Realismo: Formas y expresiones

Introducción

El propósito del presente trabajo es justificar
mediante mis obras que el Realismo no es un "arte muerto"
solamente digno de estar en los museos, o ser parte de la
Historia, según el concepto de los teóricos del
Arte Contemporáneo.

Con este fin, se realizará un análisis e
investigación sobre la corriente artística del
Realismo pictórico que se desarrolló en Francia a
partir de 1850, cuando nace, sus motivos, sus
características, sus exponentes y su
trascendencia.

En la segunda parte se mostrará, a través
de mis obras, ya que todas son realistas y casi en su totalidad
figuras humanas, el nexo con la corriente pictórica
aludida. De mis obras se comenzará describiendo los
estudios de dibujo con lápiz, carboncillo, sanguina, a
veces con modelo vivo y con tiempo determinado para su
ejecución (constituyen prácticas).

Sucesivamente, mostraré como en mi pintura,
comienzo dibujando formas, simples primero y complejas
después, luego las ilumino para que éstas se
transformen en volúmenes, posteriormente les aplico color
y finalmente expresión. Juego mucho con formas,
volúmenes y expresiones, las delimito espacialmente, para
que éstas no parezcan oníricas, no es un
surrealismo. En mis obras siempre está presente la figura
humana, tratada con mucha sensibilidad y ubicada en diferentes
contextos.

El recurso que utilizo es generalmente la
fotografía y la técnica es la pintura al
óleo sobre lienzo o cartón prensado. Aunque
también he realizado grabados y xilografías de la
figura humana en soportes diversos.

En síntesis, el objetivo del presente trabajo es
relacionar mi obra con su referencia histórica (el
Realismo del siglo XIX), así como mostrar el proceso de
trabajo tanto en sus aspectos formales como expresivos y de
contenido, además demostrar que practicando uno adquiere
la perfección, y que se puede pintar un realismo novedoso
sin caer en un frío tecnicismo
académico.

CAPÍTULO 1

Realismo
pictórico

El Realismo es un movimiento que apareció en
Francia el año 1850 aproximadamente, después del
Romanticismo. Éste se basa, como su nombre indica en la
representación de la realidad, sin ningún
aditamento ni artificio alguno. La temática de este
movimiento es la figura humana tanto en actitudes cotidianas como
en el trabajo al aire libre, expresando de esta forma la fatiga,
también el retrato, sin poses estudiadas, sino bastante
naturales, éste último fue uno de los principales
temas utilizados en el siglo decimonónico, aunque
también se pintaron paisajes, bodegones, etc. Los artistas
de éste movimiento no solo dedican su pintura en plasmar
la belleza, encontramos también la fealdad y lo grotesco,
Daumier, uno de los mayores exponentes del Realismo utilizaba la
caricatura como ironía para satirizar a la sociedad y a la
política.

"El vocablo realismo, muy impreciso en su
significado y utilización a través de los siglos,
presenta contenidos contradictorios. Se le atribuye casi con
exclusividad el objetivo de indicar un período en el cual
el arte tiende a ser objetivo en sus representaciones y
referencias. Es decir, marca la diferencia entre realidad e
ilusión, entre realidad y ficción, sin olvidar la
fuerza que tiene esta última en sus realizaciones".
[2]

El Realismo, aunque no es un Naturalismo, igual que
él, se basa en la objetividad, se pinta a las personas y a
los objetos como son, o sea como se ven en la realidad, tanto
así, que éste movimiento se opone a los temas
históricos (vistos en el Romanticismo), a los temas
mitológicos, comunes hasta ese momento y a los temas
religiosos, que eran propios del Renacimiento, Manierismo y el
Barroco. O sea que es rechazada toda forma de
idealización. También se adopta como tema principal
la figura humana, no tanto el paisaje, utilizando para este fin
lienzos de gran formato.

• Características

El Realismo Pictórico fue una corriente
artística que se desarrolló en Francia entre 1850 y
1870 aproximadamente, y se caracterizaba por la
interpretación de temas de la vida cotidiana, gente
trabajando al aire libre, también se generalizan los
retratos, de gente común, pero también de los
nuevos burgueses.

Hubo muchos cambios al pasar del romanticismo al
realismo, siendo los principales las consecuencias sociales
emergentes de la industrialización, así como por
ejemplo la explotación laboral en la que se veían
incluidos tanto mujeres como niños, como también
una mala alimentación, hacinamiento en las viviendas,
pestes y desolación. Los artistas como una forma de
protesta, se dedicaban a interpretar la realidad social imperante
en el momento tal como era, éste se transformó en
el objetivo del Realismo, la representación objetiva e
imparcial sin idealización de ninguna naturaleza,
éstos toman también toman conciencia de los
problemas que afectan a las clases obreras: la pintura se carga
de contenido social. Su desarrollo está íntimamente
unido al desarrollo del socialismo en política y del
naturalismo en literatura.

