Historia del diseño gráfico

Introducción

Tomando como punto de partida a los últimos
sesenta años del siglo XV que enmarcaron el nacimiento y
desarrollo de la tipografía, las secuelas de las
iniciativas y experimentaciones gráficas surgen en el
siglo XVI con la energía creadora con que se dieron origen
a innovadores diseños de tipos, normas de
composición, ilustraciones y encuadernaciones,
conjuntamente con representantes de gran prestigio.

En el presente trabajo se analizarán los
principales acontecimientos que enmarcaron a los siglos de
transición y normalización (siglos XVI al XIX). En
lo que refiere a la historia del diseño gráfico,
cabe destacar la influencia que tuvieron hechos como la
Revolución Francesa y la Revolución Industrial,
para el desarrollo del comercio y de la actividad
publicitaria.

Además, es importante tomar en cuenta que muchos
aspectos políticos, sociales y religiosos de cada
época, han influido en la evolución o retroceso en
lo que concierne a los trabajos impresos, desde la
creación de los tipos de letras, el trabajo
tipográfico, hasta la aparición de los libros,
periódicos, enciclopedias y carteles que se
tratarán a continuación.

Londres y
París, capitales del diseño gráfico
comercial del siglo XIX

En 1814 se inaugura oficialmente la era de la
mecanización de la industria de la impresión
incorporando la máquina semiautomática proyectada
por el alemán Friedrich Köenig, posteriormente surge
la linotipia.

El uso de este nuevo proceso condujo a un cambio
conceptual notable, ya que la sustitución de las arcaicas
prensas permitió la ampliación de los formatos de
papel a imprimir, con lo cual los papeles y las letras pudieron
superar los límites de los anteriores pequeños y
estrechos formatos.

En este siglo se crean las tipologías Finas,
Negras y Supernegras (según el grueso del palo), y las
Estrechas o chupadas y Anchas (según el ojo de la letra),
así mismo se distinguen tres familias genuinas: las
Egipcias, las Antiguas, grotescas o góticas y la escritura
Inglesa.

Otro acontecimiento relevante fue la Revolución
Industrial, la cual impulsó el desarrollo del comercio. En
lo que compete directamente al diseño gráfico,
Rowland Hill crea el sello de correos, se asume la técnica
del grabado calcográfico como unidad estilística
propia y aparece el billete con el uso del papel moneda. La
publicidad directa empieza a perfilarse como estrategia e
instrumento propagador y embellecedor, así surge otro
elemento innovador: el uso de la figura femenina como elemento
simbólico de atracción.

La
industrialización de las artes gráficas. Siglo
XX

El desarrollo de la nueva tecnología de
composición y prensa en las últimas décadas
del siglo XIX, luego de muchos años de impresión
manual, produjo muchos cambios importantes en los esquemas de
trabajo dentro de las artes gráficas debido a la
Automatización y a la Especialización. Aparecieron
especialistas en cada fase del proceso, reduciendo las funciones
de los tipógrafos, así comenzaron a surgir
diseñadores de tipos, fundidores, compositores,
fabricantes de papel, encuadernadores, editores, impresores,
etc.

La tecnología pasó de lo manual a lo
mecánico y a lo automático, y de un mercado
limitado a uno masivo. Creció la demanda del material
impreso y el desarrollo de la publicidad fomentó el
crecimiento de las ventas de diarios y revistas, recuperando a su
vez el uso del Cartel Publicitario.

Una nueva generación de diseñadores surge
en el siglo XX rechazando el gusto por los estilos
históricos (neoclasicismo, neogótico, etc.) dando
como resultado un nuevo arte: Art Nouveau o Modernismo, el cual
incluía ideas procedentes de todas las disciplinas del
diseño y el arte (arquitectura, pintura, diseño de
muebles, cerámicas, joyería, diseño
industrial, ingeniería de la construcción, cine,
fotografía, etc.), acelerando la evolución en el
arte de vanguardia y en el diseño, el Art Nouveau
creó al diseño gráfico como oposición
al puramente tipográfico, no solo como un medio de
comunicación de ideas nuevas, sino también para su
expresión.

