La pedagogía y andragogía de las artes plásticas como acto de aprendizaje (página 3)

Entre los críticos de arte han habido desde
famosos escritores hasta los propios historiadores del arte, que
muchas veces han pasado del análisis metodológico a
la crítica personal y subjetiva, conscientes de que era un
arma de gran poder hoy día. Como nombres, se podría
citar a Charles Baudelaire, John Ruskin, Oscar Wilde,
Émile Zola, Joris-Karl Huysmans, Guillaume Apollinaire,
Wilhelm Worringer, Clement Greenberg, Michel Tapié, etc.;
en el mundo hispanohablante, destacan Eugeni d'Ors, Aureliano de
Beruete, Jorge Romero Brest, Juan Antonio Gaya Nuño,
Alexandre Cirici, Juan Eduardo Cirlot, Enrique Lafuente Ferrari,
Rafael Santos Torroella, Francisco Calvo Serraller, José
Corredor Matheos, Irma Arestizábal, Ticio Escobar,
Raúl Zamudio, etc.

Teoría del arte

La escuela de Atenas de Rafael muestra el alto grado de
teorización que había alcanzado el arte durante el
Renacimiento pleno, en vísperas del Manierismo. Los
artistas (humanistas completos, a la vez arquitectos, escultores
y pintores, pero también poetas y filósofos)
veían su arte como un oficio sublime, y a sí mismos
como intelectuales comparables a los más reputados sabios
de la Antigüedad, cuyos personajes encarnan en esta obra
(confrontada en las Estancias del Vaticano a La disputa del
Sacramento). El debate de los antiguos y los modernos, que
proviene de la escolástica medieval, encauzará ese
tema, decisivo para la crisis de la conciencia europea que
llevó a la Ilustración y la ciencia
moderna.

Teoría del arte o teoría de las artes es
una disciplina académica que engloba toda
descripción de las manifestaciones artísticas
(fenómenos artísticos u obras de arte), empezando
por su consideración o aceptación como tales, en
todos los géneros del arte, pero especialmente de las
llamadas bellas artes (que incluyen tanto las artes visuales
–pintura, escultura y arquitectura– como la literatura, la
música u otras artes escénicas). En cambio, las
llamadas artes aplicadas (también denominadas artes
menores, artes decorativas o artes y oficios) han merecido
históricamente un aprecio menor (junto al de otras
artesanías y por oposición a las mejor valoradas
artes liberales), aunque desde finales del siglo XIX se han
reivindicado (movimiento de Arts and Crafts) y desde el siglo XX
han alcanzado la etiqueta de diseño, cuya
generalización a cualquier ámbito de la
creación y la producción o incluso de los servicios
corre el peligro de aplicarse sin criterio de forma abusiva e
incluso ridícula, desvirtuando su contenido.

Las teorías del arte analizan este desde un punto
de vista teórico y normativo, proporcionando una
metodología para desvelar el significado de sus obras. El
marco filosófico en el que puede situarse cada
versión de la teoría del arte está
estrechamente vinculado a diferentes intepretaciones de la
estética, dado que la reflexión en torno a la
esencia y función del arte mismo se encontraría en
la frontera entre ambas disciplinas, de difícil
deslinde.

Desde un punto de vista valorativo, la aplicación
individual o social de una teoría del arte se denomina
gusto artístico.

Teoría del arte en la historia

Con algunas excepciones, como la civilización
china, en la que existe una tradición de teoría del
arte desde el siglo VI (los Seis Principios de la Pintura de Xie
He), la inmensa mayoría de la producción escrita
sobre teoría del arte ha correspondido
históricamente a la civilización
occidental.

Historia del arte

Arte en la prehistoria (ca. 25000-3000
a.C)

• Arte prehistórico: es el desarrollado por el
  ser humano primitivo desde el paleolítico superior
  hasta el neolítico, periodos donde surgieron las
  primeras manifestaciones que se pueden considerar como
  artísticas por parte del ser humano. En el
  paleolítico, el hombre se dedicaba a la caza y
  vivía en cuevas, elaborando la llamada pintura
  rupestre. En el neolítico, se vuelve sedentario y se
  dedica a la agricultura, con sociedades cada vez más
  complejas donde va cobrando importancia la religión,
  como se puede ver en los monumentos megalíticos, y
  comienza la producción de piezas de
  artesanía.

Arte antiguo (ca. 3000-300 a. C.)

En Egipto y Mesopotamia surgieron las primeras
civilizaciones, y sus artistas/artesanos elaboraron complejas
obras de arte que suponen ya una especialización
profesional.

• Arte egipcio: su arte era intensamente religioso y
  simbólico, destacando en arquitectura las mastabas,
  las pirámides y los hipogeos, como en Guiza y el Valle
  de los Reyes. La escultura y la pintura muestran la figura
  humana de forma realista, aunque adolecen de hieratismo y
  esquematismo a causa de la rigidez de sus cánones
  simbólico-religiosos.

• Arte mesopotámico: se desarrolla en la zona
  comprendida entre los ríos Tigris y Éufrates,
  donde se sucedieron diversas culturas como los sumerios,
  acadios, asirios, persas, etc. En la arquitectura destacan
  los zigurats, grandes templos de forma escalonada piramidal,
  mientras que la escultura se desarrolla en talla exenta o
  relieve, en escenas religiosas o de caza y militares, con la
  presencia de figuras humanas y animales reales o
  mitológicos.

Arte clásico (1000 a. C.-300 d.
C.)

• Arte griego: en Grecia se desarrollaron las
  principales manifestaciones artísticas que han marcado
  la evolución del arte occidental. Tras unos inicios
  donde destacaron las culturas minoica y micénica, el
  arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico,
  clásico y helenístico. En arquitectura
  destacaron los templos, donde se sucedieron tres
  órdenes constructivos: dórico, jónico y
  corintio. Destaca especialmente el conjunto de la
  Acrópolis. En escultura predominó la
  representación del cuerpo humano, con una
  evolución desde formas rígidas y
  esquemáticas, pasando por el naturalismo del periodo
  clásico (con la obra de Mirón, Fidias y
  Policleto), hasta el recargamiento y sinuosidad del periodo
  helenístico.

• Arte romano: con un claro precedente en el arte
  etrusco, el arte romano recibió una gran influencia
  del arte griego. Gracias a la expansión del Imperio
  romano, el arte clásico grecorromano llegó a
  casi todos los rincones de Europa, norte de África y
  Próximo Oriente, sentando las bases del arte
  occidental. Grandes ingenieros y constructores, destacaron en
  arquitectura civil, con la construcción de carreteras,
  puentes, acueductos y obras urbanísticas, así
  como templos, palacios, teatros, anfiteatros, circos, termas,
  arcos de triunfo, etc. La escultura, inspirada en la griega,
  se centra igualmente en la figura humana, aunque con
  más realismo, no les importaba mostrar defectos que
  eran ignorados por la idealizada escultura griega. La pintura
  es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya, y
  destacó especialmente el mosaico.

Arte en la Alta Edad Media (300-900)

• Arte paleocristiano: con la aparición del
  cristianismo se generó a lo largo del Imperio el
  llamado arte paleocristiano, que adquirió estatus
  oficial tras la conversión al cristianismo del
  emperador Constantino. El arte paleocristiano
  reinterpretó tanto las formas clásicas como las
  judías para servir como vehículo de
  expresión de la nueva religión oficial, y se
  produjo una atomización de estilos por zonas
  geográficas. En arquitectura destacó como
  tipología la basílica, mientras que en
  escultura destacan los sarcófagos y continúan
  como en época romana la pintura y el
  mosaico.

• Arte prerrománico: se denomina así a
  los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la
  caída del Imperio romano hasta alrededor del
  año 1000, donde la fusión de la cultura
  clásica con la de los nuevos pobladores de origen
  germánico generará las diversas nacionalidades
  que conforman actualmente el continente europeo. Se engloban
  en esta fase diversos estilos de marcado carácter
  regional, desde el arte visigodo y de los otros pueblos
  germánicos, o incluso el arte celta -especialmente en
  las Islas Británicas- o vikingo, pasando por el arte
  asturiano, hasta el arte carolingio y otoniano en el centro
  de Europa.

Arte en la Baja Edad Media (900-1400)

• Arte románico: representa el primer estilo de
  carácter internacional de la cultura europea
  occidental, con una identidad plenamente consolidada tras el
  paso del latín a las lenguas vernáculas. De
  carácter eminentemente religioso, casi todo el arte
  románico está dirigido a la exaltación y
  divulgación del cristianismo. La arquitectura destaca
  por el uso de bóvedas de cañón y arcos
  de medio punto, iniciándose la construcción de
  grandes catedrales, que seguirá durante el
  gótico. La escultura se desarrolló
  principalmente en el marco arquitectónico, de
  carácter religioso, con figuras esquematizadas, sin
  realismo, de signo simbólico. La pintura es
  preferentemente mural, de signo religioso y figuras
  esquemáticas al igual que la escultura.

