Chaim Soutine

3. Antecedentes
4. Marco
   histórico
5. Movimiento
   Artístico
6. Análisis de las
   obras
7. Comentario
8. Conclusiones
9. Bibliografía

INTRODUCCIÓN

Este trabajo de
investigación realizada a Chaim Soutine,
pintor expresionista, que en 1911 se trasladó a
París, donde conoció a Modigliani y se
interesó por Rembrandt y Courbet.

Chaim Sotuine empezó pintando naturalezas
muertas, pero tras sus estancias en Céret y Cagnes
descubrió el paisaje, que plasmó con gran
intensidad lírica, formas violentas y colores
vívidos.

A través de biografía, podemos
darnos cuenta que Chaim estaba obsesionado con los temas que
solía pintar, sobretodo con la comida, y la
relación que existía entre ésta y la muerte.
Luego, a partir de 1922 pintó naturalezas muertas con
animales
sangrantes, en clara referencia a Rembrandt, y las series de los
criados, de los clérigos, etc., representados con un crudo
realismo
psicológico y enérgica pincelada.

Sus obras constituyen una experiencia individual dentro
del expresionismo
europeo y presenta ciertas afinidades con las manifestaciones
más contundentes del Brücke alemán, Soutine no
se adhirió a ninguna corriente. Sus pinturas influyeron en
ciertos expresionistas austriacos y en la escuela
simbólico-expresionista alemana.

En cierto momento, tiende a pintar hacia lo abstracto,
pero dentro del estilo expresionista. Su pintura
reflejaba mucha emoción, intensidad y vigorosidad. Es asi
que se le consideró como el precursor del Expresionismo
Abstracto Americano.

Actualmente, son pocas las pinturas que se conservan de
él, puesto que si no le gustaban sus cuadros los
destruía, o si alguien hacia un comentario que no le
gustaba, es así que él mismo destruyó gran
parte de sus obras.

ANTECENDENTES

En líneas generales el término
expresionismo alude a aquellas manifestaciones que
propugnan la intensidad de la expresión sincera aún
a costa del equilibrio
formal. Precisamente por su  carácter intemporal, dicho vocablo ha
resultado válido tanto para calificar determinados
períodos de la historia del
arte, como para adjetivar un movimiento o
tendencia, a un artista o a una fase creativa del mismo, o
incluso obras concretas. En este sentido figuras como El Greco,
la escultura románica o algunas creaciones de Goya, por
citar algunos de los múltiples ejemplos que
podríamos haber elegido, pueden ser calificadas de
expresionistas, por la decidida actitud
mostrada por deformar dramáticamente la
realidad.

Fue a principios del
siglo XX cuando el término expresionismo comenzó a
utilizarse con un sentido y unas connotaciones muy determinadas.
Los primeros usos se refirieron principalmente al arte
francés. En 1901 el pintor Julien-Auguste Hervé
definió como expresionistas unos estudios de naturalezas
que fueron presentados en el Salón des
Indeépendants de París. El crítico Louis
Vaucelles empleó el mismo calificativo para describir las
obras de Matisse. En 1911 el término expresionista
resultó de nuevo válido para clasificar las obras
que los fauvistas y cubistas franceses, Braque, Dèrain,
Van Dongen, Dufy, Vlamick y Picasso entre
otros, presentaron en la XXII exposición
de Berlín. 

A partir de este momento el adjetivo expresionista se
comenzó a utilizar con un sentido más amplio,
manifestándose efectivo para definir el arte de vanguardia
que, como el Fauvismo, Cubismo y
Futurismo, presente en la exposición del Sonderbund de
Colonia de 1913, rompió definitivamente con los postulados
del agónico Impresionismo.

Desde 1914 el término resultó
definitivamente concretizado, al dejar de ser empleado en sentido
general como el adjetivo apropiado para calificar las
manifestaciones artísticas más rupturistas del
momento como el Cubismo, Fauvismo y Futurismo, para pasar a
definir exclusivamente el arte experimental y contestatario
surgido en Alemania a
principios del siglo XX, que se convertiría con el
tiempo en uno
de los movimientos de vanguardia que mayor repercusión
ejercería en el arte de la citada centuria.

Existe consenso al afirmar que el Expresionismo
Alemán fue más una actitud ante la creación
artística que un estilo propiamente dicho, un movimiento
comprometido desde su origen que afectó a todas las
esferas de la creación, arte, literatura, música, siendo en el
campo de la narrativa donde alcanzó su mayor grado de
compromiso. 

