasiones humanas.
    3. Reinterpretación modernizada de los
      cánones clásicos.
    4. Temáticas diversas: mitología, religión, historia,
      leyendas, etc.

    La escultura renacentista es el primer medio expresivo
    que reacciona contra el estilo gótico. Esta presenta
    variaciones de acuerdo con el siglo en que se desarrolla.
    Así es como al siglo XIII se denominó Época
    Arcaica, los siglos XIV y XV, Época Clásica y el
    siglo XVI, Época Barroca.

    SIGLO XIII. ÉPOCA ARCAICA

    Surgen los primeros intentos del nuevo estilo
    escenificado en las obras de los "pisanos", Incola, Giovanni y
    Andrea Pisano.

    Entre las características de estas primeras obras
    tenemos:

    • Expresión de sentimientos humanos.
    • Inspiración en la antigüedad
      clásica.
    • Realización de "Madonas".
    • Ropaje y accesorios profusamente
      trabajados.

    SIGLO XIV Y XV. ÉPOCA
    CLÁSICA

    Durante estos siglos existe una gran producción de obras de arte. La actividad
    artística se encuentra centrada en la ciudad de Florencia
    sobre todo en el siglo XV. Sus principales representantes son
    Donatello di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además, cabe
    destacar la importancia en este siglo de las obras
    escultóricas de los Della Robia, Andrea y Lucca. Estos
    escultores, realizaron e introdujeron una nueva modalidad
    escultórica-pictórica, los relieves realizados con
    barro cocido policromado y vidriado.

    Las características de esta época son,
    entre otras:

    • Adornan monumentos (tribunas, coros, sepulcros,
      etc.)
    • Diversificación temática.
    • Efectismo pictórico.
    • Gran destreza en la ejecución de obras hasta
      llegar al perfeccionismo.

    SIGLO XVI. ÉPOCA BARROCA

    Durante este siglo la figura más resaltante es
    Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza numerosas obras con
    características muy propias, que lo distinguen de otros
    escultores de la misma época, también sobresale la
    obra de Benvenuto Cellini, entre otros.

    Entre las principales características de estas
    obras tenemos:

    • Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
    • Dominio anatómico.
    • Figuras llenas de abundante vitalidad.
    • Demostración de gestos y actitudes en
      sus figuras.
    • Fuerte influencia clásica.
    • Materiales: bronce y mármol
      preferiblemente.

    PINTURA

    La pintura renacentista está plena de
    religiosidad, sin embargo, cada artista busca su propio estilo,
    en donde el retrato y la representación del paisaje tienen
    mucha importancia.

    Durante el renacimiento
    surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de la ciudad
    donde se desarrollan, entre estas se citan: la Escuela
    Florentina, la Veneciana, la de Siena, la de Umbría, la de
    Parma, la de Verona, la de Padua, la de Milán y la de
    Carrara.

    Los pintores también se agrupan, pero por
    generaciones, así, tenemos los del Quattrocento (1400) y
    los del Cinquecento (1500). Hay otra clasificación muy
    utilizada para caracterizar las obras pictóricas del
    renacimiento, la cual es:

    • Renacimiento Temprano: que abarca desde el
      año 1420 hasta el año 1500 y cuyos representantes
      más significativos son Fran Angélico de Fiesole,
      Masaccio, Piero della Francesca y Sandro Botticelli, entre
      muchos otros, con pinturas verdaderamente
      grandiosas.
    • Alto Renacimiento: que comprende el
      período que va desde el año 1500 hasta el
      año de 1527, en el cual se destacaron famosos pintores:
      Miguel Ángel, Leonardo da
      Vinci, Tiziano, Pablo Veronés, Tintoreto, Rafael
      Sanzio, Juan Van Eyck, Alberto Durero, Jean Cousin y el
      Greco.

    CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA
    RENACENTISTA

    • Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o
      ficticios, sacados de la religión, de la
      mitología o de la historia.
    • Es realista: las figuras humanas o de animales, y los
      objetos inanimados están reproducidos con el mayor
      cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos
      reales.
    • El cuadro se presenta como un escenario: un espacio
      cúbico, sugerido por medio de los recursos que
      enseña la perspectiva geométrica recién
      descubierta y dan la ilusión de profundidad. El punto de
      vista del pintor suele estar en el centro del
      cuadro.
    • La composición está sometida a esquemas
      intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma
      simétrica en la distribución de las figuras.
    • En cuanto a los esquemas de composición
      preferidos, el triangular (con el vértice arriba o
      invertido) y el rectangular con la división del espacio
      en segmentos áureos. En algunos casos, los
      triángulos son dos combinados.
    • En general, es una pintura dibujística, que se
      fundamenta en el poder definidor y expresivo de la
      línea, y considera el color como un accidente de la
      materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un
      dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es
      absoluta.
    • Se da interés preferente al cuerpo
      humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia
      y copia cuidadosamente.
    • A partir del siglo XV, se usará en vez del
      temple, la técnica del óleo, inventada por los
      pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la
      pintura de caballete.

    EL DIBUJO Y EL GRABADO

    Los grandes pintores del renacimiento fueron dibujantes
    de primera. Los apuntes, bocetos y estudios que conocemos de
    Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o Sanzio, quienes se
    destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran
    maestría en el manejo del lápiz. El que más
    se destaca como dibujante es Leonardo da Vinci, ya que a
    través del dibujo realiza sus famosos estudios
    anatómico. Su dibujo está pleno de rasgos finos
    pero firmes, destacando las expresiones humanas.

    Sin embargo, el dibujo como técnica
    independiente, con valor por
    sí misma, no fue considerado en la época, quedando
    reducido sólo a un medio auxiliar de la pintura, para
    tomar apuntes rápidos del natural o hacer estudios de
    composición, perspectiva, movimiento, anatomía y
    otros aspectos del cuadro que iba a pintarse.

    Las técnicas que solían emplear eran el
    carboncillo, la sanguina, el lápiz y la tinta sobre
    papel. Pero si
    el dibujo no tuvo mucho interés para los artistas del
    renacimiento, en cambio el grabado, sobre todo entre los alemanes
    fue muy cultivado y se trabajó como una técnica
    autónoma, paralela a la de la pintura, en sus dos formas
    principales: el grabado en metal (calcografía) y el
    grabado en madera (xilografía), a cuya difusión
    contribuyó el reciente invento de la imprenta en
    1450.

    – BARROCO

    Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y
    perdura hasta finales del siglo XVIII, se extendió por
    todos los países europeos, desarrollando
    características propias en cada país. En este arte
    hay una marcada predilección por el naturalismo, el
    dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de
    naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de
    Cristo, enmarcándose dentro de esquemas
    asimétricos. Las representaciones de personas o de gente
    del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los
    retratos de clase social alta, son más adornadas las
    vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros,
    etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura
    barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad
    dramática y el empleo del color. En Italia se produjeron
    dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico
    y el Clasicista, en este país se destacó la figura
    de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia
    destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude
    Gelée Lorrain; en España el barroco se
    torna serio y formal, representado magistralmente por Diego
    Rodríguez de Silva y Velásquez, Francisco
    Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban
    Murillo. En los países bajos el barroco generó dos
    escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en
    Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón
    Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual produjo un
    nuevo estilo y contó con dos importantes personajes:
    Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de
    Delft.

    Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y
    parte del XVIII, su punto de partida fue Italia, Roma,
    concretamente, donde dejó monumentos grandiosos en el
    orden de la arquitectura. De Italia pasó al resto de
    Europa y llegó incluso a Rusia. A través de
    España, el Barroco se difundió por toda América
    y alcanza su momento culminante en el siglo XVIII.

    ARQUITECTURA: Los dos tipos de obra
    arquitectónica que el barroco desarrolla son la Iglesia y
    el Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos
    robustas torres laterales que enmarcan la gran linterna con su
    cúpula. El palacio, que toma por modelo el de Versalles,
    consiste en una larga edificación de varias plantas, cuyo
    cuerpo central contiene la mayor densidad de
    elementos decorativos y forma un frontis de gran valor
    artístico. Elementos esenciales del palacio barroco son
    las galerías, que son salones largos, abovedados y con
    ventanales, y la escalera "a la imperial".