• Arte gótico: desarrollado entre los siglos
  XII y XVI, fue una época de desarrollo
  económico y cultural. La arquitectura sufrió
  una profunda transformación, con formas más
  ligeras, más dinámicas, con un mejor
  análisis estructural que permitió hacer
  edificios más estilizados, con más aberturas y,
  por tanto, mejor iluminación. Aparecieron nuevas
  tipologías como el arco apuntado y la bóveda de
  crucería, y la utilización de contrafuertes y
  arbotantes para sostener la estructura del edificio,
  permitiendo interiores más amplios y decorados con
  vitrales y rosetones. La escultura continuó enmarcada
  en la obra arquitectónica, aunque comenzó a
  desarrollarse la escultura exenta, con formas más
  realistas, inspiradas en la naturaleza. La pintura
  dejó de ser mural para pasar a retablos situados en
  los altares de las iglesias, y empezó a desarrollarse
  la pintura en lienzo, al temple o al óleo. Se
  sucedieron cuatro estilos pictóricos: el gótico
  lineal o franco-gótico, el gótico
  itálico o trecentista (Cimabue, Giotto, Duccio), el
  gótico internacional (Stefan Lochner, Bernat
  Martorell) y el gótico flamenco (Jan Van Eyck, El
  Bosco).

Arte en la Edad Moderna (1400-1800)

• Renacimiento: época de gran esplendor
  cultural en Europa, la religión dejó paso a una
  concepción más científica del hombre y
  el universo, surgiendo el humanismo. Los nuevos
  descubrimientos geográficos hicieron que la
  civilización europea se expandiese por todos los
  continentes, y la invención de la imprenta supuso una
  mayor universalización de la cultura. El arte se
  inspira en el arte clásico grecorromano, por lo que se
  habla de "renacimiento" artístico tras el oscurantismo
  medieval. Inspirado en la naturaleza, surgen nuevos modelos
  de representación, como el uso de la perspectiva. La
  arquitectura recuperó los modelos clásicos,
  reelaborados con un concepto más naturalista y con
  bases científicas: destacan Filippo Brunelleschi, Leon
  Battista Alberti y Bramante. La escultura buscó
  igualmente la idealizada perfección del clasicismo,
  como en la obra de Lorenzo Ghiberti y Donatello. La pintura
  sufrió una notable evolución desde las formas
  medievales, con formas naturalistas y temáticas
  profanas o mitológicas junto a las religiosas,
  destacando Botticelli, Perugino, Piero della Francesca,
  Andrea Mantegna, Leonardo Da Vinci, Rafael, Alberto Durero,
  Pieter Brueghel, etc.

• Manierismo: evolución de las formas
  renacentistas, el manierismo abandonó la naturaleza
  como fuente de inspiración para buscar un tono
  más emotivo y expresivo, cobrando importancia la
  interpretación subjetiva que el artista hace de la
  obra de arte. La arquitectura adquiere un signo más
  efectista y de tenso equilibrio, destacando Andrea Palladio y
  Miguel Ángel. En escultura, descuella la obra de
  Miguel Ángel, con obras de tenso dinamismo donde
  resalta la expresión de la persona representada. La
  pintura tiene un sello más caprichoso, extravagante,
  con gusto por la forma sinuosa y estilizada, destacando en
  primer lugar -como en las otras artes- Miguel Ángel,
  seguido de Bronzino, Correggio, Parmigianino, Giorgione,
  Tiziano, Veronese, Tintoretto, El Greco, etc.

• Barroco: época de grandes disputas en el
  terreno político y religioso, surge una
  división entre los países católicos
  contrarreformistas, donde se afianza el estado absolutista, y
  los países protestantes, de signo más
  parlamentario. El arte se vuelve más refinado y
  ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo
  clasicista pero con formas más dinámicas y
  efectistas, con gusto por lo sorprendente y
  anecdótico, por las ilusiones ópticas y los
  golpes de efecto. La arquitectura, bajo unas líneas
  clásicas, asume unas formas más
  dinámicas, con una exuberante decoración,
  destacando Gian Lorenzo Bernini, Francesco Borromini, Fischer
  von Erlach, José Benito Churriguera, etc. La escultura
  adquiere el mismo carácter dinámico, sinuoso,
  expresivo, ornamental, destacando nuevamente Bernini,
  así como Pedro de Mena, Francisco Salzillo, etc. La
  pintura se desarrolló en dos tendencias contrapuestas:
  el naturalismo, basado en la estricta realidad natural, con
  gusto por el claroscuro, el llamado "tenebrismo", donde cabe
  citar a Caravaggio y Georges de La Tour; y el clasicismo, que
  es igualmente realista pero con un concepto de la realidad
  más intelectual e idealizado, englobando a Annibale
  Carracci, Nicolas Poussin, Claude Lorrain, etc. Aparte de
  estas dos corrientes, hubieron infinitud de escuelas, estilos
  y autores de muy diverso signo, destacando dos escuelas
  regionales: la flamenca (Rubens, Van Dyck), y la holandesa
  (Rembrandt, Johannes Vermeer). En España
  destacó la figura excepcional de Velázquez,
  así como José de Ribera, Francisco de
  Zurbarán y Bartolomé Esteban
  Murillo.

• Rococó: desarrollado en el siglo XVIII,
  supone la pervivencia de las principales manifestaciones
  artísticas del barroco, con un sentido más
  enfatizado de la decoración y el gusto ornamental, que
  son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación
  y elegancia. La arquitectura rococó se
  desarrolló sobre todo en Francia y Alemania,
  representado por Ange-Jacques Gabriel y Johann Balthasar
  Neumann. La escultura tiene un aire grácil, refinado,
  como en la obra de Jean-Antoine Houdon o los hermanos Asam
  (Cosmas Damian y Egid Quirin). La pintura se mueve entre la
  exaltación religiosa o el paisajismo vedutista en
  Italia, y las escenas cortesanas de Watteau y Fragonard en
  Francia, pasando por el retratismo inglés de Reynolds
  y Gainsborough. Figura aparte es el inclasificable pintor
  español Francisco de Goya, que evolucionó desde
  un sello más o menos rococó hasta un cierto
  prerromanticismo, pero con una obra personal y expresiva de
  fuerte tono intimista.

• Neoclasicismo: el auge de la burguesía tras
  la Revolución francesa favoreció el
  resurgimiento de las formas clásicas, más puras
  y austeras, en contraposición a los excesos
  ornamentales del barroco y rococó, identificados con
  la aristocracia. La arquitectura neoclásica es
  más racional, de signo funcional y un cierto aire
  utópico, como vemos en los postulados de
  Claude-Nicolas Ledoux y Étienne-Louis Boullée.
  La escultura, de lógico referente grecorromano, tuvo
  como principales figuras a Antonio Canova y Bertel
  Thorvaldsen. La pintura mantuvo un sello austero y
  equilibrado, influido por la escultura grecorromana o figuras
  como Rafael y Poussin, destacando Jacques-Louis David, J.A.D.
  Ingres, José de Madrazo, etc.

Arte no occidental

• Arte precolombino: las primeras grandes
  civilizaciones surgieron en México: los olmecas
  realizaban esculturas de piedra de gran naturalismo
  (Luchador, hallado en Santa María Uxpanapán),
  así como colosales cabezas monolíticas de hasta
  3,5 metros de altura; los zapotecas construyeron el
  magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos, en el
  Monte Albán. Posteriormente, los mayas desarrollaron
  un arte de signo religioso, donde destacaban los templos, de
  forma piramidal (Tikal, Uxmal, Templo de Kukulcán en
  Chichén Itzá). Los toltecas construyeron el
  Templo del Dios de la Estrella Matutina en Tula, y nos han
  dejado una de las mejores muestras de escultura precolombina:
  el Chac Mool. Los aztecas consagraron el arte a la
  expresión del poder, destacando su capital,
  Tenochtitlán. En Perú la primera cultura de
  relevancia fue la de Chavín de Huántar (900
  a.C.), complejo religioso donde destaca el templo, edificado
  sobre tres pisos de galerías. Otras culturas
  remarcables de la región fueron la de Paracas, la
  moche y la nazca (con sus enigmáticas líneas de
  Nazca). Más adelante, los incas crearon una cultura
  muy desarrollada, con una notable arquitectura e
  ingeniería civil, destacando la ciudad de Machu
  Picchu.

• Arte africano: su principal peculiaridad ha sido
  siempre su carácter mágico-religioso, con obras
  de madera, piedra o marfil, en máscaras y figuras
  exentas de carácter más o menos
  antropomórfico. La primera producción de cierta
  relevancia fue la cultura Nok, en el primer milenio a.C.,
  situada en el norte de la actual Nigeria. En Sudán se
  desarrollaron las culturas kerma y meroe, caracterizadas por
  sus monumentales construcciones en barro, sus armas y su
  cerámica. En Etiopía destacó la ciudad
  de Aksum, siendo de remarcar sus estelas en forma de pilares
  monolíticos, de carácter funerario, de hasta 20
  metros de altura. En Zimbabue floreció la cultura
  Monomotapa (siglos XI-XV), cuya capital, Gran Zimbabue, fue
  una de las ciudades más grandes de toda África.
  En Ifé (Nigeria), de cultura yoruba, surgió en
  los siglos XII-XIII una notable escuela de figuras en
  terracota, de gran naturalismo. De esta época datan
  también las iglesias talladas en la roca de Lalibela,
  en Etiopía. En Malí destacaron las
  construcciones en adobe, como la Gran Mezquita de
  Djenné, datada inicialmente del siglo XIII pero
  reconstruida varias veces.