Es así que, el expresionismo surge en Alemania,
en la primera década del siglo XX, como oposición
al positivismo
materialista imperante en la época, en un intento de
ofrecer una nueva visión de la sociedad
basada en la filosofía nietzscheana  y la
renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva
de lo esencial atendiendo exclusivamente al sentimiento vital sin
someterse a ninguna regla.
El expresionismo es un movimiento que no sólo atañe
a las artes plásticas, sino también a la
música, el cine y las
demás artes.

En la evolución de la pintura expresionista
alemana existen tres momentos distintos. El primero se desarrolla
en Dresde a raíz de la constitución en 1905 del grupo
Die
Brucke (El Puente) y dura hasta 1913; el segundo
se desarrolla en Munich de 1910 a 1914 y está
protagonizado por el grupo Der Blaue
Reiter (El jinete azul) del que surgirá
la primera pintura abstracta ; el tercero se desarrolla en el
periodo de entre guerras (desde
comienzos de los años veinte hasta 1933, año en el
que subió al poder el
nazismo) y
está unido al concepto de "Neue
Sachlichkeit" (nueva
objetividad) con un planteamiento muy distinto
del expresionismo inicial desarrollado por ambos grupos.

El expresionismo alemán se extendió a
países como Holanda, Bélgica y Francia. Y el
régimen nazi alemán definió al expresionismo
como "arte degenerado", cuyos artistas de esta tendencia fueron
proscritos y muchas de sus obras destruidas, por lo que en
algunos casos, no quedan muchas obras que mostrar.

MARCO HISTORICO

El siglo XX llegó acompañado de un gran
número de inventos en el
ámbito técnico e industrial así como de
nuevos conocimientos decisivos en las ciencias
humanísticas y naturales. La teoría
de la relatividad de Einstein, el psicoanálisis de Freud, el
descubrimiento de los rayos x o bien la
primera fisión nuclear, obligaron al hombre a
pensar de una forma diferente, más abstracta. Los nuevos
conocimientos pusieron de manifiesto que detrás de la
realidad se esconde mucho más de lo que puede percibirse
mediante el sentido de la vista (una clara ruptura con los
preceptos impresionistas)

Esta situación se acentuó a causa de los
cambios que se produjeron en la propia percepción
de los sentidos,
puesto que la invención del automóvil, del
telégrafo, del avión y de muchas otras cosas,
dieron a la rapidez y al tiempo una nueva dimensión que
requería de percepciones mucho más
aceleradas.

Sin embargo, todos estos cambios no fueron aceptados con
tanta euforia por la joven generación de artistas como en
su día lo hicieron los impresionistas. La cara oculta de
la modernización (alienación, aislamiento y
masificación) quedó al alcance de la vista, sobre
todo en las metrópolis. Los artistas, en su función de
apasionados reformadores del mundo que deseaban derrocar el orden
establecido, buscaban "un arte nuevo para un mundo nuevo".
Cuadros cargados de emoción debían captar los
sentimientos más íntimos del ser
humano…

Influencias del expresionismo

Los movimientos expresionistas fueron desarrollados
principalmente en Alemania, un país socialmente desazonado
en ese entonces. De innumerables ramificaciones y matices,
tomaron influencias de la pintura de los post-impresionistas
Vincent Van Gogh y Paul Gauguin, cargada de sentimientos y
concepciones en su utilización expresiva del color y la
gestualidad del trazo.

Otro grupo de gran influencia para los expresionistas es
el simbolismo, que se extiende entre 1880 y 1900. No se
desarrolla mediante un estilo unitario, pero puede definirse como
un búsqueda en la cual el artista, limitando una pintura
objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los
miedos subjetivos, las fantasías y los
sueños.

Las obras de James Ensor y Edvard Munch muestran, con un
idioma simbólico expresivo pasado por encima de la
materialidad, relaciones místicas, religiosas o
psicológicas. Ensor, mediante la utilización de
colores incandescentes, pinta desfiles fantasmales de
enmascarados y de personajes caricaturescos; recreando la
oposición hostil del individuo y la
masa. La máscara, el leitmotiv de toda la obra de Ensor se
convierte en la expresión de lo amenazador y
desconocido.

El expresionismo en la obra del noruego Munch, se
evidencia en sus representaciones del miedo, la
desesperación, la sexualidad
atormentada, los celos y la morbosidad. Todos estos son temas que
Munch representó para "liberarse a sí mismo de los
demonios". Aunque el grito sea la expresión
pictórica de un sentimiento de miedo personal mientras
paseaba con un amigo, Munch logra expresar en este cuadro el
desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más
compleja y confusa.

