Título: El Período Barroco
Categoría: Cultura
musical
Palabras Clave: música barroco
ópera Bach Vivaldi Scarlatti Haendel Telemann Monteverdi
suite toccata fuga allemande courante sarabande
Abstract: Este trabajo sintetiza las características generales,
artísticas y musicales de esta bella época,
delimitada cronológicamente por la publicación de
la primera ópera en 1600 y la muerte del
gran Johann Sebastian Bach en 1750. Describe las formas vocales e
instrumentales más comunes del período, como la
suite barroca, el oratorio, la sonata, el concierto grosso, la
toccata, entre muchas otras. Se hace al final una reseña
de los más destacados compositores, clasificándolo
de acuerdo a su nacionalidad. Entre ellos encontramos a los
italianos Monteverdi, Scarlatti, Corelli y Vivaldi; los franceses
Couperin, Rameau y Lully; y a los alemanes Bach, Haendel y
Telemann.
TABLA DE CONTENIDO
- CARACTERÍSTICAS DEL PERIODO
BARROCO - CARACTERÍSTICAS
GENERALES - CARACTERÍSTICAS
ARTÍSTICAS - CARACTERÍSTICAS
MUSICALES
- RECITATIVO
- ARIA
- CANTATA
- ORATORIO
- BEL CANTO
- CARACTERÍSTICAS
- FORMAS INSTRUMENTALES
- EL CONCERTO GROSSO
- Preludio
- Allemande
- Courante
- Sarabande
- LA SUITE
- LA SONATA
- LA TOCCATA
- Exposición
- Desarrollo
- Sección conclusiva
- Coda
- LA FUGA
- EL CONCERTO GROSSO
- FORMAS INSTRUMENTALES
- ITALIA
- FRANCIA
- INGLATERRA
- COMPOSITORES
1. CARACTERÍSTICAS DEL PERÍODO
BARROCO
1.1. CARACTERÍSTICAS GENERALES:
Entendemos por Período Barroco
aquella época de la historia comprendida entre
aproximadamente 1600 y 1750, delimitación hecha por dos
hechos importantes concernientes a la música: la primera
ópera publicada (1600) y la muerte de
Johann Sebastian Bach (1750).
1.2. CARACTERÍSTICAS
ARTÍSTICAS:
El aspecto artístico reflejó fielmente las
características sociales de la
época. Algunos aspectos detallados de las características en el arte,
fueron:
- Abundancia (en cierto término exagerada) de
elementos decorativos. - Explotación y agudización de los
contrastes. - Imitación de la naturaleza.
- Propensión a lo trascendental, a lo solemne y
a lo magnífico.
Estas características fueron comunes a casi todas
las naciones, pero a pesar de ello, cada una de ellas
desarrolló su aspecto artístico dependiendo de su
estructura
social y su organización política y religiosa,
instituciones
que ejercieron gran influencia en el desarrollo del
arte.
1.3. CARACTERÍSTICAS MUSICALES:
Una característica importante fue que los
detalles del arte en el
barroco no se
aplicaron a la música. Se
buscó en un principio desechar las complicadas
líneas melódicas de la polifonía
renacentista para dar lugar a la homofonía (la
polifonía recuperará más tarde con Bach todo
el esplendor que la ha caracterizado), dando de ésta
manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la
música
giraba en torno a una sola
melodía bien formada y acompañada por acordes, para
que fuera "entendible" el texto. Esto
debido en gran parte a la corriente humanista.
Y a propósito del acompañamiento, se
ideó un sistema de
anotación conocido como el bajo continuo. Era una
parte para bajo, usualmente escrita para teclado (dado
que casi todo acompañamiento en la música barroca era
con órgano o clavecín), con unas cifras que
señalaban las armonías exigidas.
Otros hechos importantes del barroco
musical fue el nacimiento del género operístico, la
improvisación y las primeras formas
instrumentales.
2. FORMAS VOCALES
2.1. Recitativo:
Parte de la ópera donde el texto se
"canta" como si fuera recitado. En realidad no es una forma vocal
bien definida, pero cabe dentro de este análisis.
2.2. Aria:
Es una composición musical, o una forma, para una
sola voz y con un acompañamiento de uno o varios
instrumentos.
2.3. Cantata:
Parte de la ópera donde se alternan el narrador y
los diferentes personajes en una escena lírica sin
acción teatral.
2.4. Oratorio:
En realidad no es una forma vocal, sino una
composición de carácter religioso, también
denominado ópera religiosa, en la cual no hay parte
escénica, ni de actuación, vestuario decorados,
etc.
2.5. Bel Canto:
Forma vocal caracterizada por libertades
interpretativas, donde el uso del rubato (elasticidad
rítmica) y la libre ornamentación la fue llevando a
absurdos excesos. Fue el origen más tarde de la cadenza en
el concierto para instrumento solista.