La tecnología proporcionó nuevos medios
gráficos a ilustradores y diseñadores, afianzando
al Modernismo como el estilo dominante del siglo XX. Cabe
destacar que las grandes invenciones que se produjeron entre 1850
y 1910 ayudaron a difundir las comunicaciones visuales y a
inspirar a los diseñadores, entre ellas tenemos: la
máquina de escribir, el clisé pluma, la trama, el
proceso de impresión en color, la fotografía en
color, la composición automática, la
instantánea, la fotografía de rayos X, la
película de animación, las diapositivas de linterna
mágica, entre otros.

Entre las influencias del estilo modernista en el
diseño gráfico podemos resaltar que el estilo
radical, anarquista, nihilista de Dada y los experimentos
tipográficos de cubistas y futuristas funcionaron como una
línea divisoria. Es así como se desecharon los
estilos tradicionales de tipografía y layout, dando paso a
la evolución de un estilo alternativo y adecuadamente
moderno de layout con nuevas tipografías
mecánicas.

Los principios inspirados por la revolución que
produjo en la industria, la arquitectura y la
construcción, la nueva maquinaria industrial, el
automóvil, el rascacielos, la Torre Eiffel, los
gigantescos edificios, las fabricas y los ferrocarriles, dieron
paso a la construcción modular en cuadrícula de los
edificios de estructura de acero, la cual se convirtió en
una metáfora para la construcción de la
página y en una herramienta fundamental del diseño
gráfico, estos principios arquitectónicos se
aplicaron directamente a las artes gráficas en las
estructuras básicas dentro de las cuales se desarrollaron
los estilos asimétricos y no tradicionales del
modernismo.

Movimiento
Moderno y Neomoderno

La pedagogía del diseño Moderno es la
disposición repetitiva de una colección de signos
según determinadas reglas de combinación. La tarea
predominante de la teoría moderna del diseño ha
sido organizar los elementos geométricos y
tipográficos en relación con oposiciones formales
tales como ortogonal / diagonal, estático /
dinámico, figura / fondo, lineal / plano o regular /
irregular.

Suiza fue el centro ideológico de la
teoría moderna del diseño en los años
cincuenta y sesenta, donde la intuición se
convirtió en un elemento clave en ecuaciones
racionalistas, donde se aplicaban afirmaciones como: Entre
más exactos y completos son los criterios, tanto
más creativa es la obra.

En los comienzos de los años setenta, la
unión entre el sistema racional y la elección
intuitiva se convirtió en la preocupación central
para algunos diseñadores que laboraban en el idioma
moderno, por ese motivo se pensó en las alternativas que
ofrecía el proyecto Neomoderno de personalizar los
lenguajes modernos, aparte de retorno al ideal de una
comunicación universal libre de valores.

Los limitados vocabularios formales del contructivismo
fueron intentos para lograr un orden lingüístico,
cultural o psicológico que regulara el acto creativo
individual, más que personalizar lo moderno, lo neomoderno
trató de priorizar el poder y la capacidad penetrante de
los lenguajes que utilizamos.

Principales
representantes del diseño

A lo largo de la historia gran diversidad
de movimientos artísticos se han visto representados por
importantes diseñadores, entre ellos Aubrey V. Beardsley,
quien destaca como dibujante y es llamado "el discípulo
del diablo". Beardsley fue gran opositor de las ideas de William
Morris y se caracterizó por su gusto por reflejar el arte
decadentista de fines del siglo XIX, influido por el arte
oriental utilizó ornamentos con este estilo y se observa
también en sus diseños el predominio de los
espacios en blanco, brilló en la ilustración de
libros como "Salomé" de Oscar Wilde (1894).

Otros representantes destacados fueron el notable
arquitecto ingles de la segunda mitad del siglo XVII, Christopher
Wren y el acuarelista y pintor Walter Crane, precursor del
renacimiento de las artes (Modernismo) y del Art and Craft. Crane
ilustró libros de cuentos infantiles como El Grimm, Robin
Hood y Don Quijote.