Los expresionistas también encontraron la
fuerza
expresiva que buscaban en el arte de otras culturas. Las
esculturas y máscaras de África y Oceanía,
de clara descendencia primitivista, representaron para los
artistas europeos una valiosa fuente de
inspiración.

Cronología

A continuación se presenta una cronología
del arte alemán situado en el contexto historico a
través de los años que dura el
expresionismo.

MOVIMIENTO ARTÍSTICO

Expresionismo

El expresionismo es un movimiento
artístico surgido en Alemania
a principios del siglo
XX, en concordancia con el fauvismo
francés. Recibió su nombre en 1911 con
ocasión de la exposición de la Secesión
berlinesa, en la que se expusieron los cuadros fauvistas
de Matisse y sus compañeros franceses,además
de algunas de las obras precubistas de
Pablo Picasso. En 1914
fueron también etiquetados como expresionistas el
grupo de los pintores
alemanes.

Como su propio nombre indica, es un arte que pretende
ser expresivo de su autor y de su época, al tiempo que
quiere conmover al espectador lanzando mensajes de tipo
emocional. Surgido en un período de crisis,
reflejó los problemas de
sus tiempo y las angustias del hombre mediante la fuerza
expresiva de los colores, la textura y la línea. En
realidad el Expresionismo es más un modo
de expresión que se encuentra en todas las épocas
de la pintura.

En España
se consideran pintores expresionistas
Isidro Nonell,
José Gutiérrez
Solana,
Rafael Zabaleta, y algunas épocas
de
Picasso. En Francia,
además de los fauvistas, se consideran expresionistas
algunos pintores de la [[Escuela de París]], como Soutin,
Chagall, Pascin y Modigliani. En Austria
es representante de esta corriente
Kokoshka, y en América
Feininger. En Italia,
a Viani y Sironi. Como
escultores destacan Barlach y
Lehmbruck.

El expresionismo es una manera de inclinar la balanza de
un cuadro desde la forma hacia la expresión del contenido.
Potenciar el impacto emocional del espectador a través del
colorido, las formas retorcidas, la composición agresiva,
etc., son algunos de los objetivos de
los artistas que practican esta forma de pintar, objetivos
perfectamente conseguidos por Emil Nolde en su Figura
y Máscara. Pinturas expresionistas las
podemos hallar desde los inicios del arte, siempre que respondan
a esta intención de moldear la realidad para volcarse
sobre la emoción interior. Así, los rostros de la
pintura románica son plenamente expresionistas o las
esculturas medievales de monstruos del infierno. Algunos de los
grandes maestros de la pintura se consideran expresionistas en
este sentido. Tal sería el caso del Greco,
cuyas figuras son cualquier cosa menos realistas.
También Edvar
Munch fue un gran cultivador del expresionismo
en sus cuadros, así como Van
Gogh, algunos cuadros de Gauguin,
etc. Según entraba el siglo XX el expresionismo se
definió más como corriente característica
dentro de los "ismos" de la vanguardia, o mejor, en
oposición a ellos, en especial a la mesura racionalista
del cubismo.
Estos movimientos estuvieron muy ligados a otras formas
artísticas, como el teatro, la
música y la literatura: Schoenberg puso música a
muchas exposiciones del primer grupo expresionista,
Die
Brücke; Kafka, Bertold Brecht y Strindberg
ocuparon las filas de los dramaturgos. Tras el experimento del
primer grupo, otra formación denominada Der
Blaue Reiter toma el relevo. Sus realizaciones
serán trascendentales en la historia del cine, con el
cual interactuaron continuamente: F. W. Murnau, Robert Wiene,
Fritz Lang y Max Mack. El expresionismo estuvo muy ligado a
Alemania en la primera mitad del siglo XX, ligazón que se
vio rematada con la alianza estilística con los
arquitectos del denominado Novembergruppe.
Sin embargo, a partir de 1950, los norteamericanos se apropiaron
del nombre en lo que se ha conocido como el Expresionismo
Abstracto de los 50 y los 60.