El manifiesto del Realismo, publicado en 1850 por Gustave
Courbet, se basaba en lo siguiente:

"• La única fuente de inspiración en
el arte es la realidad.

• No se admite ningún tipo de belleza
preconcebida. La única belleza válida es la que
suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es
reproducir esta realidad sin embellecerla.

• Cada ser u objeto tiene su belleza peculiar, que
es la que debe descubrir el artista". [12]

Con este manifiesto queda establecido que la
temática ya no será la misma que era hasta ese
momento, o sea los temas basados en personajes bíblicos,
mitológicos, históricos, dando paso a una nueva, la
costumbrista, la popular, donde se pinta a la gente en plena
faena, con la fatiga que esto conlleva, los personajes son
tomados preferentemente de las clases sociales menos favorecidas:
campesinos, obreros, emigrantes; es el mundo del trabajo en toda
su miseria, también se pintan animales, paisajes,
bodegones, o sea al mundo que lo rodea, el mundo real. Surge un
nuevo artista, con un nuevo carisma, consciente de los problemas
sociales que ha originado la industrialización, de este
modo la pintura adquiere, en muchas ocasiones, un carácter
de denuncia político-social. Esto también se puede
notar en la arquitectura con el uso del hierro y el cristal entre
otros.

En cuanto se refiere a la técnica pictórica, el
carácter que distingue a la pintura moderna, es
también la importancia que se da al desempeño, el
cuidado que se otorga al claro-oscuro, a la perspectiva, y sobre
todo al color; el afán constante por conseguir el efecto
pictórico, y la plasticidad y relieve que se da al cuadro,
mediante la franqueza y generosidad de la ejecución.

Es preciso hacer notar que desde el punto de vista
técnico, el realismo no introduce novedades sino que
revitaliza la técnica de los grandes maestros barrocos,
especialmente de los españoles. El realismo barroco, en
cuanto al estudio de la luz y de las calidades, vuelve a tener
vigencia. La pincelada es firme, el contorno preciso.

El Realismo al oponerse a la idealización de
imágenes, el hombre es representado realizando sus tareas
normales de cada día y el tema de la fatiga, se convierte
en un impulso prolífico de inspiración. Los
enfoques directos, sin ambigüedades ni adornos suponen una
confrontación directa con el convencionalismo y con la
concepción del arte como una categoría sublimadora
de la realidad.

Los realistas se diferenciaron principalmente de sus
antecesores en la elección de los temas. En cuanto a la
técnica pictórica se mantuvieron convencionales y
familiarizados con ellos, también sus cuadros se
caracterizaban por la nitidez de las formas, la
contextualización perspectiva del cuadro y las
composiciones cerradas. Su preocupación por el enfoque
real de los temas se ve favorecida por la aparición de la
fotografía.

En general la técnica de los pintores realistas es muy
detallista, muy puntual especialmente en los dibujos que
realizan, ya sean como bosquejos de preparación,
así como fondo o primer paso para aplicar el color. Usan
el óleo y obviamente la pintura de caballete, las
dimensiones varían según el autor y el tema
elegido.

1.2 Exponentes del Realismo

Este movimiento tuvo artistas destacados como Corott, Daumier,
Doré, Coubert, Millet, siendo el más importante
Gustave Courbet, quien desarrolla una pintura sensual y muchas
veces erótica. Fue Courbert, en una carta remitida a un
periódico, el que definió su propia
pintura…"Soy un realista, porque ser realista significa ser
el amigo sincero de la verdad real". (Gustave Courbet)
[2]

Otro de los artistas que se destaca es Jean François
Millet, quien pinta en su mayoría escenas campestres pero
que las tiene en su memoria, recuerdos de su infancia, y como no
son tomadas del natural, tienen ese aire de nostalgia, lirismo,
de resignación, y que aunque denuncian la fatiga resultan
ser tiernas y delicadas. Los colores que usa generalmente son
tierra, ocres. Ej.: El ángelus. La pastora. Las
espigadoras. (1848). En este último, Millet
aplicó todo lo aprendido de la Escuela de Barbizon
(Escuela de pintores paisajistas). Las mujeres, que están
trabajando en el campo, rodeadas de una tenue luz, parecen ser
parte integral del lugar que las rodea.

En cuanto a Courbet, pinta a base de grandes manchas con
gruesos toques de negro. Realizó estudios sobre los
efectos de la luz y los reflejos en los paisajes: es considerado
como precedente de Manet y los impresionistas.

De los artistas nombrados anteriormente se tomarán como
ejemplo a Gustave Courbet, Jean François Millet,
también John Singer Sargent pintor realista y gran
retratista americano, para luego hacer una comparación
entre ellos y las obras de la autora.