• Arte indio: tiene un carácter principalmente
  religioso, sirviendo como vehículo de
  transmisión de las distintas religiones que han
  jalonado la India: hinduismo, budismo, islamismo, etc. La
  primera gran civilización se produjo en la ciudad de
  Mohenjo-Daro, que muestra un planificado urbanismo, con
  edificios públicos construidos en barro cocido y
  ladrillo. Entre los siglos III y II a.C. se desarrolló
  el arte maurya, de signo budista, destacando como monumento
  característico la stupa, túmulo funerario de
  carácter conmemorativo, generalmente recubierto de
  relieves con escenas de la vida de Buda, como la Stupa de
  Sanchi. Otras muestras de arte budista fueron: el arte de
  Gandhara, con influencia helenística y
  sasánida; el de Mathura, que mezclaba elementos
  tradicionales indios con motivos grecorromanos; y el de
  Amaravati, igualmente de influencia grecorromana, destacando
  la gran stupa de Amaravati, de 50 metros de altura. Entre los
  siglos IV y VIII se desarrolló el arte gupta, donde
  destacan los grandes santuarios rupestres o vihara (Ajanta,
  Ellora, Elephanta). El arte hindú tuvo su apogeo entre
  los siglos VIII y XII, con un tipo de santuario
  característico denominado sikhara, como el de Udaipur.
  Entre los siglos X y XI se produjo el arte de Khajuraho,
  máxima expresión del arte indoario por la
  elegancia formal y estética de sus templos, así
  como de la escultura que los adorna. Por último, tras
  la invasión musulmana se produjo el arte mogol, de
  formas islámicas, destacando el Taj Mahal (siglo
  XVII).

• Arte chino: como la mayoría del arte oriental
  tiene un fuerte sello religioso, principalmente
  taoísmo, confucianismo y budismo. Se suele estudiar
  por etapas, que coinciden con las dinastías reinantes:
  la Dinastía Shang (1600-1046 a.C.) destacó por
  sus objetos y esculturas en bronce, especialmente vasijas
  decoradas en relieve y máscaras y estatuas
  antropomórficas, como las halladas en la zona de
  Chengdu. La Dinastía Zhou (1045-256 a.C.) creó
  un estilo decorativo y ornamentado, de figuras estilizadas y
  dinámicas, continuando el trabajo en cobre. La
  Dinastía Qin (221-206 a.C.) destacó por la
  construcción de la Gran Muralla, así como el
  hallazgo arqueológico del Ejército de terracota
  de Xian. La Dinastía Han (206 a.C.-220 d.C.) vio la
  introducción del budismo, destacando por la pintura y
  los relieves en santuarios y cámaras de ofrendas.
  Durante el Periodo de las Seis dinastías (220-618) se
  difundió más ampliamente el budismo,
  construyéndose grandes santuarios con estatuas
  colosales de Buda (Yungang, Longmen). La Dinastía Tang
  (618-907) fue uno de los periodos más florecientes del
  arte chino, destacando por su escultura y sus célebres
  figuras de cerámica, mientras que en arquitectura la
  tipología principal fue la pagoda (Hua-yen,
  Hsiangchi), y en pintura apareció el paisaje. En la
  Dinastía Song (960-1279) se alcanzó un nivel de
  elevada cultura que sería recordado con gran
  admiración en posteriores etapas, destacando
  igualmente la cerámica y la pintura de paisaje.
  Durante la Dinastía Yuan (1280-1368) se desarrollaron
  especialmente las artes decorativas, principalmente
  alfombras, cerámica y obras de metalistería, y
  en pintura proliferaron los temas religiosos. En la
  Dinastía Ming (1368-1644) se construyó el
  Palacio Imperial (la Ciudad Prohibida), y la pintura era
  tradicional, de signo naturalista y cierta opulencia;
  también destacó la porcelana. Por
  último, la Dinastía Qing (1644-1911) supuso la
  continuidad de las formas tradicionales: la pintura era
  bastante ecléctica, dedicada a temas florales (Yun
  Shouping), religiosos (Wu Li), paisajes (Gai Qi), etc.;
  continuó la tradición en las artes aplicadas,
  especialmente ebanistería, porcelana, tejidos de seda,
  lacas, esmalte, jade, etc.

• Arte japonés: también cabe estudiarlo
  por períodos: el Período Jomon (5000 a.C.-200
  a.C.) estuvo marcado por la producción de
  cerámica, la más antigua producida por el ser
  humano, decorada con incisiones o impresiones de cuerda.
  Durante el Período Yayoi (200 a.C.-200 d.C.) se
  difundió un tipo de sepulturas de gran tamaño
  con cámara y túmulo ornamentado con cilindros
  de terracota. En el Período Kofun (200-600) destacan
  las grandes sepulturas llamadas kofun, así como unas
  figuras de terracota llamadas haniwa; en arquitectura destaca
  el santuario de Ise. En el Período Asuka (552-646) se
  introdujo el budismo, destacando el templo de Horyu-ji (607)
  y las estatuas de Buda. En el Período Nara (646-794)
  tuvo su apogeo el arte budista, plasmado igualmente en
  arquitectura (Pagoda del Este de Yakushi-ji, templo de
  Todai-ji) y escultura (Buda de Tachibana, Bodhisattva Gakko).
  El Período Heian (794-1185) fue el más
  clásico del arte japonés: monasterio de
  Byodo-in, escuela pictórica de yamato-e. En el
  Período Kamakura (1185-1333) se introdujo la secta
  zen, que influyó poderosamente en el arte figurativo:
  en escultura destacó Unkei, en arquitectura el
  conjunto de cinco grandes templos de Sanjusangen-do (1266), y
  en pintura el retrato y el paisaje. En el Período
  Muromachi (1333-1573) floreció notablemente la
  pintura, enmarcada dentro de la estética zen,
  apareciendo el estilo sumi-e, representado fundamentalmente
  por Sesshu; también se desarrolló el arte de la
  jardinería, y cobraron importancia los objetos de laca
  y metal. Durante el Período Momoyama (1573-1615) el
  arte se alejó de la estética budista,
  remarcando los valores tradicionales japoneses: se
  construyeron grandes castillos, como el de Himeji y el de
  Fushimi-Momoyama; en pintura continuó la
  tradición épica japonesa, la cerámica
  alcanzó un momento de gran apogeo, y en laca
  destacó Honami Koetsu. En el Período Edo
  (1615-1868) Japón se cerró a todo contacto
  exterior, aunque fue una época de gran prosperidad: se
  desarrolló notablemente la pintura, que
  adquirió gran vitalidad, destacando Tawaraya Sotatsu y
  Ogata Korin, así como la escuela de ukiyo-e, que
  destacó por la representación de tipos y
  escenas populares ( Kitagawa Utamaro, Katsushika Hokusai,
  Utagawa Hiroshige).

• Arte oceánico: está marcado por la
  multiplicidad de territorios insulares que jalonan el
  Océano Pacífico, destacando las islas de
  Australia y Nueva Zelanda, y tres principales áreas de
  islas y archipiélagos: Polinesia, Melanesia y
  Micronesia. La primera cultura desarrollada en la zona fue la
  lapita (1.500-500 a.C.), que se caracteriza por su
  cerámica decorada con motivos dentados hechos con
  peines o púas, así como objetos de obsidiana y
  conchas. En Australia destacan las pinturas rupestres, que
  son bastante esquemáticas, llegando a la
  simplificación geométrica. Más adelante
  continuó la expansión hacia la periferia
  oceánica, produciéndose una gran
  diversificación cultural. La mayoría de
  manifestaciones artísticas eran de carácter
  ritual, relacionadas con danzas y ceremonias de tipo
  religioso: en Micronesia se produjeron elaborados complejos
  arquitectónicos con esculturas de piedra y megalitos;
  en Guam y las islas Marianas destacan las casas sobre
  columnas de piedra (latte); en Hawai se construyeron grandes
  templos (heiau), con esculturas de madera de hasta tres
  metros que representaban a sus dioses; en Nueva Zelanda, los
  maoríes desarrollaron un tipo de talla de madera con
  figuras de líderes políticos y religiosos; en
  la isla de Pascua se construyeron las famosas cabezas
  monolíticas (moái) entre el año 900 y el
  1600; en Melanesia destacan las grandes casas de
  reunión o «casas de los espíritus»,
  dedicadas a ceremonias relacionadas con el culto a los
  antepasados; las máscaras fueron
  características de Nueva Guinea (mai), Nueva Irlanda
  (malanggan) y Nueva Caledonia (apuema); los asmat de Irian
  Jaya (Nueva Guinea) construían unos postes
  conmemorativos (bisj) de entre 5 y 10 metros de altura,
  tallados con figuras antropomórficas; en las islas
  Salomón se dieron estatuas de madera (indalo) de
  figuras humanas o animales, con incrustaciones de
  conchas.