Características:

• La pintura es concebida como una manifestación
  directa, espontánea y libre de convenciones de la
  subjetividad del artista basada en una necesidad interior (de
  carácter instintivo y exaltada en el grupo de Dresde y
  de carácter espiritual y sosegada en el grupo de
  Munich).
• Liberación del contenido naturalista de la
  forma mediante la libre interpretación de la realidad (las
  imágenes
  son creadas, no copiadas), para así expresar el mundo
  interior, subjetivo, del artista.
• Utilización de diversos recursos en la
  interpretación subjetiva de la realidad:
  desproporción y distorsión de las formas
  según un impulso interior; esquematización o
  reducción de las formas a lo esencial atendiendo a un
  sentimiento vital de depuración de lo objetivo
  (por este camino Kandinsky llegará a la
  abstracción total).
• Utilización del color y el trazo para subrayar
  (expresar) simbólicamente unos estados de
  ánimo.
• Destrucción del espacio
  tridimensional.
• Acentuación de la fuerza expresiva de las
  imágenes mediante el empleo de
  formas simples de carácter plano o con poco efecto de
  volumen.
• Aglomeración de formas y figuras.
• En general, predominio de trazos violentos,
  empastados y agresivos en "Die Brücke" y de líneas
  curvas y trazos más sosegados en "Der Blaue
  Reiter".
• Colores intensos y contrastados (aplicados
  abruptamente en "Die Brücke" y de forma más
  meditada en "Der Blaue Reiter").
• Ausencia de carácter decorativo.
• Temática con especial atención a escenas de desnudos en el
  campo o bañándose, escenas urbanas agobiantes y
  representaciones armónicas de la naturaleza.
   

Die Brücke

Die Brücke significa en alemán El Puente.
¿Por qué este nombre, qué dos orillas
pretenden unir? Los pintores que integraron tal grupo
pretendían reunir determinadas formas de expresión
primitivas con el arte de su tiempo. La situación estaba
radicalizada: por un lado pintores de pésima catadura que
se dedicaban a un arte blandengue y carente del más
mínimo interés
(floreritos, paisajitos, señoras estupendas para colgar
del cuarto de estar); y por otro la vanguardia radical, la
sucesión vertiginosa de los "ismos", alimentados de
sí mismos de tal manera que habían logrado alejarse
por completo de la
comunicación con el público, incapaz de
asimilar las rupturas que planteaban. Especialmente era el
cubismo,
tan racional, tan mesurado en su aséptica geometría, el mayor rival de estos
pintores. Su intención era recuperar el sentimiento,
revalorizar la visión subjetiva del artista,
intérprete y no copista de la realidad objetiva. Para
lograr esta meta, los integrantes de Die Brücke trataron de
recuperar métodos
"auténticos", directos, sinceros en su comunicación con el espectador: el arte de
los primitivos
alemanes, el Art Brut, es decir, el arte de
dementes, niños,
salvajes… el arte del Pacífico, Oceanía y
África. Esta recuperación se refirió tanto a
temas, como a técnicas:
reaprovechan la xilografía por lo rudo de su
realización, como se aprecia en el durísimo
Autorretrato
de Kirchner. Su estética preferida estuvo muy ligada con el
cartelismo: los affiches son grandes paneles pictóricos
que todo el mundo puede contemplar. Todo el mundo es potencial
espectador de un cartel, y hay que adaptar el arte a ese
público imprevisible. Pero además adoptaron una
organización grupal similar a la que se
practicaba en la Edad Media:
formaban una especie de gremio, una tradición que nunca se
había llegado a perder en Alemania (por ejemplo, los
Nazarenos alemanes en Roma).
Compartían un estudio común, el de Kirchner, y
recababan el apoyo de los burgueses familiares y amigos, de cuyo
círculo provenían. El grupo lo aglutinó
Kirchner como cabeza pensante, a cuyo alrededor se agruparon
otros como Emil Nolde, Schmidt-Rottluff, Pechstein, Heckel y
Mueller. Sus fuentes de
inspiración más cercanas en el tiempo fueron otros
pintores cuya obra se consideraba fuertemente volcada hacia la
emotividad y la expresión personal: Cèzanne,
Van
Gogh, Gauguin
y Edvar
Munch. El grupo se reunió en Dresde,
ciudad donde se afincaban todos ellos, y lo hicieron desde 1905
hasta 1913. Su forma de expresión era plana, lineal y muy
rítmica, en busca de una simplificación absoluta de
la forma y el color. Existe cierto paralelismo entre sus
intenciones y las del grupo de los fauves en París, pero
incluso los alemanes resultaron mucho más salvajes que los
franceses. Ideológicamente estaban muy ligados a la
creencia en la necesidad de un Mundo Nuevo, en consonancia con la
adaptación a los tiempos modernos de las vanguardias. Por
sus planteamientos, usaron textos de Nietzsche y
por ello se sentían más próximos a la
violencia de
los futuristas.
Al contrario que los italianos, acogidos en el seno del fascismo de
Mussolinni, los expresionistas tanto del grupo Die Brücke,
como sus continuadores Der
Blaue Reiter, fueron perseguidos por el
nacionalsocialismo de Hitler, acusados
de practicar un arte degenerado.