1.2. 1 Gustave Courbet
(1819-1877)

Nació el 10 de junio de 1819 en Ormans, su familia era
de recursos por lo que tuvo una esmerada educación. Era un
gran admirador de Velásquez y Ribera, aunque
también de otros pintores del siglo XVII, si bien fue a
París a estudiar leyes terminó copiando a los
grandes maestros del Louvre.

Su primera obra realista fue Los picapedreros,
también El entierro en Ormans, fueron expuestas
en 1850 en El Salón (sala de exposición). En 1855
fue censurado por la crítica y rechazado por la
Exposición Universal, por ese motivo decidió buscar
un lugar para exponer sus obras, en él se encontraba el
catálogo conteniendo el Manifiesto del Realismo. En ese
pabellón expuso su célebre obra El estudio del
pintor.

La Comuna lo nombró Administrador de los museos de
París, a la vez que se le otorgó La Legión
de Honor, la que rechazó. El gobierno que le
precedió lo sindicó de destructor de la Columna
Vendome, le dieron una pena de 6 meses en la cárcel y el
pago de una multa, el huyó a Suiza.. Muere en La Tour Du
Peliz el 31 de diciembre de 1877.

Entre las obras más famosas del siglo XIX, se destacan
las de Courbet, pero no se debe olvidar que también le
dieron mucha fama los desnudos, especialmente El Origen de la
vida, en el que pinta un sexo femenino, obra calificada de
erótica.

Fig. 1

Gustave Courbet

El estudio del pintor, 1955

Oleo sobre lienzo

Museo de Orsay, París

1.2. 2 Jean François Millet
(1814-1875)

Jean François Millet proviene de una familia de
labradores, católicos puritanos. En el día
trabajaba en el campo a la par que su familia, aunque en su ratos
de ocio se dedicaba tanto a la lectura como al arte, por lo que
su padre lo envió a Cherburgo para formarse como
artista.

Millet perteneció a la Escuela Barbizón
(conjunto de pintores paisajistas franceses). Se lo considera el
mejor intérprete de la vida campesina, mostrando la
fatiga, el hambre, la miseria. Supo representar la realidad tal
como era, ya que en ese momento existía una lucha por la
supervivencia, debido en gran parte a la burguesía
consolidada luego de de la revolución de 1830. Como
campesino, vivió y sintió esa realidad de cerca, y
aunque sus obras las pintó de memoria, recordando su vida
en el campo, estas tienen la calma y la sencillez que solo se
encuentra en los bosques y en los campos.

Siendo uno de los pintores principales del movimiento
Realista, se caracteriza por el protagonismo que le infunde a la
figura humana relacionada con el trabajo, tanto en interiores
como en el campo. Sus obras no tienen la teatralidad y el exceso
de algunos pintores realistas. Entre sus obras, las más
conocidas son:

El Ángelus 1859-60, óleo sobre lienzo,
Musée d"Orsay, Paris

Las espigadoras, 1857, óleo sobre lienzo,
Musée d´Orsay, París.

El sembrador, 1851, óleo sobre lienzo, Museum
of Fine Arts of Boston.

Fig. – 2

Jean François Millet

El Ángelus, 1857-1859,

Oleo sobre lienzo,

Musée d´Orsay, París.

1.2.3. John Singer Sargent (1856-1925)

John Singer Sargent fue el retratista con más
éxito de su época, así como un pintor con
talento en la representación de paisajes y acuarela. Fue
un expatriado de Estados Unidos que pasó gran parte de su
vida en Europa. Sargent nació en Florencia, Italia de
padres americanos. Estudió en Italia, en Alemania y en
París con Emile Auguste Carolus-Duran.

Los retratos de Sargent revelan la individualidad y la
personalidad de los retratados. Sus más ardientes
admiradores piensan que sólo es comparable con Diego
Velázquez, uno de los pintores que más
influyó en él. La influencia más clara del
maestro español se encuentra en el cuadro Las hijas
de la familia Boit (The Daughters of Edward Darley
Boit), realizado en 1882. Intenta captar el aire
velazqueño de los interiores de los edificios, tal y como
lo representa Velázquez en sus Meninas. El
retrato que hace Sargent de Madame X, en 1884,
que fue uno de los favoritos del artista, es considerado
actualmente uno de sus mejores trabajos. Sin embargo, el veto a
sus obras en una exposición del Salón de
París (1884), provocó que Sargent se fuera a vivir
a Londres y que además decida de retratar sólo a
las bellezas exóticas de la época, como Rosina
Ferrara de Capri o la modelo española expatriada
Carmela Bertagna.

A pesar de que Sargent vivió en Estados Unidos menos de
un año, allí se encuentran algunos de sus mejores
trabajos, que incluyen decoraciones para la Biblioteca
Pública de Boston Retrató a algunos de los
presidentes de Estados Unidos: Theodore Roosevelt y Woodrow
Wilson.