3. FORMAS INSTRUMENTALES
3.1. El Concerto Grosso:
Se derivó de la escritura para
grupos. En
esta forma musical, uno o varios instrumentos se destacan
(concertino) en determinados pasajes, en contraste con la
generalmente reducida orquesta (tutti o ripieno). Sus
primeros representantes fueron los italianos Corelli y Geminiani.
Más tarde sería el maestro Vivaldi quien
llevaría el concerto grosso a su máxima esplendor.
A partir de él, esta forma tuvo por lo general 3
movimientos (allegro-adagio-allegro), y se sentaron las bases del
virtuosismo de los solistas en el futuro.
3.2. La Suite:
Es un conjunto de danzas contrastantes y en la misma
tonalidad (generalmente), pero con diferente medida y tiempo. Con Bach
y Haendel adquirió una estandarización con cuatro
danzas principales: allemande, courante, sarabande, gigue,
precedida por una introducción denominada preludio u
obertura.
- Preludio: Introducción. A veces
formado mediante la improvisación sobre un tema
rítmico o melódico. - Allemande: Danza
lenta de ritmo binario, de carácter expresivo y
melódico. - Courante: De ritmo ternario, y
carácter animado, suele contrastar notablemente con la
anterior. - Sarabande: Danza
lenta, majestuosa e imponente. Un componente infaltable de la
suite barroca, con ritmo ternario, con stress o
prolongación del segundo beat de cada compás.
Curiosamente, no tiene relación alguna con la
rápida danza con
el mismo nombre, que las postrimerías del siglo XVI
fuera prohibida por Felipe II de España
por su carácter lascivo.
Si bien estas cuatro danzas fueron las más
importantes, con frecuencia se incluían algunas
adicionales como Bourré, Gavotte, Minuet, y
otras.
3.3. La Sonata:
Es una composición de estructura
binaria o ternaria, ejecutada por uno o dos instrumentos, en tres
o cuatro movimientos. Existían dos tipos de sonata: La
Sonata de Camera (sonata de cámara, basada en
movimientos de danzas) y La Sonata de Chiesa (sonata
sacra, de carácter más serio).
3.4. La Toccata:
Básicamente es una pieza musical destinada
generalmente para instrumentos de teclado. Tiene
como características sus pasajes
virtuosísticos de lucimiento.
Se le asocia estrechamente con la fuga en el Barroco
Tardío. Luego perdería importancia.
3.5. La Fuga:
Composición musical que tuvo su origen en
el
renacimiento. Consiste en su forma más simple, de una
composición que gira sobre un tema y su contrapunto,
repetidos en diferentes tonos. Es como si la melodía se
fugara de una voz a otra en imitaciones interminables. La fuga
obtiene con Bach su estructura
perfecta. De esta forma se contemplan cuatro
secciones:
3.5.1. Exposición: Aparece el tema en cada
una de las voces en forma
sucesiva. El tema melódico que está en
la tónica se le denomina
sujeto y al que va en la dominante se le
denomina respuesta. A veces
hay un tema secundario llamado
contrasujeto.
3.5.2. Desarrollo: Se "juega" con los aspectos
rítmicos y melódicos del
tema central.
3.5.3. Sección Conclusiva: Regresa el tema
central en su versión
original, pero se advierte la proximidad del
fin.
3.5.4. Coda: Es una pequeña sección
que afirma el tono central de la
obra para darle su sentido conclusivo.
4. COMPOSITORES
Para
una
descripción más clara, se clasificarán los
más grandes compositores de acuerdo a su nacionalidad:
italiana, francesa, inglesa o alemana.
4.1. ITALIA
Una de las naciones más importantes en el
barroco, tanto
en el arte como en la
música.
Los compositores más importantes de la época
fueron:
Claudio Monteverdi (1567 – 1643): Fue el
gran maestro de la ópera florentina. Su obra
L’Orfeo (1607) marcó un hito en la historia operística.
También compuso otras óperas (Arianna, 1608;
La Coronación de Popea; 1641, etc.), salmos,
motetes y madrigales.
Tomaso Albinoni (1671 – 1750): Violinista y
compositor veneciano. Compuso obras instrumentales y numerosas
óperas que se conservan incompletas. Bach utilizó
algunos de sus temas.
Arcangelo Corelli (1653 – 1713): Compositor
y violinista. Principal representante del Concerto Grosso.
Compuso cinco colecciones de sonatas para iglesia y
cámara (1681 – 1700) y una de concerti grossi
(1714).
Francesco Geminiani (1687 – 1762):
Violinista y compositor italiano. Autor de sonatas para
violín y clavecín de concerti grossi y de un
método
sobre técnica violinística (El Arte de Tocar el
Violín, 1731). Vivió y enseñó
muchos años en Dublín y Londres.
Domenico Scarlatti (1685 – 1757):
Organista, clavecinista y compositor. Compuso más de
quinientas sonatas para clave, óperas y cantatas.
Sobresalió por su virtuosismo en el teclado.