Der Blaue Reiter

El grupo Der Blaue Reiter se reunió en Munich,
otro gran centro artístico e intelectual de la Alemania
anterior a la I Guerra Mundial. Tal vez la tensión que se
sentía en Europa ante las guerras coloniales y las
rivalidades entre viejas potencias, así como la
convulsión que planteaba el ritmo de vida del hombre
moderno y urbano, se habían conjurado para dar lugar a un
revulsivo tan brutal como fueron las experiencias expresionistas.
La agrupación tuvo lugar en Munich, a partir de 1912, en
paralelo a la experiencia de Die Brücke, y terminó
violentamente con la declaración de la I Guerra Mundial en
1914, de forma muy similar a lo que ocurrió con el
movimiento futurista.
Sus integrantes eran pintores de excelente calidad, como
Kandinsky, Macke, Paul Klee, Marc, y las contribuciones
esporádicas de artistas que comulgaron eventualmente con
sus planteamientos: Delauny, Braque, Malévicht, Picasso,
Vlaminck, e incluso el genial músico Arnold Schoenberg. El
nombre del grupo lo acuñan en 1912, con la
publicación del Blaue Reiter Almanac. También un
cuadro de Kandinsky tiene este nombre, que significa el Jinete
Azul (parecido al Proyecto
con un Jinete), color favorito del pintor, del
mismo modo que Marc adora la hípica y los caballos.
Además de la publicación del almanaque,
prácticamente copado por los experimentos de
Kandinsky y Marc, celebraron dos exposiciones en Munich, en las
cuales participaron los colaboradores anteriormente mencionados.
Su programa
estaba basado en el primitivismo, intelectual como concepto pero
intuitivo en la aplicación y la expresión formal.
Se inspiraban en el Art Brut, especialmente el de origen
infantil, así como el de locos, igual que hizo Gericault
durante el Romanticismo
Francés. Sus formas tendían hacia
la abstracción, que desarrollaron magistralmente
Kandinsky, Malévicht o Paul Klee. También el
simbolismo de los colores y las formas se conjugan con todo un
lenguaje
psicológico de la línea y el color, como describe
Kandinsky en su obra Punto y Línea sobre el Plano, un
estupendo tratado de aproximación al lenguaje
abstracto.

Tras la disolución del grupo, en 1919,

Walter Gropius funda la Bauhaus
en Weimar,
escuela de diseño
y arquitectura,
cuyos profesores fueron los más famosos maestros del
expresionismo constructivo, en ella impartieron clases hombres
como Feininger, Klee o Kandinsky.

Finalizada la primera guerra mundial en Alemania,se
desarrolla el Realismo Expresionista, movimiento en el que los
artistas se separan de la abstración, reflexionando sobre
el arte figurativo y rechazando toda actividad que no atienda a
los problemas de la acuciante realidad de la posguerra. Encarnan
este grupo Otto Dix, Grosz, Beckmann y el escultor
Barlach.

Chaim Soutine

(1894-1943 )

Pintor expresionista, nacido en Lituania (entonces
Rusia). De
familia
judía, siendo el décimo de once hermanos de una
familia económicamente bastante pobre. Le gustaba pintar
desde joven (desde los 13 años), pero su familia 
quería que fuera sastre. Como continuamente  le
ridiculizaban para que no pintara, se iba al bosque a pintar y
sólo volvía cuando estaba hambriento.

A los 15 años (en 1909) estudia un curso de
pintura. A los 16 años (en 1910) estudió arte de 3
años de duración en la Escuela de Bellas Artes
de Vilna. Posteriormente, en 1913 (a los 19 años) y
habiendo ahorrado algún dinero, deja
Vilna y saca un billete de tren a Francia y se fue a vivir en "La
Ruche" = edificio construido para Exposiciones y que luego se
convirtió en un estudio de artistas. Allí estaban
Chagall, Léger, Kisling y Modigliani entre otros. Era un
lugar donde vivían y trabajaban. Estuvo viviendo 6
años y se hizo muy amigo de Modigliani. En París
pasó mucha pobreza sobre
todo durante los primeros años, ello le afectó
mucho tanto a su salud física como
psicológicamente. Tuvo trabajos esporádicos como de
portero en una estación de ferrocarril y otros. En "La
Ruche" pintó muchos retratos de artistas y refugiados
políticos.