Fig. 3

John Singer Sargent

Las hijas de la familia Boit (The Daughters of Edward
Darley Boit), 1882.

Oleo sobre lienzo

Museo de Bellas Artes de Boston

CAPÍTULO II

Formas y expresiones:
teoría e imágenes

En este capítulo se explicará la
metodología de trabajo, comenzando por lo básico:
las formas y seguidamente la explicación de las
expresiones logradas sobre las mismas.

2.1. Formas

La forma de un objeto viene determinada por sus
límites, aunque perceptualmente ésta
cambiará dependiendo de su orientación espacial o
de su entorno, así, ésta quedará plasmada
por los rasgos espaciales que se consideran
esenciales.

"La forma es la forma visible del contenido, y
sirve antes que nada para informarnos la naturaleza de las cosas
a través de su aspecto exterior, además,
ésta va siempre más allá de la
función práctica de las cosas, al hallar en su
forma las cualidades visuales de redondez o agudeza, fuerza o
fragilidad, armonía o discordia. Con ello las lee
simbólicamente como imágenes de la condición
humana. De hecho, esas cualidades puramente visuales del aspecto
exterior son las más poderosas, las que nos tocan de
manera más directa y profunda" (Arheim, 1999:106).
[1]

La precisión de la forma es necesaria para
comunicar las características visuales de un objeto, y
ello se logra mediante factores perceptuales como la simplicidad
de la forma, el agrupamiento ordenado, traslapo claro,
distinción de figura y fondo, empleo de la
iluminación y la perspectiva para interpretar los valores
espaciales.

La forma tiene dos propiedades muy diferentes de los
objetos visuales:

1) Los límites reales que hace el artista: las
líneas, masas, volúmenes, y

2) El esqueleto estructural creado por la
percepción por esas formas materiales, pero que rara vez
coincide con ellas.

Fig. 4

Lita Domínguez

Desnudo, 2007

Escultura en arcilla cocida

2.1.1 Volumen

El volumen es, junto con la forma, uno de los aspectos
que distingue a los objetos que nos rodean. Depende de la luz y,
por consiguiente, de las sombras que ésta produce. La
definición correcta del volumen de un objeto consiste en
valorar exactamente las intensidades de sus sombras. Existe
volumen cuando podemos apreciar y diferenciar varias clases de
sombras.

Podemos establecer dos clases de sombras: las propias y
las proyectadas. Sombras propias son las que se origina el objeto
a sí mismo, y las proyectadas son las que produce en las
superficies vecinas. También hay que tener en cuenta los
reflejos producidos por la luz que proyectan las superficies u
objetos vecinos, ya que aclaran la sombra propia. Entre la luz y
la sombra, hay una zona de transición o de medias tintas,
y que puede variar en extensión dependiendo de la
intensidad de la luz. Edouard Manet com todo impresionista que
sabía el papel que juega la luz, en 1870 decía:"El
principal personaje de un cuadro es la luz", y es que no puede
existir volumen sin luz ni sombras. [5]

Existen diversas referencias teóricas sobre los
tres aspectos de la luz que condicionan al artista en el
tratamiento del claroscuro, y que en definitiva le otorgan ese
aspecto tridimensional, siendo la interpretación sobre un
plano, o sea bidimensional. Estos serían:

• A. La dirección de la luz, al quedar el
  modelo iluminado por: luz frontal, lateral, contraluz,
  cenital, desde abajo, etc.

• B. La cantidad de luz, ya que de ella dependen
  los contrastes tonales que ofrezca el modelo y que,
  lógicamente, el artista intentará plasmar en el
  dibujo.

• C. La calidad de la luz, entendiéndose
  aquellos aspectos de la misma que dependen de su naturaleza y
  de las condiciones bajo las que incida el modelo, por
  ejemplo: luz natural, artificial, difusa, directa,
  etc.

Al iluminar un modelo se producen en él zonas de
luz, zonas de penumbra y zonas de sombra. Al mismo tiempo, el
cuerpo iluminado proyecta su sombra sobre las superficies y
objetos próximos. Las sombras propias proyectadas,
además, pueden alterarse a causa de la luz que se refleja
en las superficies próximas al modelo. (Curso completo de
dibujo y pintura: 2007.35) [5]

Fig. 5

Lita Domínguez

Volumen y perspectiva

Dibujo en carboncillo de una fotografía de
Brandt, 2007

2.1.2. Dibujos con diferentes
técnicas

El Taller de Mención en pintura, fue la
culminación de un trabajo iniciado con las asignaturas de
dibujo I y II y de pintura I y II, y en ambas la esencia es la
interpretación de la forma y el volumen y la posterior
aplicación del color, para ello se realizan diversos
ejercicios prácticos, que a la larga determinan la
facilidad y la perfección en el desarrollo de cualquier
interpretación artística que se decida
hacer.