Arte en la Edad contemporánea
(1800-Actualidad)

Siglo XIX

Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se
sentaron las bases de la sociedad contemporánea, marcada
en el terreno político por el fin del absolutismo y la
instauración de gobiernos democráticos, impulso
iniciado con la Revolución francesa; y, en lo
económico, por la Revolución industrial y el
afianzamiento del capitalismo, que tendrá respuesta en el
marxismo y la lucha de clases. En el terreno del arte, comienza
una dinámica evolutiva de estilos que se suceden
cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que
culminará en el siglo XX con una atomización de
estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y
se enfrentan.

• Arquitectura del siglo XIX: la arquitectura
  decimonónica sufrió una gran evolución
  debido a los avances técnicos que comportó la
  Revolución industrial, con la incorporación de
  nuevos materiales como el hierro y el hormigón, que
  permitieron la construcción de estructuras más
  sólidas y diáfanas. Estilísticamente, la
  primera mitad de siglo vio un cierto eclecticismo de las
  formas, así como un revival de estilos anteriores
  reinterpretados según conceptos modernos: es el
  llamado historicismo, que produjo movimientos como el
  neorrománico, el neogótico, el neobarroco, etc.
  A finales de siglo surgió el modernismo, que supuso
  una gran revolución en terreno del diseño, con
  nombres como Victor Horta, Otto Wagner, Antoni Gaudí,
  Lluís Domènech i Montaner, Josep Puig i
  Cadafalch, etc.

• Romanticismo: movimiento de profunda
  renovación en todos los géneros
  artísticos, los románticos pusieron especial
  atención en el terreno de la espiritualidad, de la
  imaginación, la fantasía, el sentimiento, la
  evocación ensoñadora. En pintura,
  después de una fase prerromántica donde
  podríamos citar a William Blake y Johann Heinrich
  Füssli, destacaron Eugène Delacroix,
  Théodore Géricault, John Constable, Joseph
  Mallord William Turner, etc. Una derivación del
  romanticismo fue el movimiento alemán de los
  Nazarenos.

• Realismo: desde mediados de siglo surgió una
  tendencia que puso énfasis en la realidad, la
  descripción del mundo circundante, especialmente de
  obreros y campesinos en el nuevo marco de la era industrial,
  con un cierto componente de denuncia social, ligado a
  movimientos políticos como el socialismo
  utópico. En pintura destacan Camille Corot, Gustave
  Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier y
  Marià Fortuny. En Gran Bretaña surgió la
  escuela de los prerrafaelitas, que se inspiraban (como su
  nombre indica) en los pintores italianos anteriores a Rafael,
  así como en la recién surgida
  fotografía. En escultura, destacó Constantin
  Meunier.

• Impresionismo: fue un movimiento profundamente
  innovador, que supuso una ruptura con el arte
  académico y una transformación del lenguaje
  artístico, iniciando el camino hacia los movimientos
  de vanguardia. Se inspiraban en la naturaleza, de la que
  pretendían captar una "impresión" visual, la
  plasmación de un instante en el lienzo (por influjo de
  la fotografía), con una técnica de pincelada
  suelta y tonos claros y luminosos. Cabe mencionar como
  principales representantes a Édouard Manet
  (considerado un precursor), Claude Monet, Camille Pissarro,
  Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Igual de renovador fue
  en el terreno de la escultura el papel de Auguste Rodin, que
  sentó las bases de la escultura del siglo
  XX.

• Neoimpresionismo: evolucionando desde el
  impresionismo, los neoimpresionistas se preocupan más
  de los fenómenos ópticos, desarrollando la
  técnica del puntillismo, como se puede apreciar en la
  obra de Georges Seurat y Paul Signac.

• Postimpresionismo: son artistas que, partiendo de
  los nuevos hallazgos técnicos efectuados por los
  impresionistas, los reinterpretan de manera personal,
  abriendo distintas vías de desarrollo de suma
  importancia para la evolución del arte en el siglo XX:
  Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Paul Cézanne,
  Vincent Van Gogh, Joaquín Sorolla, etc.

• Simbolismo: corriente de corte fantástico y
  onírico, surgió como reacción al
  naturalismo de la corriente realista e impresionista,
  poniendo especial énfasis en el mundo de los
  sueños, así como en aspectos satánicos y
  terroríficos, el sexo y la perversión.
  Destacaron Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de
  Chavannes y Gustav Klimt.

Siglo XX

El arte del siglo XX padece una profunda
transformación: en una sociedad más materialista,
más consumista, el arte se dirige a los sentidos, no al
intelecto. Igualmente, cobra especial relevancia el concepto de
moda, una combinación entre la rapidez de las
comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización
actual. Surgen así los movimientos de vanguardia, que
pretenden integrar el arte en la sociedad, buscando una mayor
interrelación artista-espectador, ya que es este
último el que interpreta la obra, pudiendo descubrir
significados que el artista ni conocía. Las últimas
tendencias artísticas pierden incluso el interés
por el objeto artístico: el arte tradicional era un arte
de objeto, el actual de concepto. Hay una revalorización
del arte activo, de la acción, de la manifestación
espontánea, efímera, del arte no comercial (arte
conceptual, happening, environment).

• Arquitectura del siglo XX: la arquitectura ha
  sufrido una profunda transformación desde las formas
  tradicionales hasta las movimientos de vanguardia, que han
  supuesto un nuevo concepto constructivo basado en una
  concepción más racional del espacio,
  estructurado de forma más depurada y funcional, con
  especial atención a las nuevas tecnologías y a
  su ubicación medioambiental. La principal tendencia
  artística ha sido el racionalismo, representado
  fundamentalmente por la Escuela de la Bauhaus. Entre los
  nombres de los más destacados arquitectos del siglo XX
  sobresalen Walter Gropius, Frank Lloyd Wright, Ludwig Mies
  van der Rohe, Le Corbusier, José Luis Sert, Oscar
  Niemeyer, Alvar Aalto, Pier Luigi Nervi, Luis
  Barragán, Rafael Moneo, Richard Rogers, Robert
  Venturi, Frank Gehry, Norman Foster, James Stirling, Santiago
  Calatrava, etc.

• Vanguardismo (1905-1945):

• Fovismo: primer movimiento vanguardista del siglo
  XX, el fovismo supuso una experimentación en el
  terreno del color, que es concebido de modo subjetivo y
  personal, aplicándole valores emotivos y expresivos.
  Destacan Henri Matisse, Albert Marquet, Raoul Dufy,
  André Derain y Maurice de Vlaminck.

• Expresionismo: surgido como reacción al
  impresionismo, los expresionistas defendían un arte
  más personal e intuitivo, donde predominase la
  visión interior del artista (la "expresión")
  frente a la plasmación de la realidad (la
  "impresión"), reflejando en sus obras una
  temática personal e intimista con gusto por lo
  fantástico, deformando la realidad para acentuar el
  carácter expresivo de la obra. Con precedentes en las
  figuras de Edvard Munch y James Ensor, se formó
  principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (Ernst
  Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Emil
  Nolde), y Der Blaue Reiter (Vasili Kandinski, Franz Marc,
  August Macke, Paul Klee), destacando igualmente Egon Schiele,
  Oskar Kokoschka, Amedeo Modigliani, Marc Chagall,
  etc.

• Cubismo: este movimiento se basó en la
  deformación de la realidad mediante la
  destrucción de la perspectiva espacial de origen
  renacentista, organizando el espacio en base a una trama
  geométrica, con visión simultánea de los
  objetos, una gama de colores fríos y apagados, y una
  nueva concepción de la obra de arte, con la
  introducción del collage. La figura principal de este
  movimiento fue Pablo Picasso, uno de los grandes genios del
  siglo XX, junto a Georges Braque, Juan Gris y Fernand
  Léger, así como Alexander Archipenko, Pablo
  Gargallo y Julio González en escultura. Una
  derivación del cubismo fue el orfismo de Robert
  Delaunay.

• Futurismo: movimiento italiano que exaltó los
  valores del progreso técnico e industrial del siglo
  XX, destacando aspectos de la realidad como el movimiento, la
  velocidad y la simultaneidad de la acción. Destacan en
  pintura Giacomo Balla y Gino Severini, y Umberto Boccioni en
  escultura.

• Dadaísmo: movimiento de reacción a los
  desastres de la guerra, el dadaísmo supuso un
  planteamiento radical del concepto de arte, que pierde
  cualquier componente basado en la lógica y la
  razón, reivindicando la duda, el azar, lo absurdo de
  la existencia. Esto se traduce en un lenguaje subversivo,
  donde se cuestionan tanto las temáticas como las
  técnicas tradicionales del arte, experimentando con
  nuevos materiales y nuevas formas de composición, como
  el collage, el fotomontaje y los ready-made. Destacan Hans
  Arp, Francis Picabia, Kurt Schwitters y Marcel
  Duchamp.

• Surrealismo: con un claro precedente en la pintura
  metafísica (Giorgio de Chirico, Carlo Carrà),
  el surrealismo puso especial énfasis en la
  imaginación, la fantasía, el mundo de los
  sueños, con una fuerte influencia del
  psicoanálisis, como se percibe en su concepto de
  "escritura automática", por la que intentan expresarse
  liberando su mente de cualquier atadura racional, mostrar la
  pureza del inconsciente. La pintura surrealista se
  movió entre la figuración (Salvador
  Dalí, Paul Delvaux, René Magritte, Max Ernst) y
  la abstracción (Joan Miró, André Masson,
  Yves Tanguy). En escultura destacan Henry Moore, Constantin
  Brâncusi, Alberto Giacometti y Alexander
  Calder.

