Picasso y el cubismo analítico-sintético (1910-1913)

Cubismo.
Definiciones

– El cubismo no es un procedimiento, sino una
estética, que tiene una relación con todas las
manifestaciones del pensamiento
contemporáneo. 

– El cubismo ha impuesto un nuevo orden mental frente al
cuadro. El espectador ya no solo se deleita, interviene,
reflexiona y se apoya en las características
plásticas de los objetos esbozados como formas.

– En el cubismo lo que importa es sobre todo lo que se
quiere hacer, la intención que se tiene al
pintar.

– Picasso y Braque en la pintura cubista transmiten su
búsqueda por plasmar lo táctil, lo sonoro, lo
sensitivo, lo temporal, en la realidad de la pintura. Un desvelo
por traspasar el plano meramente bidimensional del lienzo hacia
una nueva sensibilidad del arte, por quebrantar la corporeidad de
los objetos plasmados y crear un nuevo espacio
pictórico.

– En el cubismo analítico las figuras
imaginariamente se rompen, se analizan, y en el cubismo
sintético, al pintarlas se reconstruyen mediante
superposición geometrizada de elementos y
planos.

– Se usa un progresivo proceso de segmentación
analítica de la figura y otro cada vez más complejo
de síntesis de la forma y el espacio, sin perder la
fisonomía de lo que se representa.

– El uso de la luz es completamente arbitrario y
estrictamente para acentuar los contornos y afilar los
relieves.

Entorno del
cubismo analítico-sintético

Picasso y Fernande (1904-1912)

Picasso y Eva (1912-1915)

– Fernande acompañó a Picasso de
1909 a 1912 y Eva de 1912 a 1915.

– En el invierno de 1910 a 1911 Picasso y Braque
mantuvieron una colaboración tan estrecha que es
difícil aventurar el origen de las ideas que ambos
pusieron en marcha.

– El paisaje catalán, sus colores y la estructura
casi cubista de los pueblos y construcciones inspiraron las ideas
cubistas a Picasso.

– El cubismo analítico-sintético abarca
desde 1910, época de la Primera Guerra Mundial, hasta
1914, año en que se rompió el vínculo
creativo entre Picasso y Braque.

– En diciembre de 1915 falleció Eva, su
compañera desde 1912, cerrando esta etapa de su vida
artística.

Fase
analítica del cubismo
analítico-sintético

Características

– Distingue y separa las partes de un todo para conocer
mejor sus elementos.

– Se basa en la descomposición de formas y
figuras en elementos  geométricos.

– Fragmenta la imagen en elementos simples y
racionalistas.

– Descompone la imagen en múltiples elementos
para que después el cubismo sintético reconstruya
una nueva realidad.

– El objeto se descompone en elementos pequeños,
en elementos independientes y móviles.

– Utiliza como elementos geométricos,
principalmente los triángulos, los rectángulos y
los cubos.

– Los objetos van descomponiéndose cada vez
más, conforme avanza el periodo
analítico.

Fase
sintética del cubismo
analítico-sintético

Características

– Conforma un todo mediante la unión de varios
elementos.

– Se basa en la reordenación, en formas y
figuras, de pequeños elementos limitados generalmente por
superficies y líneas rectas, sobre planos y en
orientaciones distintas.

– Rompe con la perspectiva. La perspectiva
única desaparece y se fragmenta en líneas y
superficies.

– Los planos sólidos se quiebran, los contornos
del objeto se rompen, para crear un nuevo lenguaje de
volúmenes.

– Crea una perspectiva múltiple, que permite
por ejemplo, ver un rostro tanto de frente como de perfil, a la
vez.

– Ofrece múltiples perspectivas de un solo
objeto, múltiples ángulos de visión de un
mismo elemento.

– Utiliza la fragmentación, distintos puntos de
luz, y ruptura del contorno de los objetos.

– Ya no existe un único punto de vista ni tampoco
hay sensación de profundidad ni de detalles.

– Esta nueva forma de comprender la perspectiva
recibió el nombre de perspectiva
múltiple.

– Resalta a través de colores y formas
predominantes las partes más significativas de la
figura.

– Utiliza colores apagados como el verde y el gris,
sobre todo en su primera época.

– El color pasa a un segundo plano.

– Conquista un nuevo espacio al dar la sensación
de volúmenes.

– Expande el objeto, crea un dinamismo que trasmita
vida, un espacio con  resonancias musicales, plasma el
tiempo.

– Presenta así un arte específicamente
temporal, con movimiento, y vibraciones sonoras.

– Continúa con el color limitado a tonos ocres, y
grises, porque se pierde el interés en reflejar el tono
natural del objeto.

– El color y la luz pierden importancia frente a la
forma.

– La incidencia de la luz varía en cada
plano.

– La fragmentación sirve para crear el espacio y
el movimiento en el espacio. 

– Los instrumentos, especialmente los musicales en sus
cuadros, son los elementos más identificables, dentro de
la ruptura de la forma homogénea y la discontinuidad de
los contornos.

– Fusiona figura humana con instrumento, partitura
musical con paleta de pintor, objeto con sujeto.

– Ordenada la estructura a partir de líneas
verticales, horizontales y diagonales a las que van agregando
planos.

– Introduce algunos elementos realistas, como botones,
en la laberíntica estructura de planos, para facilitar
identificaciones.

– Introduce la nueva técnica del collage en la
pintura. 