En una primera etapa se comienzan realizando ejercicios
para la educación de la mano que constituyen los trazos
básicos y consisten en llenar láminas
con:

• 1. Líneas diagonales, verticales y
  horizontales con mano alzada, y aplicando los trazos de una
  sola vez (sin uso de reglas).

• 2.  Curvas y bucles.

• 3. Grisados y degradados en diferentes
  direcciones

• 4. Grisados y degradados situados dentro de
  distintas figuras

• 5. Grisados y degradados con diferentes tipos
  de trazos

• 6. Aplicación de trazos básicos
  que consisten en:

• Dirección de los trazos

• Encajado general

• Entonación general

• Valoración general

• Ajuste de valores

También se realizan prácticas de
cálculo mental de distancias, proporcionar y encajar, luz
y sombra, difuminos, claroscuros, nociones de perspectiva,
posteriormente dibujos diversos de objetos y partes del cuerpo
humano.

Fig. 6

Lita Domínguez

Práctica de dibujo con lápiz,
2008

Dibujo original de Agnolo Bronzino
(1503-1572)

Anatomy lessons from the great masters
[4]

Fig. 7

Lita Domínguez

Práctica de dibujo con Carboncillo

Dibujo original de Raphael Sanzio (1483-1520)

Anatomy lessons from the great masters
[4]

Fig. 8

Lita Domínguez

Práctica de dibujo con sanguina

Dibujo original de Raphael Sanzio (1483-1520)

Anatomy lessons from the great masters
[4]

Fig. 9

Lita Domínguez

Practica de dibujo con tinta china

Dibujo original de Rembrandt van Rijn
(1606-1669)

Anatomy lessons from the great masters
[4]

• Expresiones

En la pintura realista es fundamental la
expresión que percibimos en los seres humanos, tanto en
los rostros como en el cuerpo en general. Cada persona posee
líneas de expresión según la vida que lleve,
el trabajo que realice, la edad que tenga o lo que es fundamental
las emociones o sentimientos que albergue. Todo ello se
manifiesta en forma gráfica, así podemos ver en el
realismo pictórico del siglo XIX, que todos los artistas
ponían especial énfasis en las expresiones
corporales o gestuales, igualmente en mi trabajo trato de plasmar
en mis obras las expresiones o sentimientos de mis modelos, sean
éstos niños, adultos o adultos mayores.

Al finalizar todos los talleres, incluyendo los de
dibujo y pintura, decidí tomar como especialidad la
técnica de pintura al óleo. Concretamente al
realizar la parte final de Mención III taller de pintura,
decidí dedicarme por completo a personas de la tercera
edad, en primer lugar porque era un reto, en segundo lugar porque
era una culminación al estudio de la figura humana que
inicié en Mención I, pero finalmente por que es la
etapa más bella y tranquila en la vida de todo ser
humano.

¿Quien dijo que la vejez es fea?, ¿A
qué fealdad se refieren? Para mí el llegar a viejo
es una estación en la vida, es el otoño, tan solo
el anuncio del advenimiento del invierno, donde existe la
tranquilidad para poner en una balanza la vida misma, todo lo
malo en un lado y todo lo bueno en el otro, o lo que hizo o se
dejó de hacer. Es una etapa de soledad, en la que se
aíslan por gusto, por necesidad o por la decisión
de terceros. Es una etapa de equilibrio marginal, de recuerdos,
de amores vividos, de pérdidas regadas con llanto, de
resignación y de paciente espera. "Todo a su tiempo. Hay
tiempo de nacer, y tiempo para morir…"
(Eclesiásticos 3:1)

La vida va dibujando líneas cada vez más
profundas en la piel, el sol deja sus marcas cada vez más
oscuras, la nieve del invierno pinta de blanco los cabellos, los
años que se cargan durante tanto tiempo encorvan la figura
y deforman los huesos, la sed de amor y atención
deshidrata la piel, tornándola seca y flácida, en
fin el conjunto es el resultado de una vida plena, llena de
experiencias que dan como resultado esa belleza de la tercera
edad, del adulto mayor o como quieran llamarlo.

En mis obras trato de mostrar el largo sendero de la
vida. Si las analizamos, veremos que cada una tiene los
sentimientos en los ojos, en la piel, en sus líneas de
expresión, que son surcos que trazó la vida
día tras día, cada una de ellas pide a gritos
nuestra atención, con la mirada, con las manos….
Son los ojos que nos hablan, son las manos que nos llaman, son
las deformaciones que nos muestran su camino vivido, son sus
cabellos que nos enredan en la maraña de la vida que
entró en el estío, son los colores cetrinos de su
piel los que nos dicen que el ocaso está
presente….