Alessandro Stradella (1642 – 1682):
Compositor y cantante, uno de los máximos exponentes de la
escuela
napolitana. Contribuyó a la evolución del aria, el oratorio y la
cantata. San Juan Bautista (1675, oratorio),
Doriclea (1677, ópera).
Antonio Vivaldi (1678 – 1741):
Compositor y violinista, de la escuela barroca
veneciana. Se ordenó sacerdote (1703), si bien tuvo que
renunciar al ejercicio de su ministerio, y fue profesor de
violín en el Hospital de la Piedad. Junto con Corelli,
fuel el más importante representante del concerto
grosso. Verdadero creador del concierto para solista.
Intérprete virtuoso (considerado el precursor de
Paganini!) autor brillante y colorista (dominio del
contrapunto, exhuberancia armónica), realmente un
personaje anticipado del Romanticismo.
Compuso más de 470 conciertos, unas 45 óperas, unas
75 sonatas, etc. Sobresalen sus Concerti Grossi, en
especial Las Cuatro Estaciones, incluidos en El
Fundamento de la Armonía y la Invención (1725).
Definitivamente es mi compositor favorito.
4.2. FRANCIA
François Couperin (1668 – 1733): Fue
junto con el Italiano Scarlatti, uno de los más grandes
clavecinistas de la historia. Fue llamado
Couperin el Grande. Autor de un método
didáctico (El Arte de Tocar el
Clavecín, 1716) y de numerosas composiciones (obras para
clavecín, corales, sonatas, danzas, etc.).
Jean-Baptiste Lully (1632 –1687):
Compositor francés de origen italiano. Fue el creador de
la ópera francesa. Cadmo y Hermione (1673),
Rolando (1685), Armida (1686) fueron algunos de sus
trabajos operísticos.
Jean-Philipp Rameau (1683 – 1764):
Compositor renovador de la ópera francesa clásica.
Conocido organista y autor de piezas para clave, debutó en
el género operístico en plena madurez, con
Hipóclito y Aricia (1733); del resto de su producción, caracterizada por la riqueza
orquestal y la intensidad expresiva, se destacan Las Indias
Galantes (1735) y Cástor y Pólux (1737).
Intervino en la "querella de los bufones", a favor de la
tradición, y dejó escrita una importante obra
teórica (Tratado de la Armonía Reducida a sus
Principios
Naturales, 1722)
4.3. INGLATERRA
Henry Purcell (1659 – 1695): Fue miembro de
una familia de
músicos de la corte. Se mantuvo dentro de la
tradición contrapuntística, aunque dando más
realce en sus obras a la melodía. Considerado como el
iniciador de la ópera inglesa con su Didos y Eneas
(1690), también escribió cantatas, odas, sonatas, y
suites instrumentales.
4.4. ALEMANIA
Alemania fue la cuna de los más grandes
compositores barrocos: JS Bach, GF Haendel y GP
Telemann.
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750):
Organista y compositor. El más célebre de la familia (y
de toda la historia de la música :). Fue
músico de la corte, organista en Weimar y maestro de
capilla en Leipzig. Gran renovador, elevó la fuga a su
máxima expresión, extrayendo de. ella todas las
posibilidades contrapuntísticas. De su vasta obra cabe
destacar numerosos preludios, toccatas, suites, sonatas,
partitas, corales: El Clave bien Temperado, los Conciertos de
Brandemburgo, el Magnificat, la Pasión según san
Mateo, el Arte de la
Fuga.. Personalmente, es uno de mis compositores
favoritos.
Georg Friederich Haendel (1685 – 1759):
Clasificamos a Haendel entre los compositores alemanes por su
nacimiento, pero por su obra, lo deberíamos incluir entre
los italianos o los ingleses. En su vasta producción sobresalen óperas
(Agripina, 1709; El Pastor Fiel, 1714) y, sobre
todo, los oratorios, más dramáticos que religiosos
(El Mesías, 1742; Judas Macabeo,
1745).
Johann Pachelbel (1653 – 1706): Compositor
y organista alemán. Fue considerado el precursor de Bach.
Su obra, ecléctica y exenta de artificios, comprende
cantatas, motetes, fugas, suites, corales. Una obra importante
fue Divertimento Musical (1691).
Georg Philipp Telemann (1681 – 1767): Fue
maestro de capilla en Hamburgo. Al igual que Bach, combinó
elementos alemanes, italianos y franceses, representando la
síntesis entre la escuela
contrapuntística y el estilo armónico. Dejó
una extensa producción, tanto de música religiosa como
profana.
Sylvius Leopold Weiss (1686 – 1750): Fue el
principal compositor para laúd de la escuela del
Barroco
Tardío. Su extenso número de trabajos que hoy
día se conserva es una fértil fuente para
guitarristas.
Autor:
Jaime A. García
Estudiante de Ingeniería de Sistemas
Universidad EAFIT Medellín –
Colombia
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