Cabe destacar que el Modernismo se caracterizó
por el uso de formas geométricas, simples y sin
ornamentos, aunadas a una tipografía igualmente sencilla.
Y el Art and Craft se refiere al grupo de artesanos, artistas,
diseñadores y arquitectos que se propusieron levantar el
estado de las artes aplicadas, al de las bellas artes.
Principalmente inspirado por William Morris, otros artistas
importantes en el movimiento fueron Henry Holiday, Walter Crane,
el arquitecto y diseñador Philip Webb, Alejandro Fisher y
Christopher Whall.

Uno de los más notables precursores del
racionalismo fue el arquitecto británico Charles R.
Mackintosh, quien se destacó por sus construcciones
geométricas. Se caracterizó por su
dedicación en la elaboración de carteles, muebles y
objetos ornamentales, y por la búsqueda de la
estilización de las formas rectangulares combinadas con
suaves curvas.

Otro importante representante fue Arthur H. Mackmurdo,
quien estudió arquitectura bajo la tutela de James Brooks
y asistió a clases de dibujo por John Ruskin. Su
admiración por el Renacimiento lo llevó a creer en
la unidad de las artes, y en 1882 junto con su estudiante Herbert
P. Horne, y el artista Image de Selwyn, Mackmurdo fundó el
Gremio del Siglo, el periódico del Gremio: "El Caballo de
la Afición", fue diseñado inicialmente por
Mackmurdo.

El británico William Nicholson fue pintor,
impresor y diseñador de teatro. Empezó su carrera
profesional como diseñador de carteles y como ilustrador
de libros, donde los contrastes llamativos de negro y blanco de
su técnica del woodcutting fue acostumbrado a gran
efecto.

En 1894, Nicholson empezó colaborando en planes
del cartel con sus cuñado James Pryde y los dos se dieron
a conocer como los Hermanos de Beggerstaff (Beggarstaff
Brothers).

Ya en 1890 Nicholson empezó a hacer bojs y a
experimentar con la suma de tintes sutiles de verde y ocre a sus
composiciones negras y blancas. Nicholson se conoció
pronto por su habilidad e innovación en el medio, elevando
la forma de arte a un nivel alto de éxito, ambos
estéticamente y comercialmente. En 1897, el artista
produjo su retrato: Reina Victoria, el cual es una de las
impresiones británicas más famosas.

Influencia del
estilo vanguardista Art Pop

El Art Pop o Arte Popular, es un producto
típicamente norteamericano (aunque también se
desarrolló en 1950 en Inglaterra), que aspiraba a ser un
arte testimonial del tiempo que se vivía.

Se caracteriza por inspirarse en la vida de
la ciudad, tomando como elementos de expresión los
productos masivos de la cultura, es figurativa y emplea objetos
de uso diario de la sociedad consumista: botellas de coca cola,
latas de cerveza, neveras, autos, comics, personajes del cine y
la canción, etc.

Utiliza procedimientos dadaístas (ready mades),
hiperrealistas (fidelidad fotográfica) y cubistas
(collages). Predomina el colorido brillante, con tintes
fluorescentes y acrílicos de colores vivos.

Dentro de este arte se destacan artistas como Jasper
Johns, Andy Warhol, C. Oldenburg, George Seagal, Peter
Blake y Roy Lichtenstein.

El diseño
gráfico en Latinoamérica

Colombia es uno de los países con mayor
tradición histórica en el campo de las artes
gráficas, la obra impresa más antigua del
país data del siglo XVII. La figura colombiana más
relevante es David Consuegra (1939), quien fundó un grupo
en la Universidad de Bogotá brindando su experiencia y
talento. Otros representantes del diseño en Colombia son
Marta Granados, Antonio Grass y Dicken Castro.

En Perú el verdadero pionero del diseño
gráfico peruano moderno es Claude Dieterich (1930), quien
después de trabajar en Paris en diversas agencias de
publicidad y en el diseño de revistas, se establece en
Lima implementando las influencias europeas en el diseño
gráfico contemporáneo de América
Latina.