Pinturas del
cubismo analítico-sintético

Retratos de bustos

En 1910, pintó entre otros los retratos de
Ambroise Vollard, Wilhelm Uhde  y Daniel-Henry
Kahnweiler. A pesar de trabajar en numerosas sesiones con sus
modelos, pintó más con la imaginación del
pensamiento, que con la visión de sus ojos. Y a pesar del
progresivo proceso de segmentación analítica del
espacio y la forma, captaba la fisonomía de los
personajes.

Mujer con peras, Fernande MoMA, Nueva
York.

Daniel-Henry Kanh. 1910 Óleo sobre lienzo,
81 x60 cm. (Instituto de Arte de Chicago)

Ambroise Vollard. 1910 Óleo sobre lienzo,
93 x66 cm. Museo Pushkin, Moscú.

Wilhelm Uhde. 1910 Óleo sobre lienzo, 81
x60 cm. Colección Pulitzer, St. Louis

Juan gris, 1912.

Ambroise Vollard

En él se presentan planos desde distintos puntos
de vista y la pintura está compuesta por planos
geométricos rítmicos. Se descompone el retrato
modelo en facetas y se reconstruye de forma que pueda ser visto
desde varias perspectivas diferentes, como si fuese una
escultura. El color es limitado a varios tonos neutros, una
paleta formada por ocres, negros y grises. Interesa más la
forma y el volumen que el color. El retrato destaca el rostro
claramente al ser pintado de un color diferente.

Las formas se geometrizan y se descomponen. Las
imágenes se convierten en una serie de planos de
tamaño desigual, discontinuos y cortados en complejos
entramados de líneas. El volumen y la profundidad
desparecen en fragmentos descompuestos en planos, que acercan
detalles lejanos o menores, dejando los importantes
alejados.

La visión frontal y lateral se superpone de igual
forma en planos contiguos.

Retratos corporales femeninos

Mujer desnuda. 1910. Óleo sobre lienzo.
The National Gallery of Art, Washington, DC, USA

Muchacha con mandolina, primavera 1910, 100,3 x
73,6 cm,  óleo sobre lienzo, The Museum of Modern
Art, Nueva York

La mandolinista. París, 1911 Óleo
sobre lienzo, 100 x65 cm.

Jolie MOMA, Nueva York.

Muchacha con mandolina, el fraccionamiento no
sacrifica la forma figurativa del instrumento y ello permite
distinguir sus formas claramente. Vemos que se trata de un
instrumento con un mango más largo que la mandolina, la
forma de la caja frontal es más alargada, con la parte
final en forma rectangular y la posición del cordal es
mucho más baja. Este instrumento se trata del laúd
griego,  distinto a la mandolina.

Retratos corporales masculinos

Hombre fumando en pipa. 1911

Acordeonista. 1911, Óleo sobre lienzo,
130.2 x 89.5 cm, Museo Solomon R. Guggenheim, New
York.

Hombre con clarinete. 1911, Óleo sobre
lienzo. 106 x 69 cm. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

El aficionado. París, 1912
Óleo sobre lienzo, 135 x82 cm.

Hombre con mandolina. 1913 Óleo sobre
lienzo, 154 x77 cm.

Hombre fumando en pipa. Esta tela presenta un
elevado grado de abstracción; el análisis de las
figuras le ha llevado a la descomposición de éstas
en unas formas que adquieren valor por sí mismas,
convirtiendo la tela en una combinación de líneas y
planos. El tema es casi irreconocible; la fragmentación no
se limita a la figura, sino que se extiende por toda la tela,
quedando el espacio descompuesto en planos; el sombreado refuerza
las relaciones entre los planos. Esta tela representa la
culminación del Cubismo analítico, pero en ella se
encuentran ya todos los requisitos para formular el Cubismo
sintético. 

El guitarrista, 1910.

El torero, 1912.

Botella de ron, 1911, óleo sobre lienzo,
61,3 x 50,5 cm,

Bodegones

Instrumentos musicales

Violín y paleta, Braque, 1909,  x 43
cm, óleo sobre lienzo, The Solomon R. Guggheim
Museum, Nueva York

El clarinete. 1911 Óleo sobre lienzo, 61
x50 cm.

Hombre con guitarra. 1912. Óleo sobre
lienzo. 51 13/16 x 35 1/16

Objetos sobre un piano, 1912 Óleo sobre
lienzo, 50 x130 cm.

Violín y paleta

En este cuadro se ve claramente cómo la
fragmentación de los volúmenes en el cuadro se
inicia en el violín y se expande hacia fuera, como
señalando que el origen de este estallido lo produce el
sonido del mismo. Al romperse la perspectiva bidimensional, el
violín adquiere vida propia, surge una nueva
representación, como para que se perciban sus notas y su
vibración.   

La presencia menos fragmentada de la partitura
musical,  junto a la paleta del pintor, habla de
similitud y asociación, refleja la unión de la
pintura y la música, la partitura como soporte material de
los tonos musicales y la paleta como soporte material de los
tonos pictóricos.

 Los ocres pálidos, los verdes los grises y
los blancos son las tonalidades cromáticas en este espacio
pleno y móvil.

Otros bodegones

Chocolatero, 1909

Botella de Anís del Mono, 1909 Óleo
sobre lienzo, 81 x65 cm.

El vaso, 1911.

La paloma con guisantes. 1912 Óleo sobre
lienzo, 65 x54 cm.

Fuentes

http://www.drasolt.com/index.php?template=cubismodepicasso

http://quieroarteyfotografia.blogspot.com/2012/07/retrato-de-ambroise-vollard-1910.html

http://www.avamus.org/revista_qdv/qdv_numero2.html

Enviado por:

Rafael Bolívar Grimaldos