Encontró un prototipo para la distorsión
de la forma en El Greco, a quien consideró un gran maestro
y a quien estudió mucho. En muchos de sus retratos se
observa esta distorsión, pero a diferencia de El Greco,
Soutine incorpora elementos grotescos, casi cómicos, del
mundo del terror con humor. Estuvo recibiendo clases de Cormon,
quien unas décadas antes había enseñado a
Van Gogh y a Tolouse-Lautrec.

Otros pintores que influyeron en Soutine fueron
Rembrandt, Van Gogh, Cezanne
(rompiendo la forma en planos y aplanando la figura), Bonnard
(que le enseñó a dar consistencia al cuadro, a dar
pinceladas fuertes, con mucho peso y
propósito).

Se va a Ceret (en los Pirineos franceses) donde
permaneció 3 años aproximadamente y donde
pintó muchos paisajes y algunos retratos. De Kooning dijo
de sus retratos  "Soutine distorsiona las pinturas pero no a
las personas". Sus paisajes se fueron haciendo cada vez
más violentos y convulsivos. Durante su estancia en Ceret
tiende a pintar hacia lo abstracto, siempre metido en un estilo
expresionista. Pintaba con mucha emoción, era muy intenso
y vigoroso. Se le ha considerado el precursor del Expresionismo
Abstracto Americano. Su pintura destaca por su enorme vitalidad.
La pincelada de Soutine no suele ser con una línea sino un
brochazo ancho puesto de una forma muy sentida, con colores
tumultuosos, gestuales.  Es el "estilo de Ceret". Tanto en
el estilo de Ceret como en el de Cannes, la pincelada es violenta
y las formas están agitadas. Posteriormente pinta de forma
más controlada aunque siguen perteneciendo al
expresionismo eslavo-judío.

En 1923-25 se encuentra entre París y Cannes. "El
estilo de Cannes"  como se llamaba, se utiliza para
distinguirlo del estilo que tomó en París. En
Cannes, utilizó una paleta más brillante y
más luminosa debido al clima veraniego.
Es característico del estilo de Cannes los paisajes de la
ciudad vistos desde arriba.

A los 28-29 años (1922-23) es descubierto por un
coleccionista americano que le compra muchos cuadros y Soutine
empieza a tener una buena reputación y vive bien
económicamente. A partir de 1923 se comenzaron a vender
sus cuadros y a partir de aquí dejó de preocuparse
por el tema económico.

Su vida sentimental es bastante discreta y oculta. A los
31 años (1925) va a Amsterdam y quedó fascinado por
Rembrandt. Durante estos años conoce a Debora Melnik con
quién según parece se casaron (boda religiosa) y
tuvieron una hija. Soutine niega la paternidad y deja a la madre
con la niña. Durante los años siguientes (1930-35)
estuvo influido por Rembrandt, Corot y Courbet (se inspira en
Courbet para sus estudios de animales).

A los 36 años, (en 1930) la característica
de sus cuadros era la tristeza y comienza la atracción por
los cuadros de Courbet.  Sus modelos
están en el suelo y sus
paisajes son más tranquilos. Existe una mayor distancia
entre el pintor y el tema a pintar. ("hand is the dancer,
following the rhythm of the disturbances of the
soul").

Entre 1931-35 su producción disminuye mucho. Le
costaba mucho inspirarse, estaba continuamente buscando el
paisaje adecuado o el modelo
adecuado. Cada vez tenía más ataques de
úlcera, estos eran fuertes y dolorosos y frecuentemente
tenía indigestiones. 

A los 46 años, (1940) le introducen a
Marie-Berthe Aurenche, exmujer de Max Ernst y pronto su
compañera.

Por la ocupación alemana, Soutine tiene que dejar
París (pues era judío).  En 1943 sufre un
grave ataque de úlcera. Para no ser detectados por los
alemanes, toma un circuito alternativo a París llegando
más de 24 horas más tarde de lo previsto. Se le
diagnostica úlcera perforada con hemorragia interna. Es
operado muriendo durante la operación en 1943 en
París. (Al velatorio acuden Pablo Picaso y Max Jacob entre
otros).