El primer periódico editado en Venezuela en 1808,
marca los orígenes de la imprenta en este país, y
la iniciativa de mejorar el diseño de los sellos de la
Administración de Correos se debió a un grupo de
diseñadores y artistas venezolanos en la que mejoró
notablemente la calidad del diseño venezolano.

Cabe destacar a Gerd Leufert quien se estableció
en Caracas y fue autor de 26 sellos para la Administración
de Correos y es calificado como el padre del diseño
gráfico venezolano. Y M.F. Nedo es el segundo pionero
moderno del diseño venezolano quien inició su larga
e intensa colaboración con Gerd Leufert en la agencia de
publicidad McCann Erickson.

En México se establece la tipografía en
1539, fray Juan de Zumarraga es el autor del primer libro impreso
en América, casi doscientos años antes de la famosa
Biblia de Gutemberg de América Latina impresa en
Argentina. Durante el siglo XVIII se ocuparon básicamente
de reproducir imaginería religiosa, poco después en
1830, la litografía se ocupó también de esos
menesteres añadiendo sátiras de costumbres y
caricaturas políticas en periódicos similares a los
europeos.

"…la obra del insigne xilógrafo
José Guadalupe Posada, por ejemplo, hay que enmarcarla en
la historia del diseño gráfico. Por varias
razones…José Guadalupe Posada, solo, fue capaz de
hacer una producción casi tan abundante y variada como lo
fue la francesa…"[1]

Otros artistas gráficos de gran
relevancia además de José Guadalupe Posada,
fueron: Trinidad Pedroza, Orozco, Diego Rivera, Leopoldo Mendez,
Julio Ruelas, Miguel Cobarrubias, entre otros.

En Cuba se disponía de una larga tradición
en diseño gráfico aplicado al consumo,
probablemente la más antigua de Latinoamérica,
antes de mediar el siglo XIX disponía de talleres
litográficos y de una practica aceptable en el
procedimiento inventado en Alemania, acercando por primera vez a
un país sudamericano a uno de los paises más
desarrollados de la vieja Europa.

Indudablemente la historia del diseño cubano en
litografía la escribió Francisco Murtra, la de la
tipografía José Mora y la del cartelismo (y por
extensión, de todo el diseño gráfico) Felix
Beltrán.

En Argentina prevalece una fuerte influencia francesa,
los mejores cartelistas argentinos de la historia son Arnaldi y
Valerian Guillard. En los años sesenta este país
era la primera potencia de América Latina en la
edición de libros y otros materiales de lectura como por
ejemplo, los diarios. Sin embargo, la ilustración es la
especialidad en la que los argentinos han tenido mayor
proyección, destacándose Castagnino, Sabat, Quino,
Mordillo y Tomás Maldonado.

La tipografía llega tarde a Brasil, a pesar de
esto el establecimiento de las sucursales de las grandes agencias
de publicidad americanas, que coincide con el primer gran
desarrollo industrial y mercantil del Brasil, permite la
introducción de las más modernas formas de
producción industrial, con lo que los brasileros aprenden
a diseñar anuncios publicitarios en 1940.

El origen del diseño gráfico brasilero
puede determinarse por medio de los pioneros Aloisio Sergio
Magalhaes y Alexandre Wollner. En 1962 se inauguró en
Río de Janeiro la primera Escuela Superior de
diseño Industrial, la cual ha contado con profesores de
altísimo nivel como Gui Bonsieppe.

Últimas
tendencias: el diseño computarizado

Los avances tecnológicos y computarizados dieron
paso a una gran evolución del diseño
gráfico, facilitando herramientas para la creación
de diseños innovadores y de gran originalidad. Al
respecto, cabe destacar el uso de programas como Photoshop,
Corel Draw, Phox-pro, Free Hand, Adobe Ilustrator,
Macromedia Flash, Page Maker, entre otros.