• Arte abstracto: cuestionado el concepto de realidad
  por las nuevas teorías científicas, y con el
  surgimiento de nuevas tecnologías como la
  fotografía y el cine, que ya se encargan de plasmar la
  realidad, se produce la génesis del arte abstracto: el
  artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo
  interior, expresar sus sentimientos. El arte pierde todo
  aspecto real y de imitación de la naturaleza para
  centrarse en la simple expresividad del artista, en formas y
  colores que carecen de cualquier componente referencial.
  Iniciado por Vasili Kandinski, fue desarrollado por el
  movimiento neoplasticista (De Stijl), con figuras como Piet
  Mondrian y Theo Van Doesburg.

• Constructivismo: surgido en la Rusia revolucionaria,
  es un estilo comprometido políticamente que pretende a
  través del arte realizar una transformación de
  la sociedad, mediante una reflexión sobre las formas
  puras artísticas concebidas desde aspectos como el
  espacio y el tiempo, que generan una serie de obras de estilo
  abstracto, con tendencia a la geometrización. Destacan
  Vladímir Tatlin, Lissitzky, Anton Pevsner y Naum Gabo.
  Una variante fue el suprematismo de Kasimir
  Malevich.

• Últimas tendencias
  (1945-Actualidad):

• Informalismo: conjunto de tendencias basadas en la
  expresividad del artista, renunciando a cualquier aspecto
  racional del arte (estructura, composición,
  aplicación preconcebida del color). Incluye diversas
  corrientes como el tachismo, el art brut y la pintura
  matérica. Destacan Georges Mathieu, Hans Hartung, Jean
  Fautrier, Jean Dubuffet, Antoni Tàpies, Lucio Fontana,
  Antonio Saura, Manolo Millares, etc. En escultura cabe citar
  a Jorge Oteiza, Pablo Serrano y Eduardo Chillida. En Estados
  Unidos se desarrolló el expresionismo abstracto,
  caracterizado por la utilización de la técnica
  del dripping, el chorreado de pintura sobre la tela, sobre la
  que intervenía el artista con diversos utensilios o
  con su propio cuerpo. Entre sus miembros figuran Jackson
  Pollock, Mark Rothko, Franz Kline y Willem de
  Kooning.

• Pop-art: surgió en Estados Unidos como
  movimiento de rechazo al expresionismo abstracto, englobando
  una serie de autores que vuelven a la figuración, con
  un marcado componente de inspiración popular, tomando
  imágenes del mundo de la publicidad y de los medios de
  comunicación de masas. Con un precedente en el llamado
  New Dada (Robert Rauschenberg, Jasper Johns), destacaron en
  el pop-art Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann,
  James Rosenquist, Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton y, en
  escultura, Claes Oldenburg.

• Nuevo realismo: movimiento francés inspirado
  en el mundo de la realidad circundante, del consumismo y la
  sociedad industrial, del que extraen -al contrario que en el
  pop-art- su aspecto más desagradable, con especial
  predilección por los materiales detríticos. Sus
  representantes fueron Arman, César Baldaccini, Yves
  Klein, Jean Tinguely, Piero Manzoni, etc.

• Arte cinético: también llamado op-art
  ("arte óptico"), es un estilo que pone énfasis
  en el aspecto visual del arte, especialmente en los efectos
  ópticos, que son producidos bien por ilusiones
  ópticas (figuras ambiguas, imágenes
  persistentes, efecto de moiré), bien mediante el
  movimiento o los juegos de luces. Destacan Víctor
  Vasarely, Jesús Rafael Soto, Yaacov Agam, Julio Le
  Parc, Eusebio Sempere, etc.

• Arte de acción: son diversas tendencias
  basadas en el acto de la creación artística,
  donde lo importante no es la obra en sí, sino el
  proceso creador, en el que además del artista
  interviene a menudo el público, con un gran componente
  de improvisación. Engloba diversas manifestaciones
  artísticas como el happening, la performance, el
  environment, la instalación, etc. Entre sus figuras
  destacan Joseph Beuys, Allan Kaprow, Wolf Vostell, Yoko Ono,
  Nam June Paik, etc.

• Minimalismo: con un antecedente en la Nueva
  abstracción (o Abstracción
  postpictórica) el minimalismo fue una corriente que
  supuso un proceso de desmaterialización que
  desembocaría en el arte conceptual. Son obras de
  carácter abstracto, de acusada simplicidad, reducidas
  a un mínimo motivo, depurado al planteamiento inicial
  del autor, la base sobre la que habría desarrollado la
  idea que, sin embargo, queda plasmada en su fase inicial.
  Destacaron los pintores Robert Mangold y Robert Ryman, y los
  escultores Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd y Sol
  LeWitt.

• Hiperrealismo: como reacción al minimalismo
  surgió esta nueva corriente figurativa, caracterizada
  por su visión superlativa y exagerada de la realidad,
  que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles, con
  un aspecto casi fotográfico. Destacan Chuck Close,
  Richard Estes, Antonio López García y, en
  escultura, George Segal, famoso por sus figuras humanas en
  yeso.

• Arte conceptual: tras el despojamiento material del
  minimalismo, el arte conceptual renuncia al sustrato material
  para centrarse en el proceso mental de la creación
  artística, afirmando que el arte está en la
  idea, no en el objeto. Incluye diversas tendencias: el arte
  conceptual lingüístico, el más purista de
  la conceptualidad, centrado en la relación
  arte-lenguaje (Joseph Kosuth); el arte povera, centrado en
  las instalaciones, generalmente de materiales
  detríticos (Mario Merz, Jannis Kounellis); el
  body-art, con el cuerpo humano como soporte; el land-art, que
  utiliza la naturaleza como soporte, con un marcado componente
  efímero; el bio-art, que usa técnicas
  biológicas; etc.

• Arte postmoderno: por oposición al denominado
  arte moderno, es el arte propio de la postmodernidad. Asumen
  el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso
  del proyecto moderno: las vanguardias pretendían
  eliminar la distancia entre el arte y la vida, universalizar
  el arte; el artista postmoderno, en cambio, es
  autorreferencial, el arte habla del arte, no pretenden hacer
  una labor social. Destacan artistas individuales como Jeff
  Koons, David Salle, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring,
  Julian Schnabel, Miquel Barceló, etc.; o
  también diversos movimientos como la transvanguardia
  italiana, el neoexpresionismo alemán, el
  neomanierismo, la figuración libre, etc.

Artes Plásticas

El término "artes plásticas" deriva de la
palabra "el plastificar", que significa "moldear", se entiende
toda forma de arte que consiste en modelar o moldear en tres
dimensiones. El ejemplo más común de las artes
plásticas es la escultura. Esto se debe a escultores de
chips, talla, forma o modular una serie de materiales
tradicionales, como el mármol, granito, arenisca, hueso,
marfil, madera y terracota, así como los materiales
contemporáneos como el hormigón, aluminio y goma
espuma.

Otro tipo de arte plástico, en este caso con
arcilla, es la alfarería de cerámica, incluyendo
cerámica, mayólica, raku, gres, porcelana y
porcelana celadón.

Sin embargo, más tipos de artes plásticas
son: collage, arte de papel y origami; vidrio soplado la
metalurgia y otras formas de arte en vidrio, incluyendo mosaicos,
carpintería, así como disciplinas
contemporáneas como el arte de la tierra (incluido el
hielo escultura).

Artes visuales

Las artes visuales son formas de arte que se enfocan en
la creación de trabajos que son principalmente visuales
por naturaleza, como la pintura, y más tarde,
fotografía, impresión y el cine.

Aquellas que implican objetos tridimensionales, como la
escultura y la arquitectura, son llamadas artes
plásticas.

Muchas disciplinas consideradas artísticas como
las artes escénicas, presentan aspectos de las artes
visuales, por lo que estas definiciones no son
estrictas.

Los así llamados "grafitis" pueden ser
considerados ejemplos de artes visuales solamente si su
elaboración es considerada artística.

Composición de las Artes
visuales

En el dibujo, la escultura, la pintura, el arte
figurativo, el clásico, el moderno, el abstracto, en el
arte comercial y en el publicitario, la composición es un
factor que proporciona coherencia formal a la obra de
arte.

• Componer: Es ordenar, seleccionar, disponer,
  distribuir y estructurar elementos plásticos visuales
  que configuran la obra, teniendo en cuenta conceptos como
  equilibrio, distribución de masas, simetría,
  luz, color, etc.

• Finalidad: La composición depende de la
  intención del artista, ya que la obra debe causar
  sensaciones agradables y armoniosas, así como tener un
  significado y transmitir un mensaje claro para el
  observador.

• Factores: Existen algunos factores que influye en la
  percepción de la obra.

• Por Agrupación: Existen varias formas de
  agrupación:

• Por Proximidad: Tendemos a agrupar los elementos
  cuando estos tienen cercanía entre
  sí.