    PINTURA: En este arte hay una marcada
    predilección por el naturalismo, el dinamismo y los
    efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza
    muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo,
    enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las
    representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con
    sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social
    alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas, encajes,
    zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que
    más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las
    luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del
    color. En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas,
    o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este
    país se destacó la figura de Miguel Ángel
    Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás
    Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en
    España el barroco se torna serio y formal, representado
    magistralmente por Diego Rodríguez de Silva,
    Velásquez, Francisco Zurbarán, José de
    Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países
    bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que
    tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada por
    Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la
    Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó con dos
    importantes personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van
    der Meer de Delft.

    ESCULTURA: La escultura barroca muestra las
    siguientes características:

    MOVIMIENTO: las figuras se representan en alguna
    acción violenta y en actitudes de esfuerzo y
    tensión. Las ropas participan también de esta
    agitación y se arrugan en pliegues que revolotean como
    sacudidos por el viento.

    PATETISMO: gusta de la expresión de
    estados anímicos emotivos tales como: éxtasis,
    miedo, ansiedad, etc., que los rostros traducen con el más
    vivo verismo.

    CLAROSCURO: se buscan efectos propios de la
    pintura, de manera que los cuerpos se perciben como envueltos en
    una atmósfera luminosa.

    TEATRALIDAD: existe una propensión a lo
    exagerado y a las actitudes elocuentes que hacen de ella una
    representación dramática.

    – EL ROCOCÓ

    Estilo característico del siglo XVIII europeo,
    que sucedió al barroco y precedió al
    neoclásico. El término procede del francés
    Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de
    las grutas y jardines renacentistas a base de conchas. El
    Rococó floreció principalmente en Francia, en un
    principio junto con el barroco, hasta que adquirió un
    lenguaje propio que se difundió por toda Europa. Mientras
    la arquitectura conservaba su rigidez de origen clásico,
    los elementos decorativos del rococó aportaron
    fantasía y elegancia a las construcciones, pero fue
    sobretodo en los interiores donde la decoración
    rococó consiguió los mayores logros.

    ARQUITECTURA: Los adornos que, representando
    falsas rocas, adheríanse a la arquitectura de las grutas y
    las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento
    nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema de los
    órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el
    frescor y la alegría de lo primitivo y lo campestre. Los
    palacios son los primeros en adoptar como elementos
    básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas,
    conchas, etc.

    ESCULTURA: Alemania acogió el
    rococó con tal entusiasmo que le fue difícil
    desprenderse de él . Un gran escultor del siglo
    rococó fue Andrea Schluter, autor de la efigie ecuestre
    del elector Federico Guillermo, en la cual puede observarse como
    el movimiento de masas y líneas, que en el tiempo barroco
    afectaba solamente a la concepción del conjunto, en el
    siglo XVIII fue utilizada como un detalle para dar vida a cada
    pormenor de los cuerpos.

    PINTURA: El carácter de la época
    rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en
    pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo.
    Este hubiese carecido de gracia sin el realismo, y por tanto, se
    inspiró en la pintura holandesa y flamenca, especialmente
    en Van Dyck. El cliente ya no es
    el Rey, con las grandes necesidades decorativas de un palacio,
    sino que se halla entre los nobles y burgueses adinerados a los
    que ha dejado de interesar las composiciones históricas y
    mitológicas, aunque a menudo, se complacen todavía
    en hacerse retratar caracterizados como personajes de
    fábula.

    – NEOCLASICISMO

    Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo
    XVIII ante los cánones ya agotados del clasicismo, al
    producirse el desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba
    restaurar el gusto y las normas del
    clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a
    un segundo plano y adquiere mucha importancia el dibujo; es
    decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como
    complemento. Este arte trató de imitar los estilos
    utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por la influencia de
    los descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y
    Herculano. En pintura David fue el máximo exponente del
    neoclasicismo
    francés, que contó con pintores como Gross,
    Gèrard, Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de
    ellos ya apuntaba el germen del Romanticismo,
    movimiento estético que habría de suceder al
    neoclasicismo.

    CARACTERÍSTICAS GENERALES

    Inspiración en las obras de la época
    clásica, que se tienen por perfectas y
    definitivas.

    Aspiración a una belleza ideal, nacida de la
    exacta relación de las partes, según medidas dadas
    por la razón.

    En las artes plásticas: dibujo impecable,
    contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la
    ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y
    composición simétrica y estática.