Los programas como Corel Draw y Free Hand son los
mejores programas gráficos de nuestra época, ya que
han sabido capturar la imaginación del artista, ofreciendo
desde un principio la posibilidad de hacerla realidad.
Además, han solucionado con la evolución de sus
programas, ciertas áreas problemáticas y al mismo
tiempo han incorporado nuevas herramientas, entre las mejoras
destaca el perfeccionado modulo de impresión, el cual nos
permite hacer uso de una práctica
mini-previsualización de la impresión.

En Corel Draw los clásicos efectos como las
Mezclas o los Contornos han encontrado su lugar en un nuevo
Menú de Herramientas Interactivo. Este menú es un
nuevo residente de la Caja de Herramientas y nos da acceso a
todas las herramientas interactivas. Estos cambios, nos obligan
ha usar el programa de una manera más productiva y
eficiente.

En otro orden de ideas, los programas como Photoshop
permiten con sus múltiples herramientas crear y
diseñar a base de un material fotográfico, variedad
de efectos especiales, con los que podemos lograr maravillosos
fotomontajes, dibujos, efectos de luces, texturas etc.

Durante el siglo XX, los medios de comunicación
aportaron con su desarrollo tecnológico un mayor control
del proceso gráfico a los diseñadores, ya que en
los años 90 las nuevas formas de comunicación de la
era digital presentaron nuevos desafíos, como es el caso
del sistema de distribución de información World
Wide Web (W.W.W.), contribuyendo a una rápida
evolución del diseño gráfico a nivel
mundial.

Las páginas web son documentos
electrónicos con enlaces de hipertexto o hipermedia que
posibilitan la navegación virtual por las informaciones
disponibles en Internet. Hasta 1993 la labor de crear
páginas web estuvo reservada a los técnicos en
informática que sabían manejar las etiquetas
códigos HTML (Hipertext Markup Languaje / Lenguaje de
Marcas de Hipertexto), necesarios para la composición de
los elementos de presentación visual, y por este motivo
las páginas presentaban fondo gris, texto y alguna
decoración.

Con la incorporación de nuevas
tecnologías y la llegada de los primeros editores HTML, la
web posee ahora mucho más colorido en sus fondos y
también diferentes texturas, botones, barras y una
infinidad de iconos. La W.W.W. es un nuevo y complejo campo para
el diseño gráfico, que permite
múltipleDISEÑO GRÁFICO EN
PC

Para abordar el estudio de Diseño
Gráfico en PC, es necesario tener presente los aspectos
teóricos, heredado de la tradición cultural, que
abarcan distintas disciplinas, con la finalidad de establecer un
principio común y un orden de prioridades.

Cabe acotar también que la
computación, en tal sentido, no queda al margen de ninguna
profesión y en cada una puede ofrecer distintos aportes.
Por ejemplo: Un diseñador de modas podrá realizar
bocetos manualmente, pero también puede escanear los
dibujos como paso previo para la publicación de sus
trabajos en revistas especializadas.

A fin de ofrecer un orden
esquemático, se puede subdividir en teorías
generales y aporte tecnológico.

1 TEORÍAS GENERALES

Abarcan un conjunto de aspectos
teóricos, cuyo orden es el siguiente: Diseño
Gráfico, Gestalt, Signo, Color, Imagen y
Publicidad.

1.1 DISEÑO GRÁFICO

Para definir al Diseño
Gráfico se puede recurrir al desdoblamiento de los
términos: "La palabra "diseño" se usará para
referirse al proceso de programar, proyectar, coordinar,
seleccionar y organizar una serie de factores y elementos con
miras a la realización de objetos destinados a producir
comunicaciones visuales. La palabra "diseño" se
usará también en relación con los
objetos creados por esa actividad. La palabra
"gráfico" califica … a la palabra "diseño",
y la relaciona con la producción de objetos
visuales destinados a comunicar mensajes
específicos… Las dos palabras juntas:
"diseño gráfico", desbordan la suma de sus
significados individuales y pasan a ser el nombre de una
profesión … En función de proponer una
definición inicial, se podría decir que el
diseño gráfico, visto como actividad, es
la acción de concebir, programar, proyectar y realizar
comunicaciones visuales, producidas en general por los medios
industriales y destinadas a transmitir mensajes
específicos a grupos determinados." (Frascara,
1996:19)