• Por semejanza: Los agrupamos cuando los elementos
  son figuras conocidas, parecidas o iguales entre
  sí.

• Por continuidad: Tendemos a agrupar los elementos a
  través de una continuidad significativa, es decir
  observamos primero los elementos principales seguido de los
  menos importantes.

• Por Figura Fondo: Tendemos a separar los elementos
  del fondo o viceversa; ya que a veces percibimos el fondo
  como figura.

• Por Contorno: El contorno separa y distingue la
  figura del fondo y está representado por una
  línea continua o discontinua o en el límite de
  dos colores diferentes, llamado línea de
  recorte.

• Por Pregnancia: Tendemos a rellenar visualmente
  aquellos espacios huecos para completar un objeto.

Lenguaje Visual

Las imágenes visuales pueden estar constituidas,
en su nivel más elemental, por color, forma y movimiento.
Mientras que en la imagen fija (estática) el movimiento es
considerado nulo, en la imagen en movimiento (dinámica) el
movimiento está presente en mayor o menor grado. En
cualquier caso, unas y otras presentan otros elementos comunes
como la textura visual y los rasgos asociados a los atributos
propios del color y de la forma (como, por ejemplo, sugerencia de
luz y de viveza) en diversas medidas. Características
perceptuales como el color, la forma, la textura visual o el
grado de dinámica son identificables en cualquier imagen o
configuración visual.

Formas y elementos visuales
básicos

A lo largo de la historia de la producción
visual, se han establecido diversas teorías en la
búsqueda de una gramática visual esencial que
intenta recoger cómo interactúan los diversos
elementos que intervienen en las imágenes. Algunas de
estas teorías, aceptan que existe una serie de formas
básicas, como son el cuadrado, el triángulo y el
círculo, de las cuales es posible derivar formas y
estructuras visuales más complejas.

Independientemente a las formas básicas, existen
un conjunto de entidades gráficas que podríamos
considerar esenciales, muy relacionadas con el dibujo
científico o sistema diédrico como son el punto, la
línea y el plano.

El punto es considerado la unidad mínima de
expresión visual por algunos teóricos de la
imagen.

La línea es un elemento esencial y básico
en la representación visual. Suele usarse para delimitar
espacios básicos o definir elementos en la
representación. La línea es un recurso esencial en
dibujo y básicamente delimita el espacio.

El plano hace referencia a una superficie delimitada
visualmente. El plano es el elemento visual básico de
representación del volumen. A través del plano se
configura el espacio tridimensional.

Artes aplicadas:

Artes visuales no tradicionales:

Arte interactivo

Designa a prácticas artísticas
contemporáneas en las cuales participa el espectador de
modo directo en la realización de la obra, no simplemente
como intérprete o receptor. Algunas esculturas se
clasifican como tal al permitir que el observador camine sobre,
en, o alrededor de la obra. Otros ejemplos incluyen ciertas
computadoras y detectores de movimiento, y otros sensores en
instalaciones interactivas. Muchas obras de net.art, software art
y arte electrónico son sumamente interactivas. A veces los
visitantes pueden explorar un ambiente de hipertexto.

Airwriting

El Airwriting se plantea como una actividad interactiva,
que mediante un aparato compuesto por leds y previamente
programado, es capaz de plasmar o "escribir" palabras en el
aire.

El mecanismo en cuestión consiste en un
dispositivo electrónico que enciende y apaga unos leds que
alternan en su iluminación, de manera que al aplicarle un
movimiento de vaivén con la mano produce el efecto
óptico de palabras iluminadas que "flotan" en el
aire.

No es importante la parte electrónica o
tecnológica. El que realiza airwriting es llamado
airwriter, que improvisa poesía en el aire; podría
tratarse de una manifestación artística conceptual,
una distorsión interactiva de la realidad más
próxima.

Caligrafía

La caligrafía (del griego ?a?????af?a) es el arte
de escribir empleando bellos signos. El término
caligrafía se puede utilizar refiriéndose a dos
conceptos diferentes: por un lado, es el arte de escribir con
letra artística y correctamente formada, [1] según
diferentes estilos; por otro, es el conjunto de rasgos que
caracterizan la escritura de una persona o de un
documento.

Una definición contemporánea de la
práctica de la caligrafía es "el arte de escribir
bello" (Mediavilla, 1996). La historia de la escritura es una
historia de evoluciones estéticas enmarcadas por las
habilidades técnicas, velocidad y limitaciones materiales
de las diferentes personas, épocas y lugares. (Diringer
1968: 441).

La caligrafía abarca desde creaciones
completamente utilitarias hasta magníficas obras de arte
donde la expresión abstracta puede (o no) adquirir
más importancia que la legibilidad de las letras
(Mediavilla, 1996). La caligrafía clásica difiere
de la tipografía y de la escritura manual no
clásica, aunque un calígrafo puede ser capaz de
crear todas ellas.

Distintos tipos de caligrafía

• Caligrafía china ó shufa: los
  caracteres chinos pueden ser trazados según cinco
  estilos históricos. Normalmente todos son realizados
  con pincel y tinta. Estos estilos están ligados
  intrínsecamente a la historia de la escritura
  china.

• El Shodo (shodo?) o Caligrafía japonesa: se
  considera un arte en Japón, y una disciplina muy
  difícil de perfeccionar; se enseña como una
  materia más a los niños japoneses durante su
  educación primaria.

• Caligrafía occidental: Desde los tiempos de
  los romanos y hasta la invención de la imprenta, la
  caligrafía ha estado ligada a la historia de la
  cultura europea y a su transmisión, cuyas
  épocas se ven reflejadas en los diferentes estilos de
  escritura. Aún después, la belleza en la
  escritura a mano ha tenido siempre una gran
  consideración como parte de la educación hasta
  tiempos muy recientes, y florece hoy en día en forma
  de invitaciones manuscritas, diseños de logos y
  tipografías, documentos conmemorativos y muchas otras
  obras que incluyen elementos de escritura.

Graffiti

Se llama graffiti (palabra plural tomada del italiano
graffiti, graffire) o pintada a varias formas de
inscripción o pintura, generalmente sobre mobiliario
urbano. La Real Academia de la lengua española designa
como "grafito" una pintada particular, y su plural
correspondiente es "grafitos".

También se llama graffiti a las inscripciones que
han quedado en paredes desde los tiempos del Imperio
romano.

En el lenguaje común, el graffiti incluye lo que
también se llama pintadas: el resultado de pintar en las
paredes letreros, frecuentemente de contenido político o
social, con o sin el permiso del dueño del inmueble, y el
letrero o conjunto de letreros de dicho carácter que se
han pintado en un lugar. También se llama grafito, por
extensión, a los eslóganes que se han popularizado
con estas técnicas; por ejemplo, los grafitos de los
disturbios de mayo de 1968 en París: L'imagination au
pouvoir (la imaginación al poder), o Sous les pavés
il y a la plage (bajo los adoquines está la playa), etc.
La expresión graffiti se usa también para referirse
al movimiento artístico del mismo nombre, diferenciado de
la pintura o como subcategoría de la misma, con su origen
en el siglo XX. Fue un movimiento iniciado en los años
1960 en Nueva York, o, según aluden fuentes
bibliográficas como getting from the underground, en
Filadelfia.

El graffiti es uno de los cuatro elementos
básicos de la cultura hip hop, donde se llama grafo o
graffiti a un tipo específico. En este sentido, una
pintada política no sería un grafito.

Color

Es un fenómeno físico de la luz o de la
visión, asociado con las diferentes longitudes de onda en
la zona visible del espectro electromagnético
(véase Radiación electromagnética). Como
sensación experimentada por los seres humanos y
determinados animales, la percepción del color es un
proceso neurofisiológico muy complejo. Los métodos
utilizados actualmente para la especificación del color se
encuadran en la especialidad llamada colorimetría, y
consisten en medidas científicas precisas basadas en las
longitudes de onda de tres colores primarios.

La luz visible está formada por vibraciones
electromagnéticas cuyas longitudes de onda van de unos 350
a unos 750 nanómetros (milmillonésimas de metro).
La luz blanca es la suma de todas estas vibraciones cuando sus
intensidades son aproximadamente iguales. En toda
radiación luminosa se pueden distinguir dos aspectos: uno
cuantitativo, su intensidad, y otro cualitativo, su cromaticidad.
Esta última viene determinada por dos sensaciones que
aprecia el ojo: la tonalidad y la saturación. Una luz
compuesta por vibraciones de una única longitud de onda
del espectro visible es cualitativamente distinta de una luz de
otra longitud de onda. Esta diferencia cualitativa se percibe
subjetivamente como tonalidad. La luz con longitud de onda de 750
nanómetros se percibe como roja, y la luz con longitud de
onda de 350 nanómetros se percibe como violeta. Las luces
de longitudes de onda intermedias se perciben como azul, verde,
amarilla o anaranjada, desplazándonos desde la longitud de
onda del violeta a la del rojo. Véase Movimiento
ondulatorio.