ANÁLISIS DE OBRAS

Temas tratados en sus
obras:

Naturaleza Muerta:

Tenía una obsesión por la comida por 2
motivos: hambre que pasaba y la úlcera que
tenía.

Soutine pinta la comida como algo que le causa un enorme
placer pero también como algo que le produce dolor. Cuando
se fue a París también pasó hambre y
además tuvo úlceras de estómago que le
afectaron  mucho a lo largo de su vida causándole al
final la muerte. Aun
cuando económicamente estaba mejor, no podía comer,
le encantaba comer, pero cada vez que lo hacía  se
ponía muy enfermo. La comida que pintaba era carne y
pescado, alimentos
prohibidos para él. Casi todas sus obras de naturaleza
muerta están relacionadas con este tema. De joven
sufrió mucha pobreza y hambre y probablemente
afectó de forma inconsciente a su empeño en la
comida

Por otra parte la comida jugaba un papel importante en
la familia y
en la religión. También en el
judaísmo existe una relación entre la comida y la
muerte (el animal debe ser matado rápidamente, de forma
que le cause el mínimo dolor, es pecado hacer sufrir al
animal). Es un tema dominante en Soutine hasta mediados 1925
aproximadamente. Luego le interesaron más los
paisajes.

Entre 1925-29 estuvo en París y pintó
principalmente naturalezas muertas: animales muertos, conejos,
pescado y también. La naturaleza muerta era principalmente
comida. En estos cuadros hay que destacar la textura, el pigmento
y el color más variado que utiliza un poco reflejo de la
mortalidad humana.  Esta percepción de la carne y de
la piel estuvo
influida por la admiración que tenía de otros
artistas como Rembrandt y Chardin. ("Rembrandts Beef") "Buey
desollado". Soutine pinta algo parecido pero centrando su cuadro
sólo en la carne y eliminando el entorno. Pinta la carne
muy de cerca del observador.

Paisajes

Se identifica mucho con el motivo que va a pintar, por
eso a la hora de pintar paisajes le gustaba salir al exterior a
pintar fuera de su estudio, le gustaba introducirse más en
la luz, el espacio y
la atmósfera, de ser otro elemento más
del paisaje, una parte de lo que pinta. Así se
caracterizan los paisajes que pintó entre 1919-1922 en
Céret (en los Pirinéos Franceses). Sus paisajes se
conocían como el "Estilo de Céret": son paisajes
inestables, vibrantes, con movimiento, como terremotos.

El espacio está muy comprimido, las formas se
aplanan, se fusiona una forma con otra así como el espacio
delante y del fondo. Los elementos están unidos entre
sí. Todo ello produce como una única forma en el
lienzo compuesta de varias formas unidas. En Ceret son paisajes
bidimensionales.

Luego durante el periodo de Cannes, el "Estilo de
Cannes", Soutine resalta la identidad de
los objetos (en Céret las formas se fusionaban unas con
otras) ahora separa un objeto de otro. Resalta el objeto como una
identidad (como una autonomía). En Cannes los paisajes son
más abiertos y luminosos.

La composición en sus naturalezas muertas,
retratos y paisajes más tardíos se refiere a un
sólo objeto central que envuelve al paisaje de
Céret. También comienza a estabilizar las formas,
ya no tienen tanto movimiento.

Retratos

A lo largo de su vida pintó muchos retratos.
Retrató a pasteleros, destaca "El Pastelero", cocineros y
camareros (sigue su obsesión por la comida).

Los retratos son normalmente de frente. Sí
pintaba la figura, normalmente era de cerca y para que saliera la
cabeza normalmente de frente. En muchos retratos, las figuras
están mirando de frente y atraen la atención del
espectador aunque aparentemente son indiferentes al
artista. 

Los retratos son pintados con cierto aire nativo
debido a la influencia que tuvo de Modigliani. Sus retratos se
parecían mucho a la persona
retratada. En sus autorretratos nunca se pintaba las manos. Esto
es un hecho importante dado que daba gran importancia a las manos
en los retratos de otras personas. Las manos de Soutine eran
delgadas y delicadas e impresionaban a aquellos que le
conocían. Modigliani hizo muchos retratos a Soutine y
sí que le retrató con las manos.

Entre 1923-28, le empezaron a atraer las personas con
uniforme ya que el efecto que quería dar con el uniforme
era el esconder la individualidad de la persona, es decir a
despersonalizar, al anonimato, ej. botones, camareros o
niños del coro. Retrata sobre todo a seres de inferioridad
física y social.