    ARQUITECTURA: Se caracterizó por la
    simetría, la elegancia y la sobriedad, el empleo de un
    solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de
    la superposición barroca); además del
    énfasis sobre los valores
    lumínicos, la división tripartita de la fachada con
    tímpano central, la eliminación del color, el gusto
    por los arcos de triunfo y las columnas
    conmemorativas.

    ESCULTURA: Los escultores centran su
    interés en los ideales estéticos y los procedimientos
    técnicos de la estatuaria antigua. El italiano Canova fue
    el más destacado, seguido del danes Thorvaldsen, educado
    en Roma; otros representantes de la época son: Bartolini,
    Rude, Pradler, Flaxman, entre otros.

    PINTURA: Tomó como modelo la estatuaria
    antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El artista que
    contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo
    fue David, quien influyó en artistas franceses de la talla
    de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia
    italiana e inglesa se fundieron.

    – ROMANTICISMO

    Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una
    reacción violenta contra la frialdad del neoclasicismo. Si
    este significaba la razón, serenidad y límite, el
    romanticismo era imaginación, pasión e
    infinito.

    CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

    SUBJETIVIDAD: el artista crea su obra a partir de
    sus emociones,
    sentimientos e ideas íntimas.

    LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas
    fijas, sino que cada artista puede manifestarse según su
    gusto y según las exigencias de la propia obra.

    SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA: lo
    importante es lo que el artista expresa y no cómo lo hace.
    La forma de decir es secundaria y debe estar determinada por la
    naturaleza del contenido.

    PINTURA: Se caracterizó por el predominio
    del color sobre la forma. Eran composiciones dinámicas, de
    gran movimiento y sus temas eran tomados de la literatura y la historia
    medievales y de la realidad pintoresca. Artistas importantes en
    el campo de la pintura fueron: Gericaúlt, Delacroix,
    Francisco de Goya y Caspar Friedrich.

    ESCULTURA: El movimiento tuvo sus orígenes
    en la primera mitad del siglo XIX y representó una
    reacción contra la rigidez académica y la
    afirmación de una libertad y eclecticismo absolutos. Se
    abandonaron los modelos de la antigüedad clásica a
    favor de los ideales medievales.

    – REALISMO

    El realismo surge como oposición al idealismo de
    clásicos y románticos, proponiendo una realidad
    objetiva de los temas de la vida común; el hombre debe
    aparecer dentro de su ambiente habitual, y su trabajo cotidiano
    tiene que ser un motivo de fecunda inspiración. El
    término realismo fue adoptado por un movimiento
    artístico que apareció en Francia a raíz de
    la revolución de 1848 y que tuvo como principal
    representante al pintor Gustave Courbet, cuyo arte
    representó las inquietudes sociales que invadieron a
    Europa a mediados del siglo XIX.

    CARACTERÍSTICAS GENERALES

    Temas sacados de la vida real, sobre todo de la vida
    humilde y trabajadora, expuestos con sentido de crítica
    social.

    Presentación de lo bello y lo feo como son, sin
    idealizarlos.

    Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto; colorido sobrio
    e interés por los contrastes del claroscuro.

    Técnica: la que proporciona la más
    completa identificación entre lo pintado y la
    naturaleza.

    Representantes: Courbet, Daumier y Rousseau.

    – IMPRESIONISMO

    La primera exposición
    presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en 1874 y el
    nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos,
    por los críticos que no veían con buenos ojos el
    nuevo estilo. Los impresionistas querían captar la
    cualidad de la luz y de la atmósfera en una hora
    particular del día a través de las cuales se ven
    los objetos, pues su condición determina la apariencia de
    estos. La posibilidad de retratar la luz en términos de la
    pintura fue resultado del nuevo análisis científico de los colores.
    El fundamento de este movimiento pictórico se centra sobre
    la base de que a nivel cerebral las manchas separadas de color se
    unen; así, una mancha junto a otra azul, da por resultado
    un color verde si se miran desde cierta distancia. Este principio
    lo tomaron en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus
    lienzos. La combinación de colores puros ya no se
    hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que
    será el cerebro del
    espectador el que los una para formar así las figuras. Se
    consideran iniciadores de este movimiento a los artistas Claude
    Monet y Edouard Manet; también se destacan Edgar Degas,
    Pierre August Renoir y Camille Pizarro. El manejo de la luz es la
    característica primaria, a través del estudio de
    ella se logrará verificar que un mismo paisaje se
    verá distinto de acuerdo con la hora del día en que
    se pinte. A la par de los grupos
    impresionistas, nace un nuevo grupo de pintores que logran
    perfeccionar las técnicas y posibilidades
    colorísticas impuestas por este movimiento, estos son
    llamados Neoimpresionistas o Postimpresionistas, destacan en este
    movimiento Paul Cézanne, Gauguin, Vincent Van Gogh y Henri
    Toulouse Lautree.