Daniel Maldonado, coincidiendo con la
opinión de Frascara, considera que la denominación
"Diseño Gráfico" ha quedado desactualizada con
relación a las múltiples tareas que hoy lo definen,
y se debe cambiar su denominación por la de
Diseño en comunicación visual, porque "se
refiere a un método de diseño; un objetivo, la
comunicación y un medio, lo visual. La conjunción
de estas tres coordenadas definen las líneas generales,
las preocupaciones y el alcance de esta profesión."
(Maldonado, 2001:5)

Basados en la comunicación, es
posible establecer una adecuación funcional entre el
mensaje y su fin, mediante la figura de un
triángulo.

"El Diseño busca maximizar el
impacto de una comunicación entre un emisor y un receptor,
por las vías conjugadas del texto escrito, de la imagen o
del signo.

"Su capacidad comunicativa se mide por la
influencia que ejerce en el público y por la eficacia de
los medios utilizados para difundir esos mensajes.

"Moles fue el que estableció,
originariamente, la relación existente entre los fines y
los medios del Diseño, y sobre su carga semántica
denotativa (lo que quiere decir) y su carga estética
connotativa (cómo nos atrae diciéndolo).

"Sobre esa base, Bruce Brown trazó
el llamado "triángulo gráfico" para sintetizar
gráficamente el contenido comunicativo del Diseño.
Cada uno de los lados del triángulo está conformado
respectivamente por la persuasión, la
identificación y la información o
explicación.

"La persuasión procura convencernos
de que no existe más que una elección razonable; la
identificación tiene como fin que se distinga el elemento
en su contexto; y la información o explicación es
más simple de precisar porque refiere a la
comunicación objetiva de los hechos." (González
Ruiz, 1994:124/5)

A su vez, se puede efectuar el
análisis del Diseño Gráfico desde dos
concepciones: como arte y como técnica.

Es imperioso destacar estos principios
fundadores: Por un lado, el arte juega un papel preponderante, ya
que permite establecer un sinnúmero de vinculaciones en la
que es posible analizar el origen del Diseño y al
diseñador como artista; por el otro, un análisis
del Diseño como técnica aplicada, logra establecer
un nuevo canon en cuanto a las especificaciones de los recursos
tecnológicos, estrategias comunicativas, procesos de
realización, etc., es decir, asignar el rol de
diseñador como un artesano, ya que la finalidad
última de su actividad es la creación de
objetos.

En la actualidad, se puede fusionar ambos
criterios y establecer una síntesis de cada aspecto para
comprobar un fundamento esencial: el diseñador es un
artista–artesano y su actividad se encuentra signada dentro
de un orden intelectual, en el ámbito específico de
la creación de objetos.

En tal sentido, el Diseño
Gráfico surge como una integración comunicacional
de las distintas especializaciones. Tomando este criterio, el
Diseño se subdivide, a su vez, en: diseño
industrial, diseño arquitectónico, diseño de
modas, diseño de publicidad, diseño de
instrumentos, etc. Los roles que se le asignan a cada uno de los
profesionales pueden catalogarse en el siguiente orden:
diseñador industrial, diseñador de modas,
diseñador publicitario, diseñador de instrumentos,
etc.

En materia de computación, se
tomarán como criterios específicos los siguientes
enunciados:

• Diseño de programas: Un estudio
  minucioso de los lenguajes informáticos aplicados a
  los softwares utilitarios y de base.

• Diseño de juegos: Comprende una
  estructura delineada a partir de la combinación de
  lenguajes informáticos con sonidos, color,
  imágenes, etc., para el armado y producción de
  juegos interactivos.

• Diseño de Páginas Web: Un
  conjunto de normas que se establecen para el armado,
  compilación y publicación de páginas Web
  al sistema de Internet.