Fig. 10

Lita Domínguez

Anciano bajo presión, 2009

Oleo sobre lienzo

• Dibujo preliminar de la figura
  humana

Plasmada de una u otra forma, sola o acompañada,
estática o en movimiento, idealizada o desempeñando
alguna actividad, la representación de la figura humana ha
sido ha sido el tema artístico por antonomasia en
cualquier época de la historia, más aún si
nos referimos al movimiento realista en el que es el tema
principal.

La forma de trabajo que utilizo es la siguiente: para
dibujar la figura humana se realizan diversos ejercicios con
lápiz, primero líneas simples, limpias y
continúas, dibujando el cuerpo por partes como por ejemplo
las manos, pies, rostro y otros, todo esto para tener
noción de la proporción.

Luego se pasa a practicar con modelo vivo, ya que es la
mejor manera de adquirir destreza en el dibujo del cuerpo humano.
Para ello se utiliza carboncillo y láminas grandes de
papel sábana. Es conveniente realizar los ejercicios con
tiempos limitados, éstos pueden variar de 10 a 30 minutos
dibujando de diferentes ángulos cada vez. Este tipo de
prácticas se hizo en el Taller de Artes Visuales del
artista Tito Kuramoto, con modelos contratadas, diferentes cada
semana, para que el ojo no se acostumbre y la memoria
tampoco.

Es conveniente que los modelos sean diferentes, tanto de
sexo como de edad, de esta forma se aprenderá mejor,
más rápido y sin teorizar demasiado
(canon).

Ver las siguientes ilustraciones.

Fig. 11

Lita Domínguez

Práctica figura humana con modelo vivo,
2005

Dibujo con carboncillo sobre papel

Taller de Artes Visuales

Fig. 12

Lita Domínguez

Práctica con modelo vivo de la tercera edad,
2008

Dibujo con carboncillo sobre papel

Fig. 13

Lita Domínguez

Práctica con modelo vivo de la tercera edad,
2008

Dibujo con carboncillo sobre papel

• Justificación
  anatómica

Los grandes artistas que se han preocupado por la
expresión de la belleza, cuando la han buscado a
través de un cuerpo humano de hombre o de mujer, han
orientado sus esfuerzos hacia la formulación de un canon
de proporciones, o sea, de una serie de relaciones
matemáticas que permiten determinar, a partir de una
primera relación muy simple todas las demás medidas
de un cuerpo ideal. Los cánones más conocidos y
más aceptados por las culturas de influencia grecolatina
se deben a dos grandes artistas de la Grecia clásica. Se
trata de Policleto (s. V a. C.) y su Doríforo de 7
cabezas y media, y del canon de Lisipo (s. IV a. C.),
éste último a mi parecer aunque se trata de una
medida ideal (ocho cabezas) es el más esbelto y el que
más se acerca a la realidad.

Existen varios métodos de estudio de la figura
humana, en casi todos ellos (si no es en todos) se basan en el
canon, pero son cálculos fríos y en todos se trata
de plasmar la belleza y perfección, que en todo caso no es
lo que yo busco (ni los realistas tampoco) ya que, como
aclaré al comenzar esta investigación se trata de
plasmar imágenes de personas normales, en sus quehaceres
cotidianos, no seres idealizados ni de la mitología
griega.

Siempre que puedo realizo ejercicios de dibujos
anatómicos, basándome en un libro de
anatomía de los grandes maestros, aunque está en
ingles me ayuda muchísimo a la hora de pintar la figura
humana, pues se hace un estudio de los movimientos realizados por
diferentes partes del cuerpo, tomando en cuenta los
músculos, huesos, articulaciones o tendones que en ellos
intervienen. En las siguientes láminas muestro un ejemplo
de ello.

Fig. 14 – A

Estudy of lower part of female nude

"ANATOMY LESSONS FROM THE GREAT MASTERS" by Robert
Beverly Hale – pg. 90 [4]

Fig. 14 – B

Lita Domínguez

Práctica de dibujo anatómico (extremidades
inferiores) en sanguina

Dibujo original de Jacopo Pontormo
(1494-1556)

ANATOMY LESSONS FROM THE GREAT MASTERS by
Robert Beverly Hale – pg. 91 [4]

Fig. 15 – A

Standing female nude

ANATOMY LESSONS FROM THE GREAT MASTERS by
Robert Beverly Hale – pg. 36 [4]

Fig. 15 – B

Lita Domínguez

Práctica de dibujo anatómico (pelvis) en
carboncillo

Dibujo original de Sebastiano del Piombo
(1485-1547)

ANATOMY LESSONS FROM THE GREAT MASTERS by
Robert Beverly Hale – pg. 37 [4]

Fig. 16 – A

Study of male figure, seen from behind

ANATOMY LESSONS FROM THE GREAT MASTERS by
Robert Beverly Hale – pg. 38 [4]

Fig. 16 – B

Lita Domínguez

Práctica de dibujo anatómico (parte
posterior) en carboncillo

Dibujo original de Peter Paul Rubens

ANATOMY LESSONS FROM THE GREAT MASTERS by
Robert Beverly Hale – pg. 39 [4]