    – EXPRESIONISMO

    Fue un movimiento artístico plástico
    emparentado con la literatura; nace en 1890 en Alemania y en los
    países del norte de Europa, se extiende hasta bien entrado
    el siglo XX. Destacan en este movimiento los artistas
    plásticos Edward Munch, Gustav Kimt, Oskar Kokochka, Emil
    Nolde y Georges Rouault. La pintura expresionista busca y logra
    expresar violentas emociones, va de dentro hacia fuera, al
    contrario de la impresionista que va de fuera hacia dentro. Su
    objetivo
    fundamental era crear impetuosas reacciones en el espectador, por
    medio de sentimientos y emociones del artista, expresados con
    audacia de formas y rígido colorido.

    – FAUVISMO

    En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus
    obras y para designar su estilo, los críticos
    acuñaron el nombre de Fauvismo por parecerles que aquellos
    artistas eran fauves (fieras). Como movimiento artístico
    no duró más de cinco años, pero como estilo
    ejerció una influencia mayor y más persistente en
    el uso del dibujo y el color que cualquiera otra escuela del
    siglo XX. El fauvismo derivó de los fuertes colores y las
    vehementes pinceladas de Van Gogh; de las formas simplificadas y
    los atrevidos esquemas decorativos de Gauguin, y del desprecio
    que ambos demostraron por las cualidades académicas
    formales de la composición. Henri Matisse, primera figura
    del grupo original fauvista, en su pintura Gran interior en rojo,
    deja presente la intensidad fauvista del colorido, aunque usado
    con resultados bastantes diferentes, ya que naturalmente se
    considera al rojo como color brillante que produce gran
    excitación y en este cuadro el efecto de la
    composición da una sensación de profundo
    reposo.

    – CUBISMO

    Este movimiento artístico surge en Francia hacia
    1907, y se extiende por todo el mundo. Se inspira en los
    postulados artísticos de Paul Cézanne y de Georges
    Seurat; su planteamiento básico es representar obras de la
    realidad, pero fracturadas por medio de la geometrización
    de la forma, de tal manera que se representaban las mismas formas
    del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de
    simultaneidad de planos. Los artistas cubistas pintaban
    superficies planas, la perspectiva dada a la obra era aparente,
    lograda por medio del alargamiento de las líneas y
    ángulos. El color fue, virtualmente suprimido,
    subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo. Los
    cubistas crearon la superposición a través de la
    visión polifacética y simultánea del objeto.
    Como creadores del movimiento cubista podemos nombrar a
    importantes personajes como Pablo Picasso y
    Georges Braque. En Venezuela el
    cubismo tiene
    numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado,
    Armando Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta
    tendencia en nuestro país.

    – FUTURISMO

    Fue un movimiento italiano al que pertenecieron Humberto
    Boccioni y Carlo Carrá; su propósito era despertar
    a Italia de la apatía cultural en que estaba sumida desde
    fines del siglo XVIII, atacaba a los museos y academias, al culto
    de lo antiguo y a todo el arte italiano de otros tiempos. El
    futurismo, exigía un nuevo concepto artístico
    basado en la dinámica de la velocidad, que
    para los futuristas era fundamental y peculiar de la vida
    moderna. El símbolo más venerado por los futuristas
    era el automóvil de carreras; en esencia la pintura
    futurista era retrato del movimiento relacionado con el cubismo
    analítico por su fragmentación, pero así
    como el cubista ve un objeto estático desde varios
    ángulos moviéndose alrededor de él, en el
    futurismo el espectador está quieto mientras el objeto se
    mueve. Por tanto, en el dibujo, la representación
    futurista del movimiento simultáneo de un perro que trota
    por la calle, puede tener veinte patas y seis colas, con efecto
    parecido al de una larga exposición fotográfica de
    algún objeto que se mueve.