El color de la luz con una única longitud de onda
o una banda estrecha de longitudes de onda se conoce como color
puro. De estos colores puros se dice que están saturados,
y no suelen existir fuera del laboratorio. Una excepción
es la luz de las lámparas de vapor de sodio empleadas en
ocasiones para la iluminación de calles y carreteras, que
es de un amarillo espectral casi completamente saturado. La
amplia variedad de colores que se ven todos los días son
colores de menor saturación, es decir, mezclas de luces de
distintas longitudes de onda.

Absorción del Color

No se conoce bien el mecanismo por el que las sustancias
absorben la luz. Aparentemente, el proceso depende de la
estructura molecular de la sustancia. En el caso de los
compuestos orgánicos, sólo muestran color los
compuestos no saturados (véase Química
orgánica), y su tonalidad puede cambiarse
alterándolos químicamente. Los compuestos
inorgánicos suelen ser incoloros en solución o en
forma líquida, salvo los compuestos de los llamados
elementos de transición.

El color también se produce por otras formas que
no son la absorción de luz. Las irisaciones de la
madreperla o de las burbujas de jabón son causadas por
interferencia. Algunos cristales presentan diferentes colores
según el ángulo que forma la luz que incide sobre
ellos: este fenómeno se denomina pleocroísmo. Una
serie de sustancias muestran colores diferentes según sean
iluminadas por luz transmitida o reflejada. Por ejemplo, una
lámina de oro muy fina aparece verde bajo luz transmitida.
Las luces de algunas gemas, en particular del diamante, se deben
a la dispersión de la luz blanca en los tonos espectrales
que la componen, como ocurre en un prisma. Algunas sustancias, al
ser iluminadas por luz de una determinada tonalidad, la absorben
e irradian luz de otra tonalidad, cuya longitud de onda es
siempre mayor. Este fenómeno se denomina fluorescencia o,
cuando se produce de forma retardada, fosforescencia
(véase Luminiscencia). El color azul del cielo se debe a
la difusión de los componentes de baja longitud de onda de
la luz blanca del Sol por las moléculas de gas de la
atmósfera. Una difusión similar puede observarse en
una sala de cine a oscuras. Visto desde un lado, el haz de luz
del proyector parece azulado debido a las partículas de
polvo que hay en el aire. Véase también Daltonismo;
Óptica; Radiación.

Cultura

El término cultura, que proviene del latín
cultus, hace referencia al cultivo del espíritu humano y
de las facultades intelectuales del hombre. Su definición
ha ido mutando a lo largo de la historia: desde la época
del Iluminismo, la cultura ha sido asociada a la
civilización y al progreso.

En general, la cultura es una especie de tejido social
que abarca las distintas formas y expresiones de una sociedad
determinada. Por lo tanto, las costumbres, las prácticas,
las maneras de ser, los rituales, los tipos de vestimenta y las
normas de comportamiento son aspectos incluidos en la
cultura.

Otra definición establece que la cultura es el
conjunto de informaciones y habilidades que posee un individuo.
Para la UNESCO, la cultura permite al ser humano la capacidad de
reflexión sobre sí mismo: a través de ella,
el hombre discierne valores y busca nuevas
significaciones.

Según el enfoque analítico que se siga, la
cultura puede ser clasificada y definida de diversas maneras. Por
ejemplo, hay estudiosos que han dividido a la cultura en
tópica (incluye una lista de categorías),
histórica (la cultura como herencia social), mental
(complejo de ideas y hábitos), estructural
(símbolos pautados e interrelacionados) y simbólica
(significados asignados en forma arbitraria que son compartidos
por una sociedad).

La cultura también puede diferenciarse
según su grado de desarrollo: primitiva (aquellas culturas
con escaso desarrollo técnico y que no tienden a la
innovación), civilizada (se actualiza mediante la
producción de nuevos elementos), pre-alfabeta (no ha
incorporado la escritura) y alfabeta (utiliza tanto el lengua
escrito como el oral).

Por último, cabe destacar que en las sociedades
capitalistas modernas existe una industria cultural, con un
mercado donde se ofrecen bienes culturales sujetos a las leyes de
la oferta y la demanda de la economía.

Creatividad

La creatividad es la capacidad de crear, de producir
cosas nuevas y valiosas, es la capacidad de un cerebro para
llegar a conclusiones nuevas y resolver problemas en una forma
original. La actividad creativa debe ser intencionada y apuntar a
un objetivo. En su materialización puede adoptar, entre
otras, forma artística, literaria o científica, si
bien, no es privativa de ningún área en particular.
La creatividad es el principio básico para el mejoramiento
de la inteligencia personal y del progreso de la sociedad y es
también, una de las estrategias fundamentales de la
evolución natural. Es un proceso que se desarrolla en el
tiempo y que se caracteriza por la originalidad, por la
adaptabilidad y por sus posibilidades de realización
concreta.

Creatividad es la producción de una idea, un
concepto, una creación o un descubrimiento que es nuevo,
original, útil y que satisface tanto a su creador como a
otros durante algún periodo.

Todos nacemos con una capacidad creativa que luego puede
ser estimulada o no. Como todas las capacidades humanas, la
creatividad puede ser desarrollada y mejorada. Así,
existen muchas técnicas para aumentar y desarrollar la
capacidad creativa. Una de las más interesantes es la
conocida como mapas mentales.

Inteligencia

El término inteligencia proviene del latín
intelligentia, que a su vez deriva de inteligere. Esta es una
palabra compuesta por otros dos términos: intus ("entre")
y legere ("escoger"). Por lo tanto, el origen etimológico
del concepto de inteligencia hace referencia a quien sabe
escoger: la inteligencia permite seleccionar las mejores opciones
para solucionar una cuestión.

Las definiciones de inteligencia pueden clasificarse en
distintos grupos: la inteligencia psicológica (la
capacidad cognitiva, de aprendizaje y relación), la
inteligencia biológica (la capacidad de adaptación
a nuevas situaciones), la inteligencia operativa y otras. En
todos los casos, la inteligencia abarca la capacidad de entender,
asimilar, elaborar información y utilizarla en forma
adecuada.

Ante el carácter complejo de la inteligencia, el
concepto sólo puede ser definido en forma parcial,
mediante la enumeración de atributos y procesos.
Según el psicólogo estadounidense Howard Gardner,
de la Universidad de Harvard, la inteligencia es el potencial de
cada ser humano, que no puede ser cuantificado sino que
sólo puede observarse y desarrollarse mediante ciertas
prácticas.

Más allá de esta postura teórica,
la ciencia ha elaborado diversos conceptos y mecanismos para
medir la inteligencia, generalmente a través del cociente
intelectual de los individuos. Este dato se calcula mediante la
psicometría, que es la disciplina encargada de las
mediciones psicológicas.

Por último, cabe destacar que existe el concepto
de inteligencia artificial, desarrollado para referirse a los
sistemas creados por los seres humanos. Un sistema de
inteligencia artificial debe ser capaz de planear, resolver
problemas, pensar de manera abstracta, comprender ideas y
lenguajes, y aprender.

Inteligencia Múltiple

Se pueden distinguir distintos tipos o clases de
inteligencia, como la inteligencia biológica, la
inteligencia operativa o la inteligencia
psicológica.

Para el psicólogo norteamericano Howard Gardner,
la inteligencia es el potencial de cada persona. Dicho potencial
no puede ser cuantificado, sino que sólo puede observarse
y, a través de ciertas prácticas,
desarrollarse.

Gardner es famoso por haber propuesto el modelo de
inteligencia múltiple, donde afirma que la inteligencia es
un conjunto de capacidades específicas con distinto nivel
de generalidad. Así, la inteligencia deja de ser
considerada como algo unitario y se transforma en diversas
inteligencias múltiples e independientes.

Este psicólogo partió de algo que puede
apreciarse en la vida cotidiana: la inteligencia trasciende la
capacidad académica o intelectual. Existen personas con
doctorados y especializaciones pero que no saben escoger pareja o
que fracasan en los negocios, lo que demuestra que no hay una
única inteligencia.

La teoría de inteligencia múltiple de
Gardner reconoce ocho tipos de inteligencia: la inteligencia
intrapersonal (capacidad de autocomprensión y control de
la propia vida sentimental y emocional), la inteligencia
interpersonal (la comprensión de las intenciones y deseos
de los demás), la inteligencia lingüística
(vinculada a la capacidad para comprender el significado y el
orden de las palabras en la lectura, la escritura y la
conversación), la inteligencia espacial (la
representación visual de ideas y la creación de
imágenes mentales), la inteligencia musical (facultad para
analizar y crear música), la inteligencia
lógica-matemática (para identificar modelos,
realizar cálculos, establecer y comprobar hipótesis
y utilizar el método científico), la inteligencia
naturalista (el reconocimiento de las relaciones que existen
entre distintos grupos de objetos o personas) y la inteligencia
corporal-cinética (habilidades para utilizar la fuerza, la
flexibilidad, la coordinación y el equilibrio del
cuerpo).

Ignorancia

Ignorancia (del latín ignorantia) es la falta de
conocimientos en particular o de cultura en general. La persona
que ignora algo no lo conoce o no lo comprende. Por ejemplo: "No
me hables de química: mi ignorancia en esa materia es
absoluta", "La ignorancia sólo se combate con
educación".