2.2.3 Pinturas: niños, adultos,
ancianos

Después de haber realizado variados estudios de
la figura humana, me considero capaz de pintar un realismo
perfecto en cuanto a técnica se refiere. Comencé
pintando niños, primero retraté a mis hijos,
sobrinos, a mi nieta, también modelos de la calle, y por
último hice retratos por encargo (Roberto Valcarcel, mi
docente de tridimensional, decía que era una forma de
prostitución). Luego realicé pinturas de personas
adultas, pintura sacra (aunque la pintura realista no contempla
ese tipo de temas), los rostros y las posturas no son las
tradicionales, siempre le impongo rostros comunes y expresiones
normales, no idealizadas. Y por último desnudos,
éstos son de mi preferencia, creo firmemente que el cuerpo
humano es lo más hermoso e interesante por su complejidad,
además porque no existe uno igual que el otro, todos son
diferentes, aunque en esencia sean similares.

Finalmente me especialicé en personas de la
tercera edad. Para mí era un gran reto, por lo complicado
de las líneas de expresión, arrugas, manchas,
deformaciones etc., pero ahora lo hago con facilidad.

Aunque todas mis pinturas son realistas, en ellas juegan
mi imaginación y se involucra mis sentimientos. Mis
modelos son niños, adultos, ancianos, hombres, mujeres, de
diferentes edades, etnias y clase social. También en
diferentes contextos y con distintas ocupaciones cotidianas. Esto
lo ilustraré en los anexos.

Conclusión

A través de toda la investigación
realizada, y como fue planteada en la introducción, he
tratado relacionar mi obra con la técnica pictórica
de la corriente Realista del siglo XIX, tanto en los aspectos
formales, como expresivos y de contenido, en mi pintura cuido
mucho todos los detalles, en cuanto a la temática
corresponden a ese tipo de orden.

Personalmente he desarrollado a través de
éstos años conocimientos que aplico en mis obras,
no se trata de una mera copia de esa corriente artística,
ni de una continuación, sino una reformulación a
través del estudio concienzudo de la figura humana, para
que éste sea el tema principal de todas mis
pinturas.

Esto no quiere decir que dejo de lado otros temas que
también son realistas, como los bodegones y los paisajes,
también los realizo, pero no son de mi
predilección. El tema que más he interpretado es el
de la figura humana, concretamente el desnudo, mediante un
estudio anatómico, que llegado el momento es para
perfeccionar la técnica, porque de eso se trata, de
realizar una pintura real, creíble, objetiva, ya que en
ningún momento realizo pinturas fantasiosas o
mitológicas, pero tampoco con la crudeza o erotismo con
las que interpretaba Courbet, más bien me adecúo a
la sensibilidad de Millet y a la elegancia de Singer Sargent.
Especialmente en los temas cotidianos, y los retratos, sin poses
rebuscadas, todo es muy natural, como hemos visto en los artistas
aludidos.

Bibliografía

[1]ARNHEIM, Rudolf. Arte y percepción
visual. 1ra. Edición. Madrid. Alianza Editorial SA.
1999. 507 p.

[2] Artes de España. La pintura realista
.Movimiento de Arte el realismo, … [en
línea]. [Fecha de consulta 15 de junio de 2010]. Temas
disponibles en el Portal de Bellas Artes: Historia
del Arte
http://artespana.nosdomains.com/nicaso/movimientos/realismo.htm

[3]Arte el Naturalismo. [en línea]. [Fecha
de consulta 16 de junio de 2010]. Disponible en:
http://www.ciber-arte.com/movimientos/naturalismo.htm

[4]BEVERLY HALE, Robert and COYLE, Terence. Anatomy
lessons from the Grate Masters. First printing. Manufactured
in USA. Watson-Guptill Publications. 1997. 271 p.

[5]Curso completo de Dibujo & Pintura.
12ª Ed. Barcelona España. Parramón Ediciones
SA. Enero 2007. 287 p.

[6]DE LA REVILLA, Manuel. Antología del Ensayo
Hispánico "El naturalismo en el arte". [en
línea]. [Fecha de consulta: 16 de junio de 2010] Publicado
en 1879 en la Revista de España. Obras de D. Manuel de
la Revilla. Madrid: Imprenta Central, 1883. Pp. 147-168.
…http://www.ensayistas.org/antologia/XIXE/revilla/index.htm

[7]El Arte Realista. [en
línea]. [Fecha de consulta: 16 de junio de 2010].
Disponible en:
http://www.artelista.com/arte-realista.html

[8] Historia Del Arte: LA PINTURA REALISTA EN EL SIGLO
XIX. [en línea]. [Fecha de consulta:19 de junio de
2010]. Disponible en:

http://tom-historiadelarte.blogspot.com/2007/05/la-pintura-realista-en-el-siglo-xix.html