Nunca pintaba desnudos, solamente lo hizo una vez con
una modelo profesional. En esta ocasión la modelo aparece
con una pose tímida que realmente refleja lo mal que lo
pasaba al pintarla.

Si no les gustaban sus cuadros los destruía. A
veces ponía varios cuadros suyos en el suelo (como si
fuera una exhibición), los estudiaba durante horas  y
con un cuchillo rompía los que no le gustaban.
También lo destruía si alguien hacía
algún comentario de que no era muy bueno un cuadro suyo o
si le decían que le recordaban a otro pintor. Así
destruyó gran número de sus cuadros. Algunos
cuadros suyos que estaban en manos de marchantes o de otras
personas, se los cambiaba por otro cuadro suyo posterior para
destruir el cuadro viejo. En otras ocasiones recortaba la parte
del lienzo  que le gustaba.

COMENTARIO

Chaim Soutine es un personaje peculiar de la pintura
expresionista, teniendo en cuenta que su niñez se vio
afectada por la pobreza
extrema, tanto así que en muchos de sus cuadros pintaba
comida, pues era lo que deseaba. Esta etapa de su niñez y
adolescencia
debió perjudicarlo psicológicamente, ya que como
él, son poco los artistas que terminaron destruyendo sus
propias obras.

Su primera formación artística la recibe
en un taller de Minsk, ingresando en 1910 en la École des
Beaux – Arts de Vilna.

Debido a que su desarrollo se
da en los años en los que hace estallar un expresionismo
muy radical y de una turbulencia emocional extrema, es
justificable la manera en la que pinta, teniendo en cuenta que
los años veinte se caracterizan por obras de figuras
grotescas y distorsionadas que rozan el desprecio, y que intentan
mostrar rasgos psicológicos.

Fue gracias al coleccionista norteamericano A. Barnes,
que sus obras salen del anonimato dejando el mundo de pobreza y
gozando de una buena reputación.

Las pocas obras que quedan de él, se reducen a
temas de naturaleza muerta, paisajes y retratos, sobretodos
éstos, de personas que pertenecen a bajo niveles sociales,
como "La cocinera", "Botones", etc. En las cuales sus uniformes
le permitían esconder la individualidad del
retratado.

CONCLUSIONES

• El expresionismo es un
  movimiento
  artístico surgido en Alemania
  a principios del siglo
  XX, en concordancia con el fauvismo
  francés.
• Se da entre los años 1905 y 1914, se
  caracteriza porque la pintura es concebida como una
  manifestación directa, espontánea y libre de
  convenciones de la subjetividad del artista basada en una
  necesidad interior
• Existieron dos escuelas importantes de este estilo y
  se caracterizaron por la forma de usar los colores intensos y
  contrastados (aplicados abruptamente en "Die Brücke" y de
  forma más meditada en "Der Blaue Reiter")
• Chaim Soutine es un pintor ruso, que vivió en
  la pobreza extrema cuando era niño, que afcetó su
  salud y física y psicológica.
• Se caracteriza por incorporar elementos grotescos en
  sus pinturas, que pueden confundirse con lo cómico, "el
  mundo del terror con humor"
• Recibió influencia de otros pintores como
  Rembrant, Van Gohg, Cezanne, Bonnard, etc.
• Pinta con mucha emoción, intensidad y
  vigorosidad, tanto así que le considera como precursor
  del Expresionismo Abstracto Americano.
• Casi a los 30 años es descubierto por un
  coleccionista y su situación económica cambia
  rotundamente y se hace acreedor a una buena
  reputación
• Algunos de sus cuadros de caracterizan por la
  tristeza, y es que le costaba mucho inspirarse.
• Se vio afectado por la ocupación alemana y
  tuvo que huir de Paris (era judío).
• Muere en 1943, víctima de una úlcera
  perforada con hemorragia interna.

BIBLIOGRAFIA

Libros:

• H.W. Jonson – Historia general del Arte –
  Vol IV: El mundo moderno.
  Madrid :
  Alianza editorial, 1991. p.

Web:

• http://www.artehistoria.com
• http://www.imageandart.com
• http://es.wikipedia.org
• http://www.elricondelvago.com
• http://www.epdlp.com/
• www.geocity.com
• www.goethe.de

Autor:

Rossana Graciela Romero Thais

Universidad San Ignacio de Loyola – último
ciclo (2004-02)