• Diseño Gráfico en PC: Un
  esquema de contenidos que aúnan las bases del
  Diseño Gráfico tradicional, aplicando los
  programas utilitarios básicos y específicos de
  diseño vectorial.

De la misma manera, para los
diseñadores en computación, se podrá
analizar un doble carácter: por un lado, todos son
operadores, y por el otro, cada tarea designará su rol:
diseñador de softwares, diseñador de juegos,
diseñador de páginas Web y diseñador
gráfico en PC.

1.2 GESTALT

La teoría Gestalt permite el
análisis del Diseño desde el punto de vista de las
leyes de la percepción, los que se pueden corroborar desde
múltiples fases, abarcativas de la captación de la
figura por el ojo humano y su configuración desde su
aplicación efectiva por medio de una integración
filosófica: ver la totalidad. El núcleo de la
Psicología de la Gestalt gira en torno a la siguiente
afirmación: La percepción humana no es la suma de
los datos sensoriales, sino que pasa por un proceso de
reestructuración que configura a partir de esa
información una forma, una Gestalt, que constituye un
todo, que no es la mera suma de las partes. Es anterior a las
partes y fundamental para ellas. No es una composición de
elementos. Las formas son totalidades cuya conducta no se
determina por la de sus elementos, sino por la naturaleza
interior total. (Cofer, 1991)

1.3 SIGNO

Desde la lingüística, se
estudian los componentes sígnicos de un texto o una imagen
conformados por dos concepciones: simetría y
asimetría para asignarles el grado de
representación: signo, símbolo y alegoría, y
dentro de esta estructura, se estudiarán las marcas
comerciales. Desde esta concepción, se encuentra
instrumentada para entender los ornamentos, formas integradoras y
lecturas icónicas de sus componentes
esenciales.

1.4 COLOR

Vinculado con las leyes de la pintura,
queda establecido un compendio de jerarquías en cuanto a
la aplicación de color, en las siguientes
categorías: primarios, binarios o secundarios,
intermedios, terciarios y cuaternarios. En otra gama de colores
se emplea el blanco y el negro ya sean por separado o en su
combinación para crear los llamados colores
neutros.

El aporte de la computación, en esta
materia, fue enriquecedora, ya que permite la aplicación
de distintos tipos de rellenos: uniforme y los llamados
especiales: relleno degradado, relleno de patrón, relleno
de textura, y rellenos PostScript.

1.5 IMAGEN

Las normas básicas establecidas
desde el ámbito del dibujo y la pintura, conforma el
aspecto teórico de la imagen. En computación, hay
que diferenciar el dibujo de la fotografía, no sólo
por la comprobación visual, sino también por los
aspectos del formato.

Un dibujo vectorial puede verse como una
nueva imagen en la medida en que los cambios de extensiones
conforman su estructura. Para el caso de la fotografía, se
aplican estructuras idénticas y también se
amalgaman con las reglas del pintura para la aplicación de
efectos, en un nuevo esquema interpretativo, ya que permite
vectorizar sus componentes y crear un efecto de dibujo en una
fotografía.

1.6 PUBLICIDAD

La publicidad ha creado un campo propio en
el que su aporte ha sido considerado como fundamental para
establecer un sinnúmero de relaciones entre la
comunicación de un mensaje y un estatuto que posibilita la
aplicación de esquemas básicos, entre ellos, el
afiche.

Asimismo, en ese estudio, se podrá
verificar sus alcances para organizar la llamada imagen
corporativa de una empresa, que "estratégicamente y
operativamente … ilumina el estilo y la conducta la
empresa; el sentido de las decisiones que toma y realiza; su modo
propio de concebir productos y/o servicios y de innovar; su
personalidad exclusiva y su manera distintiva de comunicar, de
conectar con los públicos y de relacionarse con ellos. La
imagen posee unas condiciones excepcionales que atraviesan toda
la dinámica de la empresa hasta el largo plazo." (Costa,
2001:67)

Autor:

Erick Geovanny

[1]