[9] JOHN SINGER SARGENT. PINTOR ENTRE EL ACADEMICISMO,
EL … [en línea]. [Fecha de consulta: 21 de junio
de 2010]. Disponible en:

http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2009/06/21/john-singer-sargent-pintor-entre-academicismo-el

[10] Realismo. [en línea]. [Fecha de consulta:
16 de junio de 2010]

Disponible en:
http://html.rincondelvago.com/realismo_11.html

[11] Taringa! – Gustave Courbet, el padre del
realismo. [en línea]. [Fecha de consulta: 21 de junio
de 2010]. Disponible en:

http://www.taringa.net/posts/arte/5741934/Gustave-Courbet,-el-padre-del-realismo_.html

[12]VALCARCEL, Roberto. Trabajos 1968 – 2008.
1ra. Edición. La Paz, Bolivia. Plural Editores. 2008. Tomo
II: 230 p.

[13] Wikipedia. Realismo
Pictórico. [en línea]. [Fecha de consulta: 15
de junio de 2010]. Disponible en:
http://es.wikipedia.org/wiki/Realismo_pict%C3%B3rico.

[14]Wikipedia. Jean-François
Millet. [en línea]. [Fecha de consulta: 20 de junio de
2010]. Disponible
en:http://es.wikipedia.org/wiki/JeanFran%C3%A7ois_Millet

Anexos

Índice de imágenes:

Fig. 1 El estudio del pintor – Gustave Courbet
7

Fig. 2 El Angelus – Jean François Millet
9

Fig. 3 Las hijas de la familia Boit – John Singer
Sargent 11

Fig. 4 Desnudo en arcilla – Lita Domínguez
14

Fig. 5 Dibujo en carboncillo de una foto de Brandt
17

Fig. 6 Práctica de dibujo con lápiz L. D
19

Fig. 7 Práctica de dibujo con carboncillo L. D
20

Fig. 8 Práctica de dibujo con sanguina L. D
21

Fig. 9 Práctica de dibujo con tinta china L. D
22

Fig. 10 Pintura al oleo – 3ª edad Lita
Domínguez 25

Fig. 11 Practica con carboncillo con modelo vivo L.D
27

Fig. 12 Práctica con carboncillo modelo vivo
3ª edad L.D 28

Fig. 13 Práctica con carboncillo modelo vivo
3ª edad L.D 29

Fig. 14 – A Ref. Anatómica extremidades
inferiores 31

Fig. 14 -B Práctica de dibujo extremidades
inferiores L.D 32

Fig. 15 – A Ref. Anatómica pelvis 33

Fig. 15 – B Práctica de dibujo pelvis L.D
34

Fig. 16 – A Ref. Anatómica parte posterior –
espalda 35

Fig. 16 – B Práctica de dibujo parte posterior
L.D 36

Índice de pinturas al óleo de Lita
Domínguez:

Niños

Fig. 17 – Niña cochabambina 43

Fig. 18 – Niña de azul 44

Fig. 19 – Niño en las gradas 45

Adultos

Fig. 20 – Analogía en ocre 46

Fig. 21 – Vergüenza 47

Tercera edad

Fig. 22 – Cholita anciana 48

Fig. 23 – La mendiga 49

Otros

Fig. 24 – Bodegón con calas 50

Fig. 25 – El viejo batán 51

Y algo más…

Fig. 26 – La gata Mimí 52

Niños:

Fig. 17

Lita Domínguez

Niña cochabambina, 2005

Oleo sobre lienzo

Fig. 18

Lita Domínguez

Niña de azul, 2005

Oleo sobre lienzo

Fig. 19

Lita Domínguez

Niño en las gradas,
2009

Oleo sobre lienzo

Adultos

Fig. 20

Lita Domínguez

Analogía en ocre…,
2009

Oleo sobre lienzo

Fig. 21

Lita Domínguez

Vergüenza, 2010

Oleo sobre lienzo

Tercera edad

Fig. 22

Lita Domínguez

Cholita anciana, 2009

Oleo sobre lienzo

Fig. 23

Lita Domínguez

La mendiga, 2008

Oleo sobre lienzo

Otros

Fig. 24

Lita Domínguez

Bodegón con calas,
2005

Oleo sobre lienzo

Fig. 25

Lita Domínguez

El viejo batán,
2009

Oleo sobre lienzo

Y algo más…

Fig. 26

Lita Domínguez

La gata Mimí,
2008

Oleo sobre lienzo

DEDICATORIA

Dedico este trabajo final de
grado:

• A mi esposo César Castro
  Mendoza, por su amor, confianza y por su apoyo
  incondicional.

• A mi madre Lola Araújo
  Ruíz, por su cariño y porque se sintió
  orgullosa de mis logros en todo momento.

Partes: 1, 2