La ignorancia, por lo tanto, puede considerarse en
sentido absoluto (la persona o el grupo social que carece de
formación: "Hay mucha ignorancia en este país", "A
los poderosos les resulta conveniente que haya ignorancia en el
pueblo: así es más fácil someterlo") o
respecto a un contenido concreto (cuando alguien no conoce algo
determinado: "Decidí realizar un curso para terminar con
mi ignorancia sobre computación").

Más allá de la ausencia de conocimiento,
la ignorancia también puede estar dada por la
imperfección en los contenidos del saber o por la falta de
validez de la información que se maneja:
"¡Qué ignorancia! El vecino está convencido
que Río de Janeiro es la capital de Chile".

La ignorancia, a nivel general, es una herramienta para
mantener el statu quo. Cuando las personas no saben algo, no
pueden cambiarlo. En otras palabras: primero hay que conocer la
realidad para, entonces, poder modificarla.

Algunas creencias culturales o religiosas son un reflejo
de la ignorancia. La persona que decide llevar a su hijo enfermo
a un brujo en lugar de un médico refleja que no conoce la
importancia de los sistemas de salud. Aquel que no hace nada para
cambiar su situación personal porque cree que todo obedece
a la voluntad divina también muestra su
ignorancia.

Aprendizaje

Podemos definir el aprendizaje como un proceso de cambio
relativamente permanente en el comportamiento de una persona
generado por la experiencia (Feldman, 2005). En primer lugar,
aprendizaje supone un cambio conductual o un cambio en la
capacidad conductual. En segundo lugar, dicho cambio debe ser
perdurable en el tiempo. En tercer lugar, otro criterio
fundamental es que el aprendizaje ocurre a través de la
práctica o de otras formas de experiencia (p. ej.,
observando a otras personas).

Debemos indicar que el término "conducta" se
utiliza en el sentido amplio del término, evitando
cualquier identificación reduccionista de la misma. Por lo
tanto, al referir el aprendizaje como proceso de cambio
conductual, asumimos el hecho de que el aprendizaje implica
adquisición y modificación de conocimientos,
estrategias, habilidades, creencias y actitudes (Schunk,
1991).

Tipos de aprendizaje

La siguiente es una lista de los tipos de aprendizaje
más comunes citados por la literatura de
pedagogía:

• Aprendizaje receptivo: en este tipo de aprendizaje
  el sujeto sólo necesita comprender el contenido para
  poder reproducirlo, pero no descubre nada.

• Aprendizaje por descubrimiento: el sujeto no recibe
  los contenidos de forma pasiva; descubre los conceptos y sus
  relaciones y los reordena para adaptarlos a su esquema
  cognitivo.

• Aprendizaje repetitivo: se produce cuando el alumno
  memoriza contenidos sin comprenderlos o relacionarlos con sus
  conocimientos previos, no encuentra significado a los
  contenidos.

• Aprendizaje significativo: es el aprendizaje en el
  cual el sujeto relaciona sus conocimientos previos con los
  nuevos dotándolos así de coherencia respecto a
  sus estructuras cognitivas.

• Aprendizaje observacional: tipo de aprendizaje que
  se da al observar el comportamiento de otra persona, llamada
  modelo.

• Aprendizaje latente: aprendizaje en el que se
  adquiere un nuevo comportamiento, pero no se demuestra hasta
  que se ofrece algún incentivo para
  manifestarlo.

Teorías de aprendizaje

El aprendizaje y las teorías que tratan los
procesos de adquisición de conocimiento han tenido durante
este último siglo un enorme desarrollo debido
fundamentalmente a los avances de la psicología y de las
teorías instruccionales, que han tratado de sistematizar
los mecanismos asociados a los procesos mentales que hacen
posible el aprendizaje. Existen diversas teorías del
aprendizaje, cada una de ellas analiza desde una perspectiva
particular el proceso. Algunas de las más difundidas
son:

• Teorías Conductistas:

• Condicionamiento clásico: Desde la
  perspectiva de I. Pávlov, a principios del siglo XX,
  propuso un tipo de aprendizaje en el cual un estímulo
  neutro (tipo de estímulo que antes del
  condicionamiento, no genera en forma natural la respuesta que
  nos interesa) genera una respuesta después de que se
  asocia con un estímulo que provoca de forma natural
  esa respuesta. Cuando se completa el condicionamiento, el
  antes estimulo neutro procede a ser un estimulo condicionado
  que provoca la respuesta condicionada.

• Conductismo: Desde la perspectiva conductista,
  formulada por B.F. Skinner (Condicionamiento operante) hacia
  mediados del siglo XX y que arranca de los estudios
  psicológicos de Pavlov sobre Condicionamiento
  clásico y de los trabajos de Thorndike
  (Condicionamiento instrumental) sobre el esfuerzo, intenta
  explicar el aprendizaje a partir de unas leyes y mecanismos
  comunes para todos los individuos. Fueron los iniciadores en
  el estudio del comportamiento animal, posteriormente
  relacionado con el humano. El conductismo establece que el
  aprendizaje es un cambio en la forma de comportamiento en
  función a los cambios del entorno. Según esta
  teoría, el aprendizaje es el resultado de la
  asociación de estímulos y
  respuestas.

Reforzamiento. B.F. Skinner propuso para el aprendizaje
repetitivo un tipo de reforzamiento, mediante el cual un
estímulo aumentaba la probabilidad de que se repita un
determinado comportamiento anterior. Desde la perspectiva de
Skinner, existen diversos reforzadores que actúan en todos
los seres humanos de forma variada para inducir a la
repetitividad de un comportamiento deseado. Entre ellos podemos
destacar: los bonos, los juguetes y las buenas calificaciones
sirven como reforzadores muy útiles. Por otra parte, no
todos los reforzadores sirven de manera igual y significativa en
todas las personas, puede haber un tipo de reforzador que no
propicie el mismo índice de repetitividad de una conducta,
incluso, puede cesarla por completo.

• Teorías Cognitivas:

• Aprendizaje por descubrimiento: La perspectiva del
  aprendizaje por descubrimiento, desarrollada por J. Bruner,
  atribuye una gran importancia a la actividad directa de los
  estudiantes sobre la realidad.

• Aprendizaje significativo (D. Ausubel, J. Novak):
  postula que el aprendizaje debe ser significativo, no
  memorístico, y para ello los nuevos conocimientos
  deben relacionarse con los saberes previos que posea el
  aprendiz. Frente al aprendizaje por descubrimiento de Bruner,
  defiende el aprendizaje por recepción donde el
  profesor estructura los contenidos y las actividades a
  realizar para que los conocimientos sean significativos para
  los estudiantes.

• Cognitivismo: La psicología cognitivista
  (Merrill, Gagné…), basada en las teorías del
  procesamiento de la información y recogiendo
  también algunas ideas conductistas (refuerzo,
  análisis de tareas) y del aprendizaje significativo,
  aparece en la década de los sesenta y pretende dar una
  explicación más detallada de los procesos de
  aprendizaje.

• Constructivismo: Jean Piaget propone que para el
  aprendizaje es necesario un desfase óptimo entre los
  esquemas que el alumno ya posee y el nuevo conocimiento que
  se propone. "Cuando el objeto de conocimiento esta alejado de
  los esquemas que dispone el sujeto, este no podrá
  atribuirle significación alguna y el proceso de
  enseñanza/aprendizaje será incapaz de
  desembocar". Sin embargo, si el conocimiento no presenta
  resistencias, el alumno lo podrá agregar a sus
  esquemas con un grado de motivación y el proceso de
  enseñanza/aprendizaje se lograra
  correctamente.

• Socio-constructivismo: Basado en muchas de las ideas
  de Vigotski, considera también los aprendizajes como
  un proceso personal de construcción de nuevos
  conocimientos a partir de los saberes previos (actividad
  instrumental), pero inseparable de la situación en la
  que se produce. El aprendizaje es un proceso que está
  íntimamente relacionado con la sociedad.

• Teoría del procesamiento de la
  información:

• Teoría del procesamiento de la
  información: La teoría del procesamiento de la
  información, influida por los estudios
  cibernéticos de los años cincuenta y sesenta,
  presenta una explicación sobre los procesos internos
  que se producen durante el aprendizaje.

• Colectivismo: Pertenece a la era digital, ha sido
  desarrollada por George Siemens que se ha basado en el
  análisis de las limitaciones del conductismo, el
  cognitivismo y el constructivismo, para explicar el efecto
  que la tecnología ha tenido sobre la manera en que
  actualmente vivimos, nos comunicamos y aprendemos.

Aprobación

La acción y efecto de aprobar se conoce como
aprobación. El término procede del latín
approbatio, mientras que el verbo aprobar refiere a dar por bueno
o suficiente algo o a alguien.

La aprobación también consiste en asentir
a una doctrina o coincidir con una opinión o propuesta:
"El público dio su aprobación al discurso del
candidato con un fuerte aplauso", "Intenté conseguir un
cambio en las condiciones de su plan, pero mi jefe no me dio su
aprobación".

Obtener una calificación de aprobado en un examen
o evaluación también recibe el nombre de
aprobación: "Estoy a punto de recibirme, sólo me
tienen que confirmar la aprobación de un examen", "Ya
presenté el trabajo final, pero el profesor me dijo que no
puede darme la aprobación".