    – SURREALISMO

    Este movimiento vanguardista no se circunscribió
    a un solo lugar geográfico y su manifestaciones son tan
    variadas como sus interpretes. Giorgio de Chirico, paul Klee, Man
    Ray, Salvador Dalí, Joan Miró, Yves Tanguy, fueron
    sólo algunos de los artistas que tomaron parte activa en
    el grupo de los pintores surrealistas. El Surrealismo,
    libró a la pintura de su larga sumisión a la imagen
    realista y del concepto de espacio heredado del Renacimiento,
    dándole rienda suelta al artista para expresar sus
    sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por
    el psicoanálisis de Freud y las
    doctrinas revolucionarias de la época, el surrealismo supo
    dar cause a vagos impulsos renovadores latentes en la
    intelectualidad surgida de la primera posguerra. Su
    período más floreciente fue el de 1924 a 1928. Como
    ideal estético se propone lo maravilloso, reuniendo dos
    objetos incongruentes en un contexto ajeno a ambos; el
    propósito de los surrealistas no era "hacer arte", sino
    explorar posibilidades.

    – ABSTRACCIÓN

    Este arte consistía en extraer de una imagen
    figurativa los elementos esenciales, deformándolos o
    modificándolos; en él se tiende a impresionar lo
    psíquico por encima de lo puramente visual, se busca una
    nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre
    dos polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el
    alejamiento de ella al interpretarla. El arte Abstracto es un
    movimiento que nace con la creación de la nueva pintura
    del ruso Wassily Kandinsky en 1910, en la cual no existía
    ninguna representación figurativa, sino formas y colores;
    sin embargo, revisando obras prehistóricas, de Egipto, del
    período prehispánico, etc., se puede ubicar en
    ellas el origen de este arte. Esta tendencia artística se
    basó, no en la representación real del objeto, sino
    en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la
    importancia del color en las obras abstractas. El Abstraccionismo
    tiene dos corrientes: la Abstracción Lírica, que se
    refiere a las composiciones donde el artista parte de su
    intuición para expresar, por medio de color, sentimientos,
    ideas, etc., y la Abstracción Geométrica, que se
    refiere a las composiciones en donde el artista trabaja con
    figuras geométricas como el círculo y el cuadrado,
    y con líneas que partiendo de colores planos las hacen ser
    obras totalmente estáticas.

    6.
    BIBLIOGRAFÍA

    • READ, Herbert. Las Bellas Artes. Vol. 1. Editorial
      Cumbre S.A. México. 1981. 316 pp.
    • WENTINCK, Charles. La Figura Humana en el arte, desde
      los tiempos prehistóricos hasta nuestros días.
      Ediciones Abbott Universal. Holanda. 160 pp.
    • PELLICER, A. Cirici. Teoría, Técnicas e Historia del
      Arte. Enciclopedia Labor. Vol. 8. Editorial Labor S.A.
      España. 1961. 552 pp.
    • QUILLET, Arístides. Nueva Enciclopedia
      Autodidáctica. Tomo III. Editorial Quillet S.A.
      México. 1968. 526 pp.
    • COMBI Visual 2. Grolier International. España.
      1972.

     

     

     

    Lluvia Velandia

    TSU Diseño
    Gráfico Publicitario Computarizado

    Nota al lector: es posible que esta página no contenga todos los componentes del trabajo original (pies de página, avanzadas formulas matemáticas, esquemas o tablas complejas, etc.). Recuerde que para ver el trabajo en su versión original completa, puede descargarlo desde el menú superior.

    Todos los documentos disponibles en este sitio expresan los puntos de vista de sus respectivos autores y no de Monografias.com. El objetivo de Monografias.com es poner el conocimiento a disposición de toda su comunidad. Queda bajo la responsabilidad de cada lector el eventual uso que se le de a esta información. Asimismo, es obligatoria la cita del autor del contenido y de Monografias.com como fuentes de información.

    Categorias
    Newsletter
    Comments
    All comments